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对于音乐我始终抱有这样的体验：写歌的人用心，听歌的人留心，便有了很多说不完的故事。音乐本来就是没有什么界限的东西。赋予它生命力的，是词曲、歌者、听众某个片刻的倾注的感情。或许字面并没有什么，而你的感知，却给予它很多“言外之意”。而这样的组合，已经足够多地各色各样。像一幅被画下的印象派画作——-美丽的片刻稍纵即逝，你得用心把它记录下来。

每一首歌都倾注了作者的真情实感，每个字都好像在拨动你我的心弦，每一段旋律都充满画面感，把你引起了歌曲中，沉浸于此，带出了某个已尘封已久的回忆。今天，就让我们一边听着歌，一边找寻那些最美好的回忆吧~~~

I Got You (I Feel Good)James Brown

“如果你和那个恰巧的她相遇了，我想你一定会忍不住唱出来，啊！So good, So good, ‘Cause I got you！”这也是我对这首歌第一句喊出来的感觉！真的很传情！我也一定要这样告诉全世界！太喜欢这样的声音和节奏。

Indiana?Jon McLaughlin

一首因为自作多情听上瘾的歌曲。从前不喜欢循环播放一首歌，不知道从什么时候开始有了循环播歌的习惯，也许是我们长大了，不乐于通过言语表达来释怀，于是在音乐中消化。与人交往，最怕过后的错失，也是这首歌给我最大的感受。有时候看到喜欢的人渐渐成为别人的someone，会用这首歌疗疗“伤”。

 

YOUTHTroye Sivan

深深被他的声音迷死了，介于男人跟男生之间。被带入到了，我心底里最深沉的回忆。虽然每一段过往都会藏着些与某人的经历。但始终要慢慢收拾好。听这首歌就是这样的感觉吧。如果能说一句，My youth is yours。也没什么太遗憾的。

Where Have All The Flowers Gone?The Brothers Four

美妙的和声，沁人肺腑，简单的旋律，简单的歌词，富有画面感，吉他的声音凑出了沧桑感。花儿都去哪了呢？你要问我，我会告诉你，在春天里了吧。愿你有一个春天，建一座花园，也有可采摘的花朵。

Que Sera, Sera??Doris Day

喜欢田园牧歌式的美感，带着小伤感的抒情。《后会无期》里响起这首歌的时候，觉得恰到好处。长大，总要思考除儿女情长外人生问题。特别是夜里，会突然想，自己的人生到底能怎样？始终到不了个头，便如此慰藉：Que Sera, Sera，Whatever will be, will be,The future’s not ours to see ,Que Sera, Sera

When I Was YoungerLiz Lawrence

每次听上面的Que Sera，会忍不住接上这首。安静的感觉如同在一个散漫的下午品着一杯香茗，一点一点的把往事回忆，感动，缅怀，悠长。有时候会对自己的一事无成，愧对父母。总希望能够让他们自豪，像还要开家长会的小时候，会特别努力。想着拿到好成绩，站在讲台上讲话。看到爸妈在底下，开心鼓掌。

Sugarcane?Missy Higgins

高中时期最爱听的歌，听了不下一千遍。现在突然在一个夕阳洒满房间的傍晚听到这首歌，看到窗外飞逝的流光，耳朵里missy higgins童话般流淌的旋律，高中时期青涩的气息，竟如同昨天，眼泪就止不住了。

I Got YouJack Johnson

让人醉醺醺的轻松慵懒的声音，缓缓的节奏，心情好到飞起来。随心随性、自由惬意，嘴角会扬起。初相遇一定是忍不住喊出的惊喜，拥有彼此的相处会日渐趋于平静。像这样感到拥有的满足。说话都轻言细语，犹如临睡前的一句叮咛，关灯了，晚安。I got you?，I got everything.

偶然重听以前的老歌，才发现小编以前根本没有听懂。旋律明明熟悉温厚，却微妙地又一次击中心灵。或许，是在外面经历了风风雨雨后，回过头才真正理解他们要传达的意思。发现自己也和别人一样受困于这个红尘时，幡然醒悟的同时夹杂着丝丝无奈，但我决定继续不甘平凡的前进。

“短期的利益之下，音乐的大音量化也许可以得到许多注意力与吸引力，但却损失了歌曲的呼吸与韵律；回归到音乐的本质之上，真的是打了胜仗吗？”

在过去的二三十年内，全世界的音乐圈默默的正在打一场不会直接浮出台面上，私底下却是暗潮汹涌的仗：Loudness War音量战争。

母带后期制作工程师（Mastering Engineer）的工作应该是要完成好声音工程里的最后一道把关工作，使声音的表现与质量更加完美，但随着媒体曝光与制作公司的坚持，为了抢夺更让人短暂注意到曲子的方式，使得工程师们被迫滥用Compression压缩器来打乱声音音量原本的动态范围，强制提高整体音量，这造成了一个恶性循环的问题：“在Mastering这关，音乐听起来好不好反倒变成模糊的焦点，但是要最大声才是重要的。”这个错误的观点。

| “Loudness War音量战争”到底是什么？

在开始谈论音量战争之前，我们必须先来认识与了解一下“Loudness War音量战争”到底是什么？如果使用文字的方式来解释，我觉得维基百科上对于音量战争的形容蛮好懂的。

在短时间内，响度更大的音乐让一般听众感觉声音更好听。所以商业作品希望在响度上不输于其他作品。我们来举个例子：

假设音量上限为0dB，一个段落原本的响度为：

-4dB-2dB-6dB

响度提升的第一阶段是整体提升（所有响度+2dB），既：

-2dB-0dB-4dB

由于第二个响度已经达到最大，无法再进行整体提升，所以只能将未达到最大响度的部分按比例提升（即压缩）：

-1dB-0dB-2dB

可以看到，压缩以后，响度再次得到了提升。但是动态范围（最大响度与最小响度之差）变成了2dB，而原本的动态范围是4dB。

以上内容节录于”维基百科,音量竞赛”一文

一个问题来了：既然经过压缩压过头的声音不见得是好声音的状况下，为什么全世界的录音室或个人工作室却还是会投身进入Loudness War音量战争呢？文字也许较难传达意思，士昕画个简单的图来帮助说明。

假设这张白色的纸是全世界的聆听市场，而音乐本身当然就是Music。

但是这个市场上绝对不会只有你一首音乐…所以音乐的世界观应该是这样：

但是除了音乐的本质之外，如何在这么壅挤的状态之下，更容易跳脱出来，更容易被受注意呢？

因此这样就跳出来了！但是其它的唱片公司或者其它的制作公司怎么可以输呢？因此下面这情况就发生了……

因此这个现象，这场战争就这样开打了

早期Mastering母带后期制作关卡中的做法是简单的将音波震幅拉高，进而堤高整体音频，但是在Loudness War音量战争的竞争之下，越来越暴力的Compression压缩器技法用来强迫使的整个音量调整到压制了整体音频的动态音量表现，进而造成了整首曲子的完全失去动态表现与呼吸；因此透过于文字和图解的方式来叙述，我们现在已经大致可了解什么是Loudness War音量战争，而且也已经可以了解它的可怕。

| 为什么在Loudness War音量战争里，大声不一定等于好呢？

基本上Loudness War音量战争会造成三个最明显、最不好的关键点问题。

1. 过度压缩歌曲的动态音量，曲子不再拥有自然的呼吸与动态范围。

2. 每首曲子的响度较大，容易造成听觉疲劳。

3. 耳朵听力受伤。

让我们一条一条的来检查与说明为什么：

过度压缩歌曲的动态音量，曲子不再拥有自然的呼吸与动态范围

示范音乐：Dream Theater 1992年的专辑Imagine and words里的Pull me under（此为EU德国压片的CD版本。）

处理音讯：16bit/44.1kHz

Mastering的工作由美国知名的母带后期制作工程师TedJensen于Sterling Sound Studio完成。

该专辑1992年时，原版的CD直接置入Pro Tools时的音波讯号大小图：

而要是这张专辑是在2014年发行，也许置入时的音波讯号大小图会是这样：

单一看波形与只听试听的声音，也许你会认为声音变大更饱满了，中高频好像被听的更清楚了。这是因为人的耳朵容易有种因为音量而产生的错觉，即便音量只被提升了0.5dB，也会因为觉得音量较大而错觉感觉某些频率较多，进而产生了错觉认为大声的音档较为好听。

那也许有人有疑问：那有什么不好的？如果觉得太大声，只要把音量钮拉小声就好啦！

大错特错！

因为声音一旦已经经过了Compression压缩器处理过后，声音波形的本质就已经受到改变与处理，之后不管听众怎么将播放的音量大小做改变，也无法再改变声音的波形与本质。

我将原先的双声道曲子撷取成为单声道，再使用Photoshop将声音重迭盖入，再将波形调整为两者音量相同的音量，然后我们来看一看。

你可以发现，当两者的音量调整至一样的大小时再做相较的时候，原先红色的音波波形拥有较多的动态范围，而蓝色压缩的较夸张的处理方式，却被压缩切割掉了！我个人非常喜欢这段音乐里的落地鼓，非常好听，但相较之下，原先那深沉又有厚度好听的爵士鼓动态，全被压扁了……

Ted Jesen担任了Dream Theater超过20年的Mastering Engineer因此其实照理来说，同个乐团同个后期母带混音师，差异不会如此夸张；但因为为了使用同一首曲子，不同年代的母带后期制作差异，因此故意将此首曲子重新压缩了一次，用以示范两个声波重迭的差异性。

每首曲子的响度较大，容易造成听觉疲劳

流行歌也是、电影配乐也是、古典音乐也是、本来应该要拥有截然不同的动态表现。

举例来说，通常古典音乐的录音需要尽量保留住原先乐器演奏的音色与动态，因此整体的动态范围差异会非常大。（点我收看FF Studio所撰写的：古典乐录音跟其它种类的录音有什么不一样。）

再举个例来说，就像是爵士乐的爵士鼓演奏很多桥段都会使用鼓刷来进行演奏，而此类型的节奏方式并不像流行音乐的敲击力道如此之大。

再举个例来说，Hard Rock，这种乐团的音乐曲风通常都会让爵士鼓乐器的小鼓拥有非常清脆又有Punch的力道。

但是要是今天，每一种音乐属性都变的越来越像，这些原本属于各种不一样音乐曲风所拥有的不一样动态范围表现，却一致性的变的一律都非常大声，这样听没有多久，先不管音乐的好听与否，耳朵就非常容易产生听觉疲劳的现象了。

耳朵听力受伤

就像Balanced Audio Lab平衡音讯实验室的主旨所打的”声音的延伸是音乐，而我们的生活离不开声音。”

不管是音乐、说话、广播、电视……等，当我们人的耳朵习惯与维持生活在一个持续高音压的生活环境里，逐渐的会与小音量、小声音讯号疏远；这道理就像是长期居住在施工地点旁的居民，听力会日渐衰弱的意思是相同的。

而在Loudness War音量战争的浅移默化之下，我最讨厌的一件事就是：不管是电视广告、Youtube广告、电台广告……等声音的任何表现都会被受影响！在听音乐或看电视时，我们总是固定着一个旋钮不做任何的音量改变，但在突然进Youtube前的广告或某则电视广告却出现了吓死人的音量，光是这点就会让人吓到心脏飞出来……

这点真的是会突然让身心吓一跳，长时间累积下来真得对听觉系统而言不是一件好现象……

| 设置与制定标准，很困难，但是却是第一步、幸好是第一步、至少是第一步

在英国，早已有广播联盟设置了关于音量控管的标准。在最初的时候，他们控管音量不能超过PPM 6（Peak Programme Meter）（=+8dBu）只是这个有一个麻烦的地方，因为Peak loudness和可以被感知的响度音量是不一样的东西；即便量表是显示在PPM 6 ，但是透过于Compression压缩舍弃掉动态的方式，你还是可以得到一个“感觉比较大的音量。”

然后在2010年8月的时候，EBU（European Broadcasting Union欧洲广播联盟）宣布了LoudnessRecommendation EBU R128的标准。这个设立的标准，准确的帮助了广播系统的声音工程可以更加精准的去诠释与规范。PPM和R128不一样的地方就是R128不是像PPM一样的最大值的Meter，而是指平均音量的Meter；而使用于监看这个标准的单位称之为LUFS（在美国称之为LKFS，是一样的东西）。

在欧盟有规定于广播系统当中一切的标准不能超过-23 LUFS ± 0.5 LU（对于现场节目有正负0.5 LU值的宽容值）举例来说，这代表的意思就是指在一个节目当中整首曲子的动态范围，平均值必须在-23 LUFS以内。其实这是一个非常非常好的现象，因为这代表着一个曲目可以拥有非常多的动态值，而且整体过度压缩的状况与习惯就会因为这样进而去做改变。

结语：如何结束Loudness War音量战争？

设置的音量标准是抑止Loudness War音量战争的一个非常好的开始，但这可能还有很长的一段路要走。因为在现今数字化世界全球的录音室或个人工作室林立的状况下，你要如何一次统管全球诸如此类的唱片公司、配乐制作、音效设计或声音等制作出版的声音控管标准状况？必须老实说，Loudness War音量战争绝对不会因为一两个平台或是一两个国家制定了标准就结束，这还是一场必须打非常久远的仗。

最重要是，让音乐从业者和消费者理解与接受”动态控制”才是整首歌最该被注重到的细节与呼吸。

标注：原文为国外作者Orin Zebest’s所著，由台湾作者游士昕TedYu作繁体字编译，由“影音新生活”Alex作简体字图文编辑。

“蓝色多瑙河”曾出现在电影《2001太空漫游》中

它是“圆舞曲之王”小施特劳斯的代表作

这首曲子通过电影得到了广泛的传播

是不少人走进古典音乐大门的乐曲之一

你会因为哪一首曲子而爱上古典乐

是深邃的交响曲还是轻松悦耳的小品

也许，这10首曲子就是很多人爱上音乐的开始

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1
音乐界的 “最佳模仿奖”
冯·苏佩：轻骑兵序曲

如果古典乐界有“模仿大赛”，那么这首《轻骑兵序曲》不是第一就是第二，它将战场的情景描摹得简直完美，从开头两支小号吹出的引子开始，一段戎马生活就拉开了序幕：骑兵整齐的队伍、紧张的巡视、马蹄的奔跑、激烈的战斗、对死者的哀悼… 应有尽有，它的基调总体上是乐观向上的，因为这首乐曲在辉煌的高潮中结束。

2

维也纳新年音乐会必演曲目
小约翰·施特劳斯 ：蓝色多瑙河

这是“圆舞曲之王”小约翰·施特劳斯的代表作，曲名取自卡尔·贝克的诗作，它被誉为“奥地利第二国歌”，也是每年的维也纳新年音乐会的保留曲目，还是行走在奥地利的“导航仪”：只要哼唱这首曲子，就会有人告诉你通往多瑙河的路。而且多瑙河并不是蓝的，“蓝色”只是对河水永久清澈的祝愿，据说，它的河水一年中要变换8种颜色。

聆听这首曲子，就仿佛在多瑙河畔度过了愉快的一天：清晨的薄雾、多瑙河的水波、喷薄而出的朝阳、阿尔卑斯山麓人民快乐的舞蹈…都能在这里听到。

3

最会玩的提琴小品
施特劳斯兄弟：拨弦波尔卡

这是由“施特劳斯兄弟”小约翰·斯特劳斯和约瑟夫·斯特劳斯共同创作的特色乐曲，这首曲子听起来极为有趣，本曲仅由交响乐团中的弦乐器拨弦演奏，新奇灵动之余还要整齐划一，对乐团挑战不小。

4

“匈牙利灵魂的表露”
柯达伊：加兰塔舞曲

柯达伊把一生都奉献了给匈牙利的音乐和音乐教育，他是指挥乔治·索尔第的老师，也是一位较为本土的作曲家，他的作品中处处都能找到匈牙利民间的曲调。《加兰塔舞曲》是他最出名和演得最多的曲子，但相对而言，我们还是很少能在音乐会上现场欣赏到这首舞曲。

柯达伊少年时期曾在小村庄加兰塔生活了七年，这首曲子是为布达佩斯爱乐管弦乐团成立八十周年而作的。同为匈牙利作曲巨擘的巴托克曾评价柯达伊的音乐是“匈牙利灵魂的表露”。

5

音乐中著名的 “急就章”
罗西尼：塞维利亚的理发师序曲

二幕喜歌剧《塞尔维亚的理发师》以法国作家博马舍的同名讽刺喜剧为蓝本，并由史特宾尼编剧。罗西尼以短短13天一气呵成谱好曲，是古典音乐里极为有名的“急就章”，大概除了莫扎特，就属罗西尼作曲最快了。

虽然这部歌剧首演遭到惨败，但最终它通过了时间的考验而流传下来，这首序曲的出名程度并不亚于歌剧本身，在许多动画片、流行音乐中你都有可能听到序曲第二段明快简洁、令人过耳难忘的旋律。

6

斯拉夫民族安静的一面
德沃夏克：斯拉夫舞曲之二

对于德沃夏克创作优美旋律的才华，勃拉姆斯曾公开表示过羡慕，这首《斯拉夫舞曲》汲取了斯拉夫民间音乐曲调，唯美清新，淳朴动人，展示了斯拉夫民族安静的一面，但在优雅的乐段后，又步入了轻盈欢快的舞蹈节奏。

前段时间，“世界交响航母”柏林爱乐乐团访华，他们的安可曲目就是这一首感人至深的《斯拉夫舞曲》，在一系列的大部头曲子过后，这首小品让人放松了下来。

7

你肯定经常在电影中听到
勃拉姆斯：匈牙利舞曲之五

尽管勃拉姆斯与贝多芬和巴赫并称“3B”作曲家，但他与“乐圣”和“西方音乐之父”相比就像一位小Baby。许多人认识勃拉姆斯就是从“匈牙利舞曲”第五号开始的，此曲经约阿希姆改编成小提琴曲后，得以广为流传。

它频频出现在电影、电视剧、日常生活中，而将这首舞曲运用得最经典的电影，肯定是卓别林的《大独裁者》，理发师配合着乐曲的节拍，舞动着刮脸刀，手起刀落，挥洒自如，每一个动作都那么合拍自然！卓别林的电影《大独裁者》巧妙运用了“匈牙利舞曲”第五号。

8

匈牙利舞曲第五号的小弟
勃拉姆斯：匈牙利舞曲之六

当你熟悉了“匈牙利舞曲”第五号，肯定会想它还有没有第六号当然有。第六号虽没有第五号出名，但它的节奏自由奔放，让人常常跟着它的重音舞动。

听到这里，你会不会纠结勃拉姆斯到底有几首匈牙利舞曲——答案是21首！匈牙利舞曲最初是由21首钢琴四手联弹的小曲所组成的曲集，后改编为管弦乐曲，又曾被改编为钢琴、小提琴等乐器的独奏曲，其中以第一、第五、第六、第十七、第二十等最为著名。

9

新人在它的乐声中愉快退场
门德尔松：婚礼进行曲

你参加过婚礼吧没参加过婚礼也在荧幕上看到过婚礼的情景吧值得注意的是，门德尔松欢快热烈的《婚礼进行曲》选自《仲夏夜之梦》，它被用在婚礼的退场环节，仿佛仪式完毕，大家都松了一口气，而瓦格纳庄严肃穆的《婚礼进行曲》则用在入场仪式中，象征着婚姻坚固而不可违背的承诺。

10

轻歌剧 “银色时代” 的皇后卡尔曼：
匈牙利舞曲“布达皇后”

在2012年，为纪念匈牙利作曲家卡尔曼诞辰130周年，德累斯顿新年音乐会曾以“向卡尔曼致敬”为主题，推出了卡尔曼的轻歌剧精选。他与奥地利作曲家莱哈尔是两次世界大战期间，维也纳轻歌剧“银色时代”的开启者。

这首“匈牙利舞曲-布达皇后”选自卡尔曼的轻歌剧《魔鬼骑士》，一位端庄的皇后仿佛正向她的子民走去。千万注意：别跟勃拉姆斯的“匈牙利舞曲”搞混了。

这10首乐曲短小而精悍
是古典乐中最为通俗的曲目
也是打开音乐大门的钥匙

2011年4月23日，“CD之父”大贺典雄去世，他所努力推动与倡导的激光唱片时代也已进入暮年，虽然尚没有人能够为这个将死新世界未亡的时代正式画上句号，但“时日无多”却是大家心照不宣的想法。磁带断了黑胶唱片的财路，CD抢了磁带的饭碗，现在轮到数字音乐要革CD的命。历史车轮滚滚向前，音乐不会消失，但介质和载体却在不停演进。而最让唱片工业感到抓狂的是，互联网来了，而且它所带来的改变你永远也不可能抹去。

几乎所有传统产业都面临一个难题，那就是如何将自己的生意搬上网。尤其对于一个有着百年历史的庞大运作机器而言，巨大的惯性又该如何让其刹车转轨？音乐产业几乎花了10年的时间——同时也浪费了10年的时间——让自己从“一首成名曲养活歌手一辈子，一个巨星养活一个公司”的美梦奇谈中醒来。当它睁眼时，看到的已经不是盗版CD，而是网络上无处不在、不用花费半分半厘的盗版下载。

而当它一边忙不迭地状告盗版，一边考虑大规模价值转移的时候，移动互联网的时代又来了。现在回首PC互联网时代，我们觉得它异常短暂，以致于唱片公司未及反抗就被互联网冲击得不成样子；但在展望移动互联时，又觉得它太过遥远。音乐产业对于终将到来的前景推托面对，一再地错过当下，而音乐的未来是革新还是革命，那要看它认为自己还剩多少筹码。

抱残守缺的路径依赖

在2001年之前，音乐产业正在享受着将近10年的黄金时代。CD销量持续上涨，1994年全球唱片销量超过17亿张，2000年突破25亿张，销售额达到370亿美元左右。而这一切，还得归功于CD——这个在当时看来代表着高科技的音乐介质。

身为索尼公司董事的大贺典雄在上世纪70年代不顾怀疑和反对，坚持认为CD将取代黑胶唱片。就像33转黑胶唱片成功取代78转唱片一样，最大的原因是录音时长变长了。从78转唱片每面仅能录4～5分钟，到33转每面可录25分钟，再到CD可以录制一整首75分钟的交响乐，外加更高解析度的音质，音乐产业的技术升级呼之欲出。

1982年，CD由索尼唱片首次推出后一炮打响。这种直径仅12cm，以无损数字讯号记录，可以非线性播放的“塑料片”短短5年内在日本的销量即超过黑胶唱片。同年，索尼公司推出了其品牌的第一台CD播放机。进入1983年后，其他公司的CD机也相继上市。直到1999年，索尼公司几乎以每年10款的速度更新发布其播放机。

当时的音乐产业对录音技术的高度敏感和不懈追求，使得音乐产业迎来了上世纪90年代的一度辉煌，产品形态的改变也带动了CD机生产商的火爆。虽然也有从卡带过渡到CD的阵痛挣扎，但当音乐产业正享受着专业技术带来的胜利成果时，计算机和互联网技术也在潜移默化地改变着人们的生活。

上世纪90年代，计算机技术和互联网技术正在以“秒”为单位飞速发展和普及，个人电脑配置的不断升级，硬盘容量从几十MB到几百G，从没有声卡到麦克风、摄像头一应俱全，从局域网到互联网，从3.5英寸软盘到硬盘存储。这些看似与音乐无关的技术和硬件革新，却处处为唱片的衰落埋下伏笔。

如果不是MP3编码格式的发明，如果没有光驱和足够大的硬盘空间，人们也不会那么容易就将CD内容复制到本地机，再通过互联网与他人分享，或是利用烧碟软件复刻出更多CD。
唱片公司对于这一切也并非熟视无睹，但原有的生产方式和商业模式，以及庞大的市场容量，让他们并不相信这个初生的技术能够撼动实体店铺的渠道分销能力。百年来，唱片公司“生产音乐-售卖实体产品-版权交易”的模式已经形成了庞杂而封闭的生态体系，而这个生态体系长久未被打破的一处命门就在于技术的高门槛。由于复杂的工艺手段，黑胶几乎没有盗版；卡带时代的“串磁带”曾经猖獗；到了CD时代，虽然音乐内容制作的技术门槛仍在，但计算机和互联网几乎为每个人配备了内容复制和传播的必要装备。

1999年，以P2P方式专门提供MP3音乐免费分享的Napster出现，当年全球CD的销量仍较上年有所增长。但从1999年到2002年，全球唱片销售额下降了19.8%。音乐产业为此找到了两个最好的理由，一是9·11恐怖事件后的经济形势不佳；二是互联网文件分享带来的持续威胁。

但唱片公司对后者采取的应对措施却是以“堵”的方式拼死抵抗。在面对互联网这个大众科技时，唱片公司并没有像拥抱录音新技术一样张开臂膀，而是在原有路径依赖的强大惯性下做出了徒劳的抵抗。

当人们面对几乎无损音质且完全免费的音乐下载时，任何高尚的品德和价值观都难以说服人们不去下载，而P2P协议的出现甚至连人们自私的天性都克服了——只要用户不把已下载项目从列表中移除，那么就可以一直为别人提供下载源，显然人们很愿意为别人提供这个举手之劳。但唱片公司却发动了一系列宣传活动企图说服人们不要参与到P2P文件分享的活动中。面对实实在在的实惠，唱片公司的一两句口号显得太过虚弱。

随后，音乐产业开始动用法律手段进行威胁，而目标囊括了文件分享平台、服务提供者——比如Napster创始人肖恩·范宁（Shawn Fanning）、以及参与文件分享的个人用户。从1999年年底开始，美国唱片业权威机构美国唱片产业协会（RIAA）率领主要唱片公司相继起诉Napster；从2003年9月开始，RIAA相继对美国11456名非法下载音乐作品的网络用户提起诉讼。巨鲸音乐网CEO陈戈在其撰写的《创业的旅程：为什么Google选择了我》一书中，还原了当时的细节——在几乎人人都免费下载盗版音乐的时代，“人们戏称这11456人是‘乐透中奖者’”。

但这些起诉并未能遏制网上音乐的的非法下载，反而使之变得更为猖獗。更可怕的是，这一系列动作把唱片公司推到了不仁不义的境地。2001年底，唱片公司开始意识到网络分销渠道是其不可绕过的一道鸿沟。于是，当时的5大唱片公司中的3巨头——华纳（Warner），百代（EMI）和博德曼（BMG）——联合建立了MusicNet网络商店；索尼（Sony）和环球（Universal）紧随其后建立了Press Play进行跟进。

当时的这5大唱片公司几乎垄断了80%的音乐市场，对其他竞争对手非买即诉，Music Net和Press Play靠正版版权再次统治了网络音乐。但它们所提供的服务却并没有吸引足够多的用户。由于唱片公司仅开放了部分曲目的下载，导致曲库十分有限。其次，唱片公司为防止下载音乐被轻易复制，附加设置了许多技术限制，比如下载音乐可复制的次数、可以播放的时限等。这些总是“留一手”的有限开放外加“付费没商量”的模式只能把用户推向寻找更丰富的免费下载资源。而这两家音乐商店两年内相继关闭。

唱片公司拼死抵抗后的自我改良并没有带来多大效果，一方面是因为互联网改变了音乐的产品形态，从实体变成了无形；另一方面，人们对于无形产品的定价标准也发生了改变。我们可以免费阅读大量新闻，免费观看大量视频，“免费”成为了互联网最基础的基因，这让传统模式发展多年的音乐产业很难兼容。

与此同时，音乐产业昨日的繁荣也成了其变革最大的包袱——高度发达的音乐产业，其产业集中度很高，5大唱片公司占据着产业的主导地位，他们谁也没有进行彻底变革的动力。在这样的背景下，唱片公司既没有靠庞大的版权资源形成强有力的网络渠道商，也没能彻底遏制盗版音乐的持续泛滥。当渠道力量已经从单向变成了多向，在错失拥抱互联网新科技的时机后，唱片公司发现自己已经没有任何王牌。

大规模价值转移

即使网络盗版音乐的传播把唱片公司搞得焦头烂额，但起码它也帮了唱片公司一把——使歌手更出名。当沃尔玛等大型超市把为CD准备的货架数量一减再减，很多歌手的音乐仍然能在互联网上找到自己的听众，这对于歌手来说莫不是件增加影响力的好事。

面对歌手个人品牌的树立，音乐产业正在经历着大规模的价值转移。2007年，麦当娜离开华纳唱片，转投全球最大现场演出公司Live Nation的怀抱。2009年，英国现场演出收入首次超过实体唱片售卖。作为无法复制与盗版的体验式消费，现场演出成了整体下滑的音乐产业中仅有的增量市场。

现场演出的集合形式——音乐节开始风生水起。作为英国格拉斯顿伯里音乐节(Glastonbury Festival)的组织者，Mean Fiddler音乐集团(Mean Fiddler Music Group)董事总经理梅尔文·本(Melvin Benn)在2007年曾向《金融时报》报告了一条喜讯，“从2003年开始，演出票销量以10%的速度逐年递增。不仅局限于大型户外音乐节市场，小型的室内演出同样表现出色。”
在现场演出界享有盛名的音乐会制作人Harvey Goldsmith也在同一篇报道中称，“在iPod时代来临之前，唱片公司的路数就是为歌手举办巡回演唱会，而这么做是为了刺激能够给公司带来盈利的CD大卖。但现在完全逆转了。现场演出变得越来越强势，甚至完全主宰了全球的音乐市场。”

当时，几乎每个唱片公司的老板都将“要做360度的管理公司”挂在嘴边。从艺人经纪到现场演出，唱片公司希望360度挖掘歌手的商业价值，并利益均沾。

就像很多伟大的创新发明一样，“360度的管理公司”也是置之死地而后生的产物。如果歌手跟唱片公司说想用18个月完成一张唱片，但半年内只能卖出几百张，你觉得会有唱片公司理会这个提议么？所以歌手必须为唱片公司提供其他盈利，以补偿实体唱片市场的损失；而唱片公司也乐于将歌手当作品牌来运营。“Bandas Brand”是个深受唱片公司喜爱又能讨好大众的论调。

但这也招致了很多业内人士的反对以及强烈质疑。这种打破音乐产业分工的模式是否能够长久可持续？唱片公司是否能够以此摆脱困境？
音乐产业典型的商业模式是歌手与唱片公司签约，唱片公司从歌手的唱片销售中获得分成；同时歌手也会和现场演出商、经纪公司等分别签约，以进行其他方面的商业活动。但现在唱片公司正在用“360合约”把本该是独立进行的各种商业活动一揽子纳入自己的囊中，无论是出版、广告代言、巡演还是其他形式的商业收入，唱片公司都可以分得一杯羹，以补偿核心唱片业务带来的损失。

然而，对于拥有影响力的歌手而言，这种合约其实大可不必签。互联网在无限放大了个人品牌和个人影响力之后，唱片公司对于歌手的帮助显得微乎其微。大牌艺人纷纷脱离唱片公司，选择单飞。2007年，老鹰乐队在没有任何唱片公司的帮助下自己发行了一张畅销专辑。而英国收音机头乐队（Radiohead）则舍弃了百代（EMI）唱片，直接在互联网上发行自己的数字专辑。

作为摇滚乐队的收音机头似乎有着更多的实验精神。2007年10月10日，那张名为《In Rainbows》的数字专辑被放到其官网Radio-head.com出售，价格可以由用户自定，即使输入0也同样可以获得160kps的不加密MP3。虽然很快整张专辑的内容充斥网络，但歌迷知道销售的款项可以直接给到自己的偶像，大家还是纷纷解囊，甚至平均出价达到了4.5英镑。虽然比iTunes Store一般专辑的售价稍低，但还是有一个让人非常惊喜的结果。

有了这个实验性的先驱，众多歌手纷纷效仿。Oasis为了向Radiohead致敬，将他们的新单曲也做成了免费下载。脱离了唱片公司的歌手依然呼风唤雨，但失去了歌手的唱片公司则变得脆弱不堪。唱片公司在大规模价值转移的过程中，将宝押在了不确定性最强的个人身上。可是，歌手会退休，潮流会变更。而唯一能够乖乖听话、为其挣钱千千万万年的是躺在数据库里的音乐版权。如何将音乐版权的价值实现并放大，才是唱片公司安身立命的根本和长久稳定的收入源流。

当网络渠道商基本完成了第一波掠夺式增长后，几大巨头浮出水面，版权问题就成了竞争对手之间、大鳄与小虾之间互相倾轧的工具、互相对扔的“臭鸡蛋”。就像视频网站在积攒大量用户之后，忙不迭地花重金购买正版内容、删除盗版内容争相“洗白”自己一样，网络音乐同样也在经受着版权问题的拷问。这对于唱片公司来说，是个绝佳的再次迎头赶上的机会，并要认真想想未来10年的发展路径。否则输掉了PC互联网时代的唱片公司，将再次失去移动互联网的机遇。

毁灭与重生

当我们再次谈论音乐，语境已经被定义在移动互联网时代，智能终端让很多事成为可能。用什么听音乐成为了一个多项选择题，音响、电脑、iPod、iTouch、手机还是车载音乐播放器？它对人们的生活已经不再是单纯的听觉享受，而是变成了一种应用场景；在线听还是离线听也只是一种结合应用场景的抉择而已。iPod时代让人们口袋里可以装着1000首歌，而风潮暗涌的云音乐服务让海量曲库跟着用户走。一云多屏的时代使得音乐播放终端多元化，也使得音乐与互联网服务提供商、硬件生产商等发生强关联。这是音乐产业的一个新机会。

音乐产业应该意识到，当音乐已经进入多产业交叉发展时，无论是技术方的掠夺，还是内容方的抱残守缺，都不会形成共赢，唯有进行资源整合才能成功，而这个角色并不局限于由第三方来扮演。音乐产业中有希望拥抱技术、推动变革的新生力量，而互联网领域也不乏真正热爱音乐的人士。但音乐产业且战且退的局部改良并不能助其再造一个美丽新世界，唯有毁灭旧体系，建立新秩序才能浴火重生。

首先，互联网将唱片公司原有的实体销售渠道一再压缩，实体唱片也变成了无形的音乐文件，唱片公司的核心资产仅剩下受法律保护但总被侵犯的知识产权。无法管控的传播通路和无形的产品形态，使得唱片公司如同被拦腰斩断，与以前掏钱买CD的消费者彻底失去了联系，成为互联网大潮中的一片浮萍。而唱片公司作为内容提供商，也曾经努力通过技术手段建立自己在互联网上的渠道力和运营力，但却未能成功。原因有互联网免费精神对于用户价值观的巨大改变，使得用户对于付费产品选择更加谨慎；也有网络盗版环境的泛滥。

但更重要的是，唱片公司采取了资源有限、有偿开放，并寄希望于互联网用户能够像消费实体唱片一样照价付费。然而有限开放的内容只是唱片公司庞大曲库的一部分，在经典曲目上，唱片公司更是采取了保留措施，避免发生任何闪失成为盗版源。但其实很多比唱片公司有着更为“开放”价值观的个人，已经将自己拥有的CD内容整张上传并免费分享了。

当唱片公司发现“让用户掏钱”变得没那么容易之后，转而和希望合作的网络服务提供商进行音乐授权议价。这种从渠道获利的想法没有错误。2003年iTunes音乐商店的成功让当时的5大唱片公司一度欢欣鼓舞，70%的收入分成归唱片公司所有，3年间分得7亿美元。

但这对于在上世纪90年代，每年唱片销售额300多亿美元的唱片产业而言，不知是该喜还是该忧。苹果的成功在于软件与硬件绝妙配合，搭起了一座有围墙的花园。在控制了终端的情况下，正版音乐付费下载的渠道才能够行之有效。

然而，雅虎、微软乃至亚马逊相继涉足网络音乐服务，在没有自有播放终端的支持下，还沿用了付费下载模式。虽然各自的用户数都不算少，但这无异于唱片公司自己搭建的网络销售渠道，在相同内容面前，用户会毫不犹豫地选择免费远离付费。果然，各家的尝试纷纷以失败告终，合作的唱片公司也陆续撤出。这对于唱片公司而言，应该是一个警示，在既没有网络分销渠道又无法掌握播放终端的情况下，如何与免费匹敌？案或许是唱片公司不愿承认也难以说出口的——那就是免费。

其实唱片公司对于单曲的标价，无论是0.99美元还是100美元，只要还有价签存在，对于可以找到免费下载源的个人用户来说就没有区别。因为免费和付费有着本质区别，但价格高低对于有免费下载源的个人用户来说根本就没有区别。而唱片公司是否有魄力向消费者免费提供内容、抱着开放心态与技术商合作，换以音乐授权或收入分成作为主要盈利形式。这就在于唱片公司是否敢于亲手毁灭原有的商业模式，将自己嫁接到更多的产业平台上，通过更为多元的应用场景进行盈利。

这种转变并不会一蹴而就。“上世纪90年代的时候，唱片工业拥有强大的地位、庞大的营收和销售渠道，不可能说第二天就都弃之不用，马上100％拥抱新科技了。”陈戈在接受《商业价值》采访时称，“但10年的拖延之后，现在已经没有太多不能失去的了。”

音乐版权价值在过去十几年一直被低估，但现在关于版权价值的讨论和对盗版的讨伐正在为版权方带来新的契机。2011年IFPI国际唱片协会发布的年度数字音乐报告主题就是“政府可以逆转盗版的潮头”，版权价值的释放在今后几年效果将更加明显。

但从另一个角度来看，版权环境的改善也会造成一种幻象，甚至版权被版权方高估。从2005年开始就因为MP3涉嫌盗版而坐在被告席上的百度，到今天才宣布推出正版音乐平台，并承诺将向音乐权利人开放接口，分享音乐作品并获得收益。而之前十三月唱片公司联合周云蓬等音乐人向凡客、91游戏娱乐门户等企业发出公开信，希望在百度MP3放弃盗版前，停止在百度MP3投放广告。其中的结束语很好地描述了版权使用方应该抱有的正确态度——“即使您不热爱音乐，但请尊重音乐；即使您不尊重音乐，但请尊重法律。”

一方面着眼于寻找新的合作模式，一方面又要防止走上回头路，音乐的未来到底会在哪里？

多种商业模式并存

据IFPI国际唱片协会发布的数字显示，2010年全球数字音乐营收达到46亿美元，比上年增长6%；而授权的音乐服务多达400多项。音乐公司开始学着通过多元化的合作模式来满足消费者购买和试听音乐的需求并增加营收，而2010年唱片公司的营收组成中，数字音乐已经占到了29%。

到目前为止，唱片公司也有了更为多元的合作伙伴。其中有广告支持的音乐服务模式，比如Spotify、Deezer和We7；有互联网服务提供商比如丹麦的TDC、巴西的Terra以及英国的Sky；也有移动运营商Vodafone、手机厂商诺基亚和索爱，以及在线视频网站Hulu。

而云音乐概念的提出，以及苹果、亚马逊等公司的快速实践，使得音乐从云端走向一系列网络互联的终端，智能手机、游戏机、电视和蓝光播放器最终形成家庭娱乐体系。而这些新形式的音乐服务都将为音乐公司带来更多版权收益。

在互联网之外，音乐视频服务商VEVO和MTV也正吸引着大量的电视观众，并获得了广告商的极度青睐。因为其精准的人群细分正是时尚品牌的目标客户。
除了直接消费音乐内容本身，还有更多运用了音乐元素的应用出现。其中，音乐游戏就是一个屡次诞生奇迹的领域。2005年问世的视频游戏《吉他英雄》在短短3年间盈利10亿美元，唱片公司虽然抱怨获得的授权费过少，但却刺激了实实在在的歌曲销售。

要想知道这款游戏有多火？美国摇滚乐队Aerosmith在1974年发布的一首老歌“Same Old Songand Dance”在《吉他英雄》上推出后，可监控的iTunes和其他正版下载站点的统计数据显示，其单曲下载量飙升了446%。音乐产业面对如此有效的营销功能不禁惊讶，而环球唱片的母公司Vivendi直接将《吉他英雄》的发行商Activision收购，纳入自身业务。
在《吉他英雄》挖掘了上个世纪60～70年代的摇滚经典之后，Tapulous公司出品的一款iPhone手机游戏应用，使用当代流行歌手的音乐同样获得了成功。其名为Tap Tap Revenge的手机游戏在登陆App Store的第一个月，就获得了100万用户。而2009年，环球唱片同样也找到Tapulous公司，签署了一系列协议，希望Tapulous公司帮助其厂牌名下的歌手制作相应的手机游戏，于是有了“Lady Gaga Revenge”的出现。但2010年，Tapulous公司却意外地被迪斯尼收购。

这些例子都只是为了说明唱片公司大可不必为CD销量的持续下滑、盗版的屡禁不止而发愁，因为音乐正衍生出更多种多样的面目和形态放在消费者面前。而唱片公司直接面对的已经不是独立的消费者，而是音乐产业中的一群新玩家——那些为音乐进行二次包装和充当管道的合作伙伴们。

“无论是像MTV这样靠广告支持的媒体，还是增值服务类彩铃、云服务，或者是音乐类的游戏，如果这3个有着庞大用户群的收入线都能够分50％给版权内容和唱片工业，那么唱片工业还不能养活自己吗？”这是陈戈对于未来音乐产业的理想设计，“全球范围内，如果这3种大的商业模式是并存的，唱片工业对3个模式统一开放的话，不出5年，数字音乐产业在全球应该是一个上千亿美元的规模。”

今天，契机已经出现，但游戏规则还没有确立，分成比例没有成为惯例。在这个时刻，已经“没有太多可失去的”的唱片公司，是时候拿出鲜明态度，来破旧出新了。
未来的音乐，不会死也不会老，它只是需要以更先进的组织形式呈现。当这个10年中音乐与科技再次对望，愿双方能够寻得迟到太久的默契。

音乐是什么？音乐不以说理方式来传播，而是更多地通过熏陶及感染的途径，潜移默化地来影响人的心灵，使更多地得到美的滋润。 音乐是什么？

音乐与人的生活情趣、审美情趣、言语、行为、人际关系等等，有一定的关联。故高洁的音乐与低价的音乐其对人们的影响是大不相同的。 音乐是人们抒发感情、表现感情、寄托感情的艺术，不论是唱或奏或听，都内涵着及关联着人们千丝万缕的情感因素。为什么音乐能表达人们的感情呢？

因为音与音之间联接或重叠，就产生了高低、疏密、强弱、浓淡、明暗、刚柔、起伏、断连等等，它与人的脉搏律动和感情起伏等等有一定的关联。特别对人的心理，会起着不能用言语所能形容的影响作用。

广义的讲，音乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、神圣的或其他什么方式排列起来的声音。所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声。

《词典》上的定义是，用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术。分为声乐和器乐两大部门。

在所有的艺术类型中，比较而言，音乐是最抽象的艺术。

音乐可以通过几种途径来体验，最传统的一种是到现场听音乐家的表演。现场音乐也能够由无线电和电视来播放，这种方式接近于听录音带或看音乐录像。有些时候现场表演也会混合一些事先做好的录音，如DJ用唱片做出的摩擦声。当然，也可以制作自己的音乐，通过歌唱，玩乐器或不太严密的作曲。

甚至耳聋的人也能够通过感觉自己身体的震动来体验音乐，最著名聋音乐家的例子便是贝多芬，其绝大部分著名的作品都是在他完全丧失听力后创作的。

人们想学习音乐的时候会去上音乐课。音乐学是一个历史的科学的研究音乐的广阔领域，其中包括音乐理论和音乐史。

音乐作为一门古老的艺术，各文化也都有其独特的音乐系统，民族音乐学是一门以该领域为讨论对象的学科。

著名作家村上春树曾另类形容“爵士是带点童话味道的忧伤”；

著名导演王家卫也曾低调阐述过“爵士乐手就是都市诗人”。

因为，爵士无处不在。爵士就在昏暗的灯光下红酒与咖啡的交杯换盏间；爵士就在绅士与淑女的嗳昧舞步中。

说到爵士，就不得不提20世纪著名爵士之父路易斯·阿姆斯特朗。

这是一位有着奔放的沙音和阔嘴，微笑时全身散发爵士魅力的大师，他还有着精湛的小号演奏技巧、创新的演唱方式使他就像古典的巴赫、摇滚乐的猫王成就一样，他就是揭开了爵士乐历史序幕的第一人，成为了爵士乐的符号。

今天，“影音新生活”小编将和大家走进爵士之王路易斯·阿姆斯特朗不一样的音乐人生。

欣赏：《玫瑰人生》

路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）是美国爵士史上伟大的歌唱家之一，也是世界上最伟大的小号演奏家之一。虽出身纽奥良贫民区，但在感化院学会了吹短号后，为其一生的音乐打下良好的基础，歌唱才华与极具辨识度的独特嗓音，在歌坛上亦是无人能仿效，在恩师爵士乐演奏家金·奥里佛的帮助下，阿姆斯特朗逐渐成长为一位优秀的短号演奏家。他是爵士乐史上永恒的灵魂人物，他即兴的演奏和歌唱能像月光一样轻盈，也能低沉如深邃的夜空。

▌ 贫困黑人区的爵士乐生涯

在美国南部路易斯安那洲新奥尔良的贫困黑人街区中。生活在贫民窟中的阿姆斯特朗从小就喜欢唱歌，但由于贫困而没有机会学习正规的声乐。1912年，阿姆斯特朗由于从小伙伴那里拿到一支手枪并兴奋地朝天鸣枪后而被警察以”非法持有枪支”的罪名送进了少管所。这次经历却成为了他人生的转折点，阿姆斯特朗正是在这里学会了演奏短号。两年后，阿姆斯特朗离开少管所并开始了他的爵士乐生涯。

18岁的时候，阿姆斯特朗已经是新奥尔良知名的演奏者了，成为当时最红的娃娃欧瑞KidOry乐团的短号手，1922年，他加入奥立佛国王JoeKing Oliver乐团，在前辈奥里佛的指导调教之下，阿姆斯特朗进步神速，逐渐建立起他作为一位伟大独奏者的地位。

在与多个乐队与录音室专辑的磨合之后，1927年以他为名的乐队：“路易斯·阿姆斯特朗乐队”诞生，同年并首次以歌手的身份进入畅销排行榜。随后，路易斯·阿姆斯特朗还加入了舞台剧、百老汇及电影的音乐工作，在英国、欧洲等地区展开长期的巡回演唱活动，成功的单曲、专辑也不断地发表，即使第二次世界大战期间，依然没有停歇，并不断地创造出无数销售成功的单曲与高度评价的专题作品。

欣赏：《When you’re smiling》

▌ 嗓子充满了浓厚的忧郁味道

严格来说，阿姆斯特朗有一把糟糕的嗓子。他那嗓子可能只适合用来演唱blues，1927年，阿姆斯特朗从短号转向小号，他才偶尔展露他那独一无二的豆沙歌喉，但只是求其新奇而已，真正发腔开唱要等到1929年后。虽然在20年代，路易斯·阿姆斯特朗已成为一位知名的小号手，不过他那低沉浑厚的歌声反倒更令人注意。

当时奥尔良的爵士里面是一直没有摆脱蓝调的那份忧郁味道。很多爵士乐手都是用技巧将气氛完全取代。但阿姆斯特朗却能在当大家尽情摇摆的时候，用他那独特的嗓音唱出令人陶醉的调调。

▌ 风格凸显的即兴爵士

路易斯·阿姆斯特朗最重要的创造在于他的即兴表演。每一首曲子中都活灵活现着他不安分的活泼与嬉皮，这种个人主义的风头打破了之前爵士乐团集体演奏不强出头的清规戒律。即兴不是一个新的音乐名词，许多音乐家如巴赫，莫扎特以及贝多芬都沉湎于即兴的键盘演奏。但运用即兴表演在节奏乐器和伴舞乐队上是很少见的，在这方面阿姆斯特朗绝对应被认为是先驱者。他即兴的创作能力，完全源自自然的天性，他很多素材是直接从日常生活中信手拈来。他的即兴不仅仅是演奏，还有演唱。他在演唱中常常会有即兴的喊叫，这种方式被后世众多歌手效仿，包括摇滚歌手。

欣赏：《What a wonderful world》

▌ 阿姆斯特朗的音乐贡献

阿姆斯特朗是爵士乐的奠基人，是真正的爵士天才。在对传统音乐的惯用手法进行了仔细的研究后，阿姆斯壮大胆创新，开创独特的艺术风格，他的艺术造诣和人格魅力，都为后世音乐天才们所敬仰。主要贡献有：

拟声唱法

阿姆斯特朗拥有令人羡慕的小号演奏技巧和富创新精神的演唱方式。他首创的拟声绝技（scat），即伴随着音乐无节奏地哼唱，正是他手中那把黄金小号的化身。

即兴表演

路易斯·阿姆斯特朗的即兴表演在开拓了爵士乐新的方向，后世也将他称为爵士摇滚的先祖。

开创节奏新概念

阿姆斯特朗是净化节奏概念、摒弃生硬钢琴模式的第一人。他开创合理运用切分韵律法，有时将整段位置摇摆。这样使爵士更轻松，不受先前严格四拍限制。

重视乐器

阿姆斯特朗在乐器上比先前的爵士号手都伟大，他激励年轻号手成乐器大师，爵士号演奏“职业化”，重视乐器提高音乐“质量”，成了爵士乐器演奏印证。作为小号演奏的名家，阿姆斯特朗的音色独一无二，并拥有即兴创作优美旋律的非凡才能。通过他的表演，小号成为爵士乐新兴的独奏乐器，至今广泛使用。作为伴奏者，他同样精湛娴熟。而他在合奏中的出色表现也为他的惊人的独奏技艺锦上添花。他的创新之举，使后继之人的音乐标准显著提高。

▌ 著名的爵士作品

阿姆斯特朗的经典作品包括《星尘》（Stardust）、《多美好的世界啊》（What a wonderful world）、《当圣人参与比赛时》（When The Saints Go Marching In）、《做一个关于我的小小的梦》（Dream a Little Dream of Me）等等。

其中《我们拥有世界上所有的时间》（We have all the time in the world）是007系列电影《勇闯海底城》中的配乐。1994年时，这首歌在受到吉尼斯关注，这首歌发行之后在榜单上排名第三。

1964年，阿姆斯特朗以一曲《洋娃娃，你好!》（Hello, Dolly!）在告示牌百强单曲榜上击败了披头士，让这位63岁的表演家在英国创造了“拥有榜首歌曲时间最长艺术家”的记录。同年，他的单曲《与时间的较量》（Bout Time）成了电影《家有仙妻》（Bewitched）的配乐。

阿姆斯特朗最后一张榜首单曲是在1968年推出的极具流行感的《多美好的世界啊》，这张单曲蝉联英国各大榜单榜首一个月，这首歌在被1987年电影《早安越南》（Good Morning, Vietnam）采用之后再次发售的唱片则占据世界各榜单的第一位。

欣赏：《圣徒》

▌ 荣誉

格莱美大奖：1972年在阿姆斯特朗逝世之后，美国国家唱片艺术及科学学会（the Academy of Recording Arts and Sciences）为他授予了“格莱美终身成就奖”。

格莱美名人堂：阿姆斯特朗的专辑被选入格莱美名人堂。这项格莱美的特别荣誉始创于1973年，用于向20年以上的具有“性质上和历史上重大意义”的旧专辑致意。

美国摇滚名人堂：1928年，美国摇滚名人堂将阿姆斯特朗的“西区蓝调”（West End Blues）列入“影响摇滚乐的500首歌曲”之一。

结语：聆听这位充满魅力的黑人爵士歌手路易斯·阿姆斯特朗的嗓音有一种说不出的平静和向往，让人相信未来和这个世界的一切美好。

而这位20世纪最传奇的艺术家，也是将爵士音乐带入电影、舞厅的重要关键人物，他的影响渗透到我们生活的方方面面，也贯穿了爵士音乐和美国音乐，对爵士音乐文化产生了深远的影响……

她们是我们心中的女神，尤其是她们那充满个性的声音，让全世界的人产生共鸣。

她们唱的是情感的剖白、是心灵最真实的感受，她们的歌声穿透冷冽的空气渗透到灵魂深处震撼人心。

她们，就是来自欧美地区的顶级流行女歌手。数以亿计的唱片销售额和奖项，她们站在了潮流音乐的巅峰，给我们带来了无与伦比的视听盛宴！

今天，“影音新生活”小编带大家共同领略这十位流行天后的风采：

▎Madonna Ciccone（麦当娜·西科尼）

麦当娜·西科尼是美国一位创作型歌手、演员和企业家，1958年生于美国密歇根州的贝城。她曾加入早餐俱乐部和Emmy等音乐组合进行表演，现为全球乐坛天后。

麦当娜凭她多变而独特的音乐风格和外表形象而变得有名。在她的音乐事业中，她大胆地加入不同范畴的歌词内容于主流音乐中，在音乐录像带中亦加入不少带有争议性的内容，她不断挑战主流音乐和音乐录像带的界线而这使她获得不少人气和受到评论家的赞扬，并成为MTV的象征之一。

麦当娜是一个时代的传奇，她成为了歌坛上当之无愧的大姐大，同时她也涉足影坛。1996年她在歌舞影片《贝隆夫人》中出演了阿根廷国母贝隆夫人，广受好评。她还被视为是一名成功的女企业家，除音乐及演员事业外，她亦有进行时装设计，撰写儿童书本及电影制作。

★荣誉★：麦当娜在全世界共卖出了3亿张唱片，被吉尼斯世界纪录大全认定为全世界任何时候拥有最佳销量的女歌手。她亦由于在音乐界里确立了大众的形象而被Time杂志评为上世纪中25位最有权力的女性之一。麦当娜是20世纪里最高销量的摇滚女歌手，亦以6450万的专辑销量成为美国第二高销量的女歌手，被《福布斯》 和众多报刊杂志形容为一个文化象征，她经常被称呼为“Queen of Pop”。2008年，麦当娜在《公告牌》杂志最佳艺人榜中排第二，位处披头士乐队后，使她成为该杂志榜单最成功的单人歌手。同年她被邀请加入摇滚名人堂。2012年，VH1把麦当娜评为音乐界最伟大的女性。

著名作品：《Burning Up》、《Celebration》、《Masterpiece》等

欣赏：《Masterpiece》

▎Celine Dion（席琳·迪翁）

席琳·迪翁，1968年3月生于加拿大魁北克省，加拿大歌手，最著名的法语和英语流行女歌手之一，有流行天后之称。

席琳12岁起步入歌坛，15岁时推出了她首支法文单曲。1990年首张英语专辑《Unison》登陆全球市场，其中单曲《Where Does My Heart Beat Now》一举荣获全美排行第四名。

1996年美国亚特兰大奥运会上，她演唱了主题曲《梦想的力量》。1997年为电影《泰坦尼克号》主唱主题曲《我心永恒》而为全世界歌迷所熟知，并一度创下每3秒钟便卖出一张专辑的传奇纪录。

2003年3月至2007年12月在拉斯维加斯举行了《新的一天》演唱会，历时5年共732场。一路走来，她已成为流行音乐世界最闪亮的明星。席琳·迪翁2008-2009年“把握机会”世界巡回演唱会在2月14日从南非约翰尼斯堡起跑，这是席琳8年来第一次巡回演出，范围涵盖世界42座城市，北美55座城市，共97座城市。

★荣誉★：她获得过1次欧洲歌唱大赛冠军、5次格莱美奖、12次世界音乐奖、7次美国音乐奖、7次美国告示牌、21次朱诺奖和39次Félix Award音乐奖。席琳也被世界媒体誉为90年代至今的五位跨世纪天后歌手之一。2008年5月22日席琳·迪翁在巴黎接受法国总统萨科齐亲自颁发的Legion d’Honneur骑士勋章。席琳·迪翁在全球的专辑销量已经超过了2.6亿张，为全球最畅销的女歌手。此外，席琳·迪翁亦在世界各地乐坛创下了超过100项个人独占的纪录。

著名作品：《My Heart Will Go On》、《the power of love》、《Because You Loved Me》等。

欣赏：《the power of love》

▎Mariah Carey（玛利亚·凯莉）

玛丽亚·凯莉，美国歌手、唱片制作人、词曲作家、演员、音乐界的“美丽花蝴蝶”、乐坛传奇巨星、名满国际的流行乐坛天后，拥有18首冠军单曲的杰出词曲作家、演员、唱片制作人，被美国媒体誉为跨世纪天后。凯莉以其五个八度的宽广音域和招牌式的“海豚音”唱法使其可媲美花腔女高音，她同时也是吉尼斯世界记录记载的世界上最高音的歌手。

玛丽亚·凯莉于1970年3月出生于美国纽约州长岛亨廷顿镇，她从小就显露出对音乐浓厚的兴趣和非比寻常的敏感度，凯莉在两岁的时候就可以准确模仿并重现她所听到的任何声音；在凯莉不到四岁的时候，有一次她的母亲在排练著名歌剧卡门时不慎走调，凯莉竟察觉到了母亲的错误并用意大利文准确地唱了出来。凯莉从四岁起就开始接受音乐课程的专业训练，无论是歌剧、民谣、灵魂乐和节奏布鲁斯，乃至教堂福音音乐都对她产生了深厚的影响。

Mariah的歌曲内容涉及爱情、亲情、励志、圣诞、宗教、社会现象、世界和平等，类型覆盖了Soul/R&B、Hip-Hop/R&B、Pop、Dance等流派。

★荣誉★：Mariah凭借2亿张的超高唱片销量和辉煌的音乐史记录成为有史以来销量最高的音乐艺术家之一。因其5个八度的高亢音域、洛可可式的演唱技巧和过人的音乐天赋被誉为“最伟大的声音”。她是音乐史上拥有最多Billboard冠军单曲（18首）的独唱女歌手。从1990年首支单曲《Vision Of Love》夺冠至今共有79周在Billboard Hot 100单曲榜称霸。

著名作品：《Hero》、《Vision Of Love》、《When You Believe》等。

欣赏：《When You Believe》

▎Whitney Houston（惠特尼·休斯顿）

惠特妮·休斯顿，1963年8月出生于美国新泽西州纽华克市，美国女歌手、演员。

惠特妮·休斯顿在浸信会成长，惠特妮的妈妈 (Cissy) 的堂姐妹 Dionne Warwick 和教母 艾瑞莎·弗兰克林皆在福音音乐、节奏布鲁斯和心灵音乐皆颇享盛名。在 11 岁时，惠特妮即跟随他们的脚步，在 Newark 的 New Hope Baptist 教堂中的初级福音合唱团演出并担任独唱。

二十世纪八十年代早期，惠特妮担任模特工作，出现在杂志封面和广告上。1983年，她被克莱夫·戴维斯发掘，并于1985年2月14日发行首张同名专辑，开始歌手生涯。在1980年代，惠特妮是迈克尔·杰克逊以外少数能够在 MTV 获得大量的播出机会的黑人艺人之一，而那时是男性为主的摇滚时代。

★荣誉★：她是唯一在美国拥有两张最佳销售前 35 名的专辑的女性歌手，更是唯一拥有在告示牌流行榜 (Billboard) 连续七首冠军单曲纪录的歌手。惠特妮在全世界有超过两亿 5000 万张唱片的销售纪录。根据 Ebony 杂志，惠特妮被认为是 20世纪中，世界最迷人的黑人女性前 100 名之一。

1999年与美国歌手玛丽亚·凯莉共同演唱的歌曲《When You Believe》获得了第71届奥斯卡最佳电影主题曲奖。惠特妮拥有十一首全美冠军单曲、七个格莱美奖和超过四百个音乐大奖、畅销电影原声带等纪录。

著名作品：《I Look to You》、《Call You Tonight》、《I Will Always Love You》等。

欣赏：《I Will Always Love You》

▎Sarah Brightman（莎拉·布莱曼）

莎拉·布莱曼于1960年8月出生于英国朴茨茅斯，跨界女高音，世界古典跨界音乐的开创者和标志性艺人，是继世界三大男高音之后世界乐坛涌现出的一个天后级人物。

莎拉在迪斯科初试啼声，因为演绎安德鲁·洛伊·韦伯的音乐剧而闻名于世，1985年出演韦伯创作的与三大男高音之一的多明戈合作的《安魂曲》获得格莱美最佳古典女艺人奖,1987年饰演著名音乐剧《歌剧魅影》女主角一炮而红。1990年离开音乐剧舞台，开始对古典跨界音乐的探索。

她的嗓音嘹亮，被誉为天籁之声，著名的曲目包括《告别的时刻》（Time to Say Goodbye）、《The Phantom of the Opera》，莎拉先后跟迈克尔·克劳福德和Steve Harley合唱过不同版本）等。莎拉也演唱过许多原剧中应是男角唱的歌曲，包括歌剧《图兰朵》中的《今夜无人入睡》、音乐剧《歌剧魅影》的《The Music of the Night》等。

1996年与盲人男高音安德烈·波切利演唱的一曲《Time to say goodbye》横扫世界乐坛，创下超过1200万张的单曲销售记录；从此之后莎拉的跨界音乐之路有了傲人的发展，莎拉用她独特的发音方式结合美声，将一首首古典歌曲通俗化，同时也将一首首流行歌曲古典化。

★荣誉★:莎拉·布莱曼和意大利男高音安德烈·波伽利，新西兰女高音海莉·薇思特拉等同属古典音乐与流行音乐的 跨界音乐歌唱家。

她是世界上唯一一位在两届奥运会开闭幕式上演唱过奥运会主题曲的女歌唱家：1992年与世界三大男高音之一何塞·卡雷拉斯演唱巴塞罗那奥运会主题曲《Amigos para siempre》，2008年于北京奥运会开幕式与刘欢演唱《我和你》。

2012年通过初步医学检测，预计在2015年底搭乘“联盟”号飞船进入太空，前往国际空间站。成为世界上第一个在太空发声的专业歌唱家。

著名作品：《斯卡布罗集市》、《月光女神》、《Time to say goodbye》等。

欣赏：《斯卡布罗集市》

▎Shania Twain（仙妮亚·唐恩）

仙妮亚·唐恩，加拿大著名女歌手，是当今乡村流行乐坛绝对的实力派天后，她是继Garth Brooks之后商业上最为成功的乡村歌手，是继Celine Dion后加拿大最畅销的流行歌手。连续几张专辑销量过千万，是乡村音乐界当仁不让的一姐。

1995年初，Shania Twain轰动性的专辑《The Woman in Me》正式发行，这张专辑里诞生出了多首冠军单曲，整个专辑的销量也持续走高，很快的就成了金唱片。在全世界卖了1200万张，这张专辑也为她赢得了第一座格莱美奖杯。

★荣誉★:她的第三张原创专辑《Come on Over》（1997年）在世界销量超过4000万张，是除《The Bodyguard》外（有时该专辑也被视为电影原声带）世界音乐史上女歌手销售最高专辑。全球唱片销量达7500万张。她是史上唯一一个连续获得三张钻石唱片认证（RIAA）的超级天后。Shania Twain和麦当娜，席琳迪翁，惠特尼休斯顿及玛利亚凯利等人一起被世界媒体誉为90年代至今的跨世纪天后歌手。2011年3月27日荣登加拿大音乐名人堂；6月2日名留好莱坞星光大道，成为星光大道第2442颗星。

著名作品：《The Woman in Me》、《Come On Over》、《Up!》

欣赏：《The Woman in Me》

▎Janet Jackson（珍妮·杰克逊）

珍妮·杰克逊是美国著名唱片歌手与女演员。以发行一系列前卫音乐风格、社会广泛争议题材以及强烈性暗示的唱片，以及出色的现场舞台表演效果而闻名于世。 除了歌唱事业之外她也跨足电视以及电影表演领域，这也使得她在25年以来一直都是流行文化中的指标性人物。

根据《福布斯》杂志的统计，她是演艺圈中最富有的女性之一，个人资产达到1.5亿美元。她是演艺圈传奇家族杰克逊家族中最小的孩子，并与她的兄长迈克尔·杰克逊一起成为20世纪80年代至今以来，流行音乐界的重要符号之一。

在1982年，她与A&M唱片公司签约，开始了自己的歌唱事业。而她的第三张录音室专辑《Control》(1986)则令她开始成为流行偶像。她开创性的将节奏布鲁斯、放克、迪斯科、饶舌以及工业噪音音乐融合到流行音乐之中，成为当时音乐界的时尚先驱。

进入90年代，珍妮已成为了各大唱片公司追逐签约炙手可热的巨星。1991年，她与维京唱片签下了一张具体金额保密但保守估计高达数千万美元的唱片合约。这使她成为当时音乐史上最高签约费的歌手。同年，珍妮主演了自己的第一部电影《写诗的贾斯廷斯》(Poetic Justice)。90年代末，《公告牌》杂志评选她为十年来最成功的女歌手第二位（仅次于玛丽亚·凯莉）。

★荣誉★:珍妮·杰克逊凭借全世界累积唱片销量过亿的成绩，使她成为流行音乐史上销量最高的艺人之一。美国唱片业协会（RIAA）也以26白金的认证评的成绩，评定她为美国销量最高的艺人榜女歌手的十一位。作为世界上获奖最多的音乐人之一，她长青的表演状态、先锋的音乐理念、杰出的销量成绩和巨大的社会影响力，重新塑造和定义了20世纪80年代至今以来的流行音乐，也成为了许许多多音乐家的创作灵感。

著名作品：《all for you》、《rope burn》、《get it out me》等。

欣赏：《RUANAVAY》

▎Rihanna（蕾哈娜）

蕾哈娜，巴巴多斯女歌手、演员以及时尚设计师。在短短几年的时间内，蕾哈娜已经累计了数首Billboard排行榜冠军单曲，包括节奏强劲的舞曲《SOS》等等，成为有史以来累计单曲成绩最好的女歌手之一。

2009年11月，蕾哈娜推出了获得压倒性好评专辑《Rated R》，其中的单曲《Rude Boy》更是成为了Billboard排行榜上的蝉联五周冠军单曲。随后蕾哈娜与饶舌歌手阿姆合作了一首单曲《Love The Way You Lie》，蝉联Billboard七周冠军，成为她生涯中最成功的单曲之一。其后不久，蕾哈娜又再次发行了专辑《Loud》（娜喊），正式定位了蕾哈娜在流行音乐舞曲方面的地位与成就。

蕾哈娜的第七张也是目前最新的一张专辑《Unapologetic（道歉太难）》成为了她的第一张Billboard 200排行榜冠军专辑，目前，蕾哈娜与Michael Jackson同列Billboard史上第三多冠军单曲的歌手，仅次于玛丽亚·凯丽和披头士乐队。

★荣誉★:蕾哈娜的作品获得许多奖项的肯定，包括六座格莱美奖，八座全美音乐奖，22座公告牌音乐奖，以及两座BRIT音乐奖。目前为止她已在全世界售出超过一亿张唱片，并且也让她成为全世界最畅销的歌手之一。2013年，公告牌将蕾哈娜列为2010年代最出色的排行榜艺人。富比士也根据2011年5月至2012年5月的五千三百万美元收入，将蕾哈娜列为2012年第四有权势的演艺界名人。同一年，蕾哈娜被时代杂志提名为全世界最有权势的100个人之一。

著名作品：《Umbrella》、《We Found Love》、《OnlyGirl》等。

欣赏：《Umbrella》

▎Lady Gaga（嘎嘎小姐）

Lady Gaga是一名美国歌手、音乐创作人、企业家及时尚设计师。Gaga曾经在圣心修道院进修高中并且曾在纽约大学艺术学院就读，于后中途辍学，将生活重心转移到音乐事业。Gaga的演艺事业最早开始于在曼哈顿下东城的摇滚乐祭表演，在Gaga于唱片公司作为一名词作家的同时，她出色的声音表现吸引了艺人Akon的注意，事后Akon将其签下到自己的唱片公司Kon Live Distribution。

首张专辑《The Fame 超人气》(2008) 的商业与乐评上的成功令Lady Gaga一举成名，在全世界多个国家的专辑排行榜登顶，也囊括了国际冠军单曲《Just Dance》与《Poker Face》。

《The Fame Monster》EP的成功促使Lady Gaga于后不久开始新一轮长达18个月的巡回演唱会，成为其中一个有史以来总票房收入最高的巡回演唱会。在2011发售的专辑《Born This Way》在全世界绝大多数主要唱片市场的专辑排行榜夺得冠军，也催生了更多的国际冠军单曲。

★荣誉★:截至2014年，Lady Gaga的世界专辑销量已经粗估达到2500万张，单曲销量也在全世界范围达到9000万张，其中部分单曲更是其中几首世界上有史以来销量最高的单曲。Lady Gaga获得的奖项与成就包括五座格莱美奖以及13座MTV音乐录像带大奖。

Lady Gaga曾经连续两年成为Billboard杂志的“年度艺人”，在VH1的榜单上被列为音乐产业中第四伟大的女人，长期被富比士杂志排上排行榜，也被时代杂志列为全世界最具影响力的人之一。

著名作品：《Just Dance》、《Born This Way》、《Poker Face》、《Bad Romance》

欣赏：《Poker Face》

▎Britney Jean Spears（布兰妮·珍·斯皮尔斯）

小甜甜布兰妮世界著名美国女歌手，流行天后。她的演艺事业于1997年与Jive唱片公司签约后起步。布兰妮在1999年发行了首张专辑《爱的初告白》（Baby One More Time），成为了青少年艺人所发行的最高销量专辑。并奠定了其作为流行天后的地位。

布兰妮的成功往往被与90年代末青少年流行的复兴联结，促使她在不到二十岁的年纪就成为有史以来销量最高的青少年个人歌手，也让她获得包括“流行天后”和“流行歌手”等等的美誉。

★荣誉★:布兰妮的演艺事业获得了不少奖项的肯定，包括一座格莱美奖，一座终生成就奖在内的六座MTV音乐录像带大奖、九座告示牌音乐奖以及好莱坞星光大道上的一颗星。2009年，告示牌将布兰妮评选为2000年代巨星的第八名，也声明了布兰妮作为2000年代销量最高，有史以来销量第五高女艺人的地位。美国唱片业协会也凭借著三千四百万认证销量，将布兰妮评为美国有史以来销量第八高的女艺人。

尼尔森销量统计系统也根据截至2012年1月为止的两千八百六十万张数位销量将布兰妮评为美国有史以来数位销量第十高的艺人。在超过一亿张世界销量的肯定下，布兰妮也成为其中一名有史以来销量最高的艺人。滚石杂志将布兰妮在90年代末的事业急速成长评为25个青少年艺人创造的最伟大突破之一，同时被VH1评为2012年“唱片业一百位最伟大女艺人”第十一名，也被《公告牌》杂志评为“唱片业中最性感的女人”。福布斯也根据布兰妮在2012年高达五千八百万美元的收入，继2002年后再度把布兰妮评为年度收入最高唱片业女艺人。

著名作品：《Hold It Against Me 》、《Till The World Ends》、《He Bout To Lose Me》、等。

欣赏：《Baby one more time》

结语：跳动的音符，摇摆的节奏，指尖上的瞬间挥舞，口腔中的永恒律动，每一拍都振奋人心，每一首都震撼人心。这些歌手们用其独特的声音向世界诠释了欧美音乐敢于创新的精神，使欧美流行音乐屹立在世界流行音乐文化之巅，为流行音乐文化作出不可磨灭的贡献。

“吹笛秋山风月清，谁家巧作断肠声。风飘律吕相和切，月傍关山几处明。胡骑中宵堪北走，武陵一曲想南征。故园杨柳今摇落，何得愁中曲尽生。”

唐代“诗圣”杜甫的这首《吹笛》中，写尽了秋夜月下的竹笛清亮悠扬之声和惆怅之情。

竹笛，属于中国“八音”中的“竹”。今天，“影音新生活”编辑带你一起竹林乘风，静听竹笛的悠扬绝妙之音。

▕ 八音和鸣，荡涤之声：竹笛

“笛”最早诞生于距今约七千多年前，是至今发现的最古老的汉族乐器，也是汉族最具代表性的民族乐器之一。从1977年河姆渡出土距今七千多年的“骨笛”、“骨哨”，到后来的“竹笛”，作为一种具有强烈民族特色的传统乐器，竹笛发音婉转动人，有“龙吟”之称。古人所谓“荡涤之声”，故竹笛曾被称为“涤”，后演变为现在的“笛”。

竹笛流传地域广大，品种繁多。使用最普遍的由曲笛、梆笛和定调笛，还有玉屏笛、七孔笛、短笛和顺笛等，是中国民族乐队中重要的旋律乐器，多用于独奏，也可参与合奏。

有传说记载，在黄帝时期，即距今大约4000多年前，黄河流域生长着大量竹子，开始选竹为材料制笛，《史记》记载：“黄帝使伶伦伐竹于昆豀、斩而作笛，吹作凤鸣”，以竹为村料是笛制的一大进步，一者竹比骨振动性好，发音清脆；二者竹便于加工。秦汉时期已有了七孔竹笛，并发明了两头笛，蔡邕、荀勖、梁武帝都曾制作十二律笛，即一笛一律。

制作笛子的材料就有很多种，包括金属、木质、骨头、塑料、玻璃、玉石等等。而使用最多、最广泛的却是竹子制作的竹笛。

我国是世界上竹类资源最丰富、竹林面积最广阔、栽培历史最久、产量最多的国家。中国悠久的历史文化与竹子结下了不解之缘，竹笛更是自古文人雅士喜爱的乐器之一。在我国南方各省，竹林蔽天，随处可见。例如两广的广竹、福建的凤眼竹、湖南的湘妃竹、赣皖的紫竹等。但制笛的最佳原料，当属浙江余杭铜岭桥的苦竹。

竹笛的笛身由一根竹管做成，里面去节中空成内膛，外呈圆柱形，在管身上开有1个吹孔、1个膜孔、6个音孔（低音大笛有7个按音孔）、2个基音孔和2个助音孔。

下面，“影音新生活”小编就具体介绍一下竹笛的构成部分。

吹孔：是笛身左端第一个孔。笛子能发音，就是通过吹孔把气灌进笛管内，使笛膜和竹管内的竹簧产生振动。

笛塞：笛塞是由软木制成的塞子，装在吹孔上端管内一定的深度里。

膜孔：是笛身左端第二个孔。主要用来贴笛膜。笛膜在这里起着变化音色的作用。笛子没膜孔，是不能吹出声来的。

笛膜：一般是用芦苇膜做成的，经揉纹后取一小方块使用。经过气流振动笛膜，便能发出清脆、明亮的声音。

按指孔：共有六个，分别开闭这些音孔，就能发出高低不同的音。

上出音孔：可用来调音，起着划定笛子最低音范围的作用。

下出音孔：在上出音孔下端的两个孔，可用来调高音，起着美化音色、增大音量的作用，也可系飘穗之用。

海底又称笛头：是由笛塞内沿至吹孔中心的一段笛身内膛，它阻止气流向上流动，使口风向下流动，集中发音。

扎线：缠于笛身外面，起保护笛身以免破裂的作用。

镶头：通常在笛身左端(或两端)镶以牛骨、牛角、玉石或象牙，称为镶头。

▕ 笛音清越：声声越千年

经过七千年历程的沿革和发展，造就了中国绚丽多彩的竹笛艺术，也使得历代文人曾为它写下了无数美妙的诗篇，委婉清凉的笛声能够“舞幽壑之潜蛟，泣孤舟之嫠妇”、“促杜工部潸然肠断，使喻成龙鬓发成霜”。

下面，就与小编一起，欣赏一下竹笛演奏的乐曲。

▕ 不慕瑶台上九天，只道人间有苏州：《姑苏行》

《姑苏行》是一首深受人们喜爱的竹笛经典名曲，曲名为“游览苏州”之意，全曲表现了古城苏州的秀丽风光和游览时的愉悦心情。乐曲旋律优美亲切，风格典雅舒泰，节奏轻松明快，结构简练完整，是南派曲笛的代表性乐曲之一。

竹笛独奏：《姑苏行》

▕ 白堤断桥残柳边：《平湖秋月》

《平湖秋月》原是一首粤曲，源于北方小调《闺舞》，又名《醉太平》，其借景抒情、格调清新，具有浓郁的地方特色及连绵不断的抒情性。旋律明媚流畅，音调婉转，描绘了中国江南湖光月色、诗情画意的良辰美景，有淡泊悠远、虚无缥缈的意境，表达了作者对大自然景色的感受与热爱，成为广东音乐中的名作。

竹笛古曲：《平湖秋月》

▕ 白雪啸西风，月下弄梅花：《梅花三弄》

《梅花三弄》，又名《梅花引》、《玉妃引》。晋隋以来便有此曲，原是晋代桓伊所奏之笛曲，后经唐代名琴家颜师古移植为琴曲。乐曲名称由来于音乐中代表梅花形象的曲调在不同的段落中反复出现三次，由此称《梅花三弄》。乐曲表现了梅花昂首挺拔的不屈姿态以及傲雪斗霜的高尚品格，并借梅花洁白、芬芳和不畏严寒的特性来抒发人们对坚贞不屈之秉性、高尚情操的赞美。

竹笛名曲：《梅花三弄》

▕ 追风中，随风而去：《追风的女儿》

笛曲《追风的女儿》，是根据高胜美的山地情歌专辑《杵歌》中的同名歌曲改编的,与高胜美演唱的《追风的女儿》一样，这首笛曲深受乐迷喜爱，并广为流传。

一曲歌声婉转，唱透千般情思，流淌着淡淡的怅惘和轻轻的忧；

一阕笛韵悠悠，吹尽万种风情，演绎着情到深处人孤独的痴情。

竹笛演奏：《追风的女儿》

▕ 帘卷西风，人比黄花瘦：《卷珠帘》

《卷珠帘》是一首现代的古风乐曲，竹笛演奏由歌曲改编而来。整个乐曲悠扬婉转，如泣如诉，牵人心弦。

竹笛演奏：《卷珠帘》

结语：正像“诗仙”李白在《春夜洛城闻笛》中写的，“谁家玉笛暗飞声，散入春风满洛城。”悠扬清越的笛声穿越了千年风霜，散落流淌在华夏文化的岁月中。与惹人情思的笛声相伴的，除了青翠的竹节，还有传承千年而生生不息的中国风情。

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