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没有一个地方的海像爱琴海一样会越来越蓝，每一滴水珠都干净得不带一点杂质，汇聚成一片这么剔透的蓝色，就像一块抹平的蓝色丝质绸缎。这浪漫的蓝色与纯净的白色，交织成一个完美的地方——希腊。无人能拒绝希腊的纯净，栖息在希腊，人们仿佛可以感悟神谕，接受神的力量。而在这诗意的国度，诞生了一位新世纪音乐界的王子——雅尼，雅尼的音乐，就是希腊星空下绝美的诗篇，骑士的优雅、诗人的浪漫、美国的奔放都在他的音乐里表现得淋漓酣畅。

今天，“影音新生活”小编带大家一起走进雅尼的音乐世界。

欣赏：《夜莺》

▌来自爱琴海的音乐才子

雅尼（Yiannis Chrysomallis），1954年出生于希腊的卡拉马塔。这是希腊南部的一个海滨小镇。雅尼生活在一个很普通的家庭，他并没有接受过正规有序的音乐教育，但这并不能抑制他与生俱来的音乐天赋的成长。八岁的时候他开始弹钢琴，童年的雅尼总是试图为电影配曲，他并不在意电影的故事情节，他可以不需要任何谱子而仅凭超人的记忆记下电影的配曲中的每一个音符。回家后再用钢琴把它们弹出来，他总是不断的给每个曲子加进更好的效果并逐步丰富旋律，他给这些曲子取名为新音乐（New Age）。

雅尼最初的理想是成为一名临床心理学家，在他18岁时候，被明尼苏达大学接收，正式移居美国并主修心理学。大学的几年里，他开始运用电子合成器和钢琴来做出新的音乐效果。毕业后雅尼最终还是选择了他钟爱的音乐事业。这个时候他已经能够熟练的掌握钢琴和合成器，并于1980年推出他的第一张新个人专辑《Optimystique》，并开始一心一意的走他的音乐道路。

雅尼有着忧郁而英俊的地中海面容，精神抖擞的胡须，黑色深邃的眼睛和一头黑色的自然卷曲长发的音乐天才。这是一个让人仿佛回到优雅高贵的年代的世界，在那个年代，雅尼也许不会成为一个新世纪音乐家，而是一位古典音乐家，他创作的交响乐在世界上最宏伟的音乐厅上演。

欣赏：《浪漫钢琴曲》

▌独立特行的音乐大师

雅尼对音乐始终保持着无限的热情。“音乐是一种难以形容的语言——它越过了正常的逻辑思维，直接向人们的心灵倾诉。因此我不喜欢在我的作品中加入明确的唱词。对我而言，必须考虑的事就是忠实于情感。我尽全力去表现事实。我要传达的是我的生活感受和那些对我非常重要的事物。”

偶尔，雅尼会在工作室呆上几个星期而写不出任何东西。为何创造力时而像火山喷发般势不可当，时而又似湖面般平静？雅尼并不相信“创造力障碍”之说。“‘创造力障碍’完全是一种构想出的东西。它并不存在。创作完全是一种心境，当你的确置身其中时，灵感根本不会枯竭。”人们常犯的错误是误以为创造力遥不可及，其实它就来自内心深处。为了和内心深处的创造力接触，雅尼学着去封闭外界。“你必须摆脱外界干扰。关掉电视和收音机，别去接电话，也别管门铃。对我而言，与外界隔离非常有益。过去，我要几个星期的时间才能进入创作状态，而如今，六个小时就足够了。”

对雅尼而言，这种忠于内心的创作方式是他音乐生涯所不可少的。“我认为如果你全身心地投入某一事物，体验这内心之旅，你就会深深地沉浸于其中以致令生活向你展露它的本质。当我作曲时，我考虑的不是我在“作曲”。音乐是一种用来探索我内心世界的媒介。”

作为一个拥有独特创作方式的音乐人，雅尼不愿被纳入任何流派，他独创着一般魅力独具的音乐潮流。他擅长用电子合成技术将古典音乐以现代人的视角做重新诠释。

欣赏：《One Man’s Dream》

▌音乐之神雅尼的音乐之路

1980年雅尼发行了不温不火的第一张个人专辑《Optimystique》，虽然并没有造成太大的影响，但已经开始树立起其个人风格的雏形。直到1986年第二张专辑《Keys to Imagination》，雅尼才一鸣惊人。整个1980-90年代，他一直活跃不息，每张专辑都水平不俗。此后，雅尼尝试运用更多的乐器进行音乐编排，并连续推出两张个人专辑，之后移居到美国电影工厂——好莱坞。在1986年到1996年的十年里，每年推出一张专辑，直到世界巡回演出《Tribute》的推出。1992年的《Dare To Dream》和1993年的《In My Time》都获得了当年格莱美奖提名。

雅尼带着他的传奇和执着在世界最引人瞩目的文明古迹举办过多场音乐会，也是世界上惟一一位在人类文明古迹上举办过音乐会的人。如希腊卫城，印度泰姬陵，中国故宫，英国伦敦，美国拉斯维加斯音乐会。这些音乐会都获得了巨大成功，这样的创举不仅在新世纪音乐界中是绝无仅有的，即使在其他领域也鲜有匹敌者。洋溢着魅力和感染力的音乐，令无数人如痴如醉，充分领略到新世纪音乐的美妙。

1993年9月25日，雅尼在希腊雅典卫城的音乐会，是他人生的一个伟大转折，也是将雅尼的音乐事业推上巅峰时期。专辑全球销量超过七百万张，是PBS有史以来销量第二高的音乐录像带，其作品在过去十年中成为了许多大型赛事和奖项的开场曲最爱。这些傲视群雄的纪录都足以说明他在新世纪音乐界不可替代的重要地位。

欣赏：《开场曲》

▌雅尼与中国的不解之缘

1997年在北京紫禁城那恢宏的现场演出场面，很多人一定还记忆犹新，在紫禁城的音乐会中，一曲为中国而创的有着超凡艺术造诣和艺术感染力的并以竹笛主奏的作品《夜莺》感染了千万人。雅尼和中国，有着无法割舍的情缘，在那一夜飞入了多少中国人的心帏，撼动了多少中国人的心灵。激情澎湃的演奏，让所有聆听者深深沉浸。

《夜莺》是一首充满中国古典音乐情调的现代电声音乐作品，它的特点是乐曲应用西洋箫模拟中国的竹笛的声音。笛子的悠扬，清越，小提琴的婉转，飞扬，大提琴的低沉，肃穆，还有钢琴和电声乐队的雄浑，壮丽，最后还有人声的加入，充分显示了乐曲的独特魅力。

关于《夜莺》的创作,有这样一段故事:雅尼很久以前在意大利海滨度假,每当傍晚时候都会有一只小鸟到他的窗前歌唱,雅尼被小鸟的歌声迷住了,他觉得小鸟的鸣叫中充满了旋律和节奏,就想为这只小鸟谱一支曲子,但是他找不到合适的乐器来模仿小鸟的叫声。后经朋友介绍，雅尼找到了一种叫“竹笛”的中国民间乐器，它的声音与夜莺简直无差别，雅尼立刻就想起了意大利的那只小鸟,就很快谱出了这首中国味道十足的《夜莺》。

欣赏：《雅尼音乐经典音乐之一》

▌雅尼的音乐光环

世界上，第一位出CD的音乐家；

世界上，第一位在中国开音乐会的西方音乐家；

世界上，第一位为中国创作曲目（夜莺）的西方音乐家；

世界上，第一位能用音乐感动一座城的西方音乐家；

世界上，第一位在人类文明古迹上举办过音乐会的艺术家；

世界上，第一位被国际奥委会定为每届专用音乐的艺术家；

雅尼是当今世界上最伟大的New Age大师，全球闻名的演奏家、作曲家；雅尼与“披头士、迈克 杰克逊”并成为音乐界三驾马车，被誉为“人类的音乐之神”。他曾两度被格莱美奖提名，荣获35个金唱片和白金唱片奖独占世界音乐鳌头！他是“世界一流的键盘奇才”，电子音乐的奠基人之一； 他开创了一股魅力独具的音乐潮流——新世纪音乐，同时他对于新世纪音乐的推广普及起到了不可估量的积极作用。

欣赏：《欢快乐曲》

▌雅尼著名音乐作品

雅尼（Yanni）是一个用音乐讲述生活的人。他的作品，既弥漫着古希腊的浪漫诗意，又飞扬着现代社会的动感节律。可以说，雅尼将高贵的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地融合起来，给人们奉献了一场特别的听觉享受。难怪他的全球巡演到处都掌声如潮、欢呼如山。

雅尼拥有数十张专辑，下面将介绍其中五首音乐作品：

《Santorini（圣托里尼）》

《Within Attraction（深深吸引）》

《Nightingale（夜莺）》

《One Man’s Dream （一个男人个梦想）》

《With An Orchid（和兰花在一起）》

欣赏：《 With An Orchid》

▌世界著名媒体对雅尼的评论

“雅尼是一个奇迹，一本可以在商学院讲授、在教堂里宣讲、在睡觉前静读的勇气和决心的教科书”。

–《华盛顿邮报》

“在繁忙喧闹的快节奏生活之中，偷得半日闲来聆听雅尼的音乐，也许可以找寻到一份久违了的轻松和休闲。”

–《泰晤士报》

“当雅尼的音乐响起来，你仿佛站在寂寞的悬崖高处，看着广阔的大地和海洋，看着不断奔腾的青青，似乎圣洁清亮的光芒洒满了人间，一切烦忧离我们远去……”

–《时代周刊》

欣赏：《夏季风暴》

▌雅尼语录

“你不必在高山之巅俯瞰风景，也无需在草地上久坐。我最钟情于黑暗。我有很多作品都是在地下室完成的。那里没有窗户，很暗，也很静。灵感总能到来。”

“人之一生，实际上是在不断地做梦、追梦，并不断努力使梦成真。”

“音乐是一种难以形容的语言，它越过了思维，直接向心灵倾诉 ”

“音乐将会给听众带来希望的撞击。”

欣赏：《琴筝和鸣》

结语：就是这一片神奇、浪漫、高贵的土地上培养出这位震惊世界的音乐之神，他传奇般得把古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。将高雅的古典交响乐与绚丽的现代声乐巧妙地结合起来，他的音乐充满着清新、浪漫、积极向上的精神，充满对世界、对生命的那种磅礴、激昂、积极进取的力量。若在繁忙喧闹的快节奏生活之中，偷得半日闲来聆听雅尼的音乐，也许可以找寻到一份久违了的轻松和休闲。

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他是一位指挥完交响乐谢幕时会忽然间露出孩子般干净笑容的老人。他从古典音乐的世界里走来，用他简单质朴的音乐，为我们谱写出一首首动听的旋律。而当他的音乐融合了宫崎骏的动画后，音乐与画面就成为了日光下斑驳的树影、天空中绮丽的云朵、大雨中凉亭顶上的水雾，夕阳下璀璨夺目的晚霞中。他的配乐唤起了人们那些曾经拥有却渐渐失去的童真，给我们营造了一个梦。他，就是日本著名的配乐大师——久石让。

今天，“影音新生活”小编将带领大家走进久石让大师用梦构筑的音乐世界：

久石让(Joe Hisaishi)，本名藤泽守，日本著名作曲家、指挥家、钢琴家，是日本最多产，同时也是最具影响力的现代音乐艺人之一。久石让以担任电影配乐为主，特别是宫崎骏导演的作品，从《风之谷》至《崖上的波儿》的24年间所有长篇动画电影的音乐制作，是宫崎骏作品中不可欠缺的人物。久石让这个名字的来源也是他的偶像——美国黑人音乐家及制作人昆西·琼斯（Quincy Jones）。他把“Quincy Jones”这个名字改成日语发音，再联上最近似的汉字姓名，就变成了“久石让”。他的英文名JOE，也可以说是为了向美国配乐大师Quincy Jones致敬。

久石让曾七度获得日本电影金像奖最佳音乐奖，并于2009年获得日本政府授予紫绶褒章。

▌久石让的音乐之路

在久石让五岁的时候，他已在铃木镇一小提琴教室开始学习拉小提琴。1969年久石让进入国立音乐大学作曲科，钻研现代音乐作曲，因此久石让具有深厚的学院派作曲训练。事实上，久石让除了电影配乐外，还写了不少十几岁到二十岁朋友不容易接受的现代作品，他的现代音乐观念受到菲利浦葛拉斯（Philips Glass）、史提芬莱奇（Steve Reich）、史托克豪森、约翰凯吉（John Cage）等人，以及日本近代作曲家武满彻、三善晃的影响。

1981久石让推出第一张专辑《Information》，确定了自己的音乐风格，之后开始为影片配乐。

▌与宫崎骏结缘

他和宫崎骏惺惺相惜，《龙猫》、《天空之城》、《千与千寻》……宫崎骏的动画中总有他的音乐。他用他的音乐诠释了他对宫崎骏动画的理解。没有他的音乐，动画将失色不少。

他第一次为宫崎骏担当配乐，是在剧场动画作品《风之谷》中。1983年，经人介绍，久石让结识了宫崎骏，此时宫崎骏正致力于《风之谷》的创作。听过久石让创作的风之谷的印象音乐后，宫崎骏被深深打动了。久石让为该片创作的配乐深深地打动了无数的观众以及评论人。从此开始久石让便一直担当宫崎骏动画的音乐监督至今。

之后更为《风之谷》、《W的悲剧》（根据夏树静子推理小说改编）、《两个人》等影片配乐，这些出色的音乐令他声名鹊起，从此几乎日本知名卖座电影都找他创作配乐，数量至今已经超过40部。

久石让和宫崎骏合作著名的电影配乐有：《风之谷》、《天空之城》、《龙猫》、《魔女宅急便》、《萤火虫之墓》、《红猪》、《幽灵公主》、《千与千寻》、《哈尔的移动城堡》等。像在《天空之城》中他用到许多爱尔兰民谣的元素，音乐与画面结合的效果绝佳。

▌久石让著名音乐作品欣赏

久石让的配乐总是非常符合动画里那一个个不同的场景，欢快的、优美的、神秘的、宁静的……他的音乐能够让那个场景顿时栩栩如生。

《菊次郎的夏天》（Summer)

这是一首清新而如夏夜凉风舒服般的钢琴曲。清脆的琴键，低沉的大提琴跳跃起来，让人听来有一种舒心的情怀。

欣赏：《菊次郎的夏天》

《天空之城》

天空之城在很多人心里都是经典，丰富的弦乐旋律带我们翱翔在清风穿发、白云作伴、让人心驰神往的天空中……

欣赏：《天空之城》

《千与千寻》

简约的音符使宫骑骏动画电影里充满想象力和梦幻意境，在影片中起到了画龙点睛的作用。

欣赏：《千与千寻》

《The Rian》

《The Rian》钢琴敲击出雨滴的声音、提琴悠扬热烈的和鸣就像是风的声音，在我们的生命的时光里穿行，引起我们对于生命和爱情瞬间的怀想。

欣赏：《The Rain》

《与你共乘》

久石让凭此曲达到了其创作生涯的巅峰。主题曲在纯净而愉悦的童谣曲风中，意外揉入了一点悲天悯人的味道，让人有了淡淡的哀伤感。

欣赏：《与你共乘》

《风之谷》

这首音乐既融入了东方风格的调性，也有古代传说般的气氛，浅尝低吟又温馨安逸，行云流水，既超现实，又美不可言。

欣赏：《风之谷》

《入殓师》

以大提琴为主要乐器的这首背景音乐。琴音时而激越、时而温柔，仿佛主人公本木雅弘内心的情感之流。

欣赏：《入殓师》

《空中散步》

久石让的这首音乐融入现代华尔兹的元素，好听又不会太嘈杂，让人感觉周围都空气都跟着音乐翩翩起舞……

欣赏：视频内容为《起风了》

《人生的旋转木马》

这首音乐有多个不同的表现版本，运用了和弦的伴奏是音乐动感许多，这也是人们最喜爱的原因之一。

欣赏：《人生的旋转木马》

《风之丘》

这是一首充满阳光的音乐。虽然旋律简单，但配合动画效果非凡，如同初夏那温暖的阳光一样让人心旷神怡，影片中当女主角琪琪从火车上骑上扫帚飞向空中，就是这首曲子的伴奏，空中所看到的绿色的城镇，碧蓝的海洋，伴随飞翔的白鸥或大雁，都像诗一般美好。

欣赏：视频内容《龙猫》

结语：听久石让的音乐，人就会变得很安静。久石让其实是一位用音乐说故事的诗人，意境先过旋律，他的作品总是先给我们大自然的风、水、光等等惬意的元素，在影片画面的催化下，音乐就格外具有渗透力。为电影而生的配乐，在久石让的手中，运用到了极致，一幕幕难忘的场景，一首首动听的音乐，总是那么地和谐与优美。他的音乐也为我们带来了无数感动，这大概就是久石让的魅力所在吧。

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交响音乐传入我国已经有近百年历史，但是在新中国成立后，才有机会接触到较为广泛的听众。经过长期广泛的实践证明，交响乐这种外来形式也能完全为我所用，交响音乐的一些基本体裁如交响诗、交响组曲等，对我国的交响音乐会听的众来说已经不再陌生，我国作曲家也充分运用各种体裁，创作了不少“中国味道”的交响作品。

七月盛夏，“影音新生活”编辑与你一起了解中国交响乐，欣赏这些耳熟能详的不同体裁的中国交响音乐作品。

红色史诗：中国交响音乐的发展历程

交响乐又称作交响曲，该词源于希腊文，最早指很多不同声音同时和谐地出声的意思。作为一种大型的器乐套曲作品，交响乐是采用大型管弦乐队演奏的交响套曲，从创作到演奏都需要高超的技巧，通常所表现的内容也丰富多变，融汇了深刻而复杂的思想感情，因此它是一个国家或民族音乐文化水平的标志。

交响乐在中国出现的时间并不久，由于中国曾经长期处于封建社会，国门紧闭，断绝了对外交流，因此到十九世纪后期，西方音乐才通过教会逐渐走入中国人民的生活。直到抗日战争时期，交响乐才逐渐在中国形成。在抗战时期，一批留学海外的音乐学子归国后利用系统的和声理论和作曲技巧，采用交响乐的形式创作了有关革命抗战题材的作品。

改革开放之后，随着中国经济的飞速发展和国人生活水平的日益提高，对精神文明的追求也越来越高，交响乐随之在中国迎来了新的生命。

1996年，经国务院批准，在原先中央乐团的基础上重新组建了中国交响乐团。在体制上取消了终身制，实行公开招聘；在艺术上也首次建立了与国际职业乐团同步的音乐季机制，为中国交响乐迈出了规范化、职业化的第一步，也是中国交响乐团职业化改革的一个重要开端。

2000年5月，在中国广播交响乐团的基础上又组建了一支国家级交响乐团：中国爱乐乐团。由此，中国的交响音乐事业进入了新的快速成长时期。

直到今天，21世纪的第二个十年即将过半，中国已经成为世界第二大经济体，中国的文化艺术产业也逐步努力向世界先进水平看齐。

中国之声：纵览中国交响音乐

简单了解中国交响音乐的发展历程之后，随“影音新生活”小编欣赏一下中国风的交响作品。

▕ 普天同庆，新春吉祥：《春节序曲》

春节是中国人每年最重要的节日，也是最富有中国特色的传统节日。中国人过春节已有超过4000年历史。提起春节，人们所想到的无不是大红的灯笼，盛大的歌舞，还有笑容里洋溢着喜气的人们。

还记得每年春节前夕都会响遍大街小巷的《春节序曲》的欢快曲调吗？

《春节序曲》是《春节组曲》的序曲部分，是我国著名作曲家、音乐理论家李焕之的一首脍炙人口的作品。整个序曲旋律明快，生动地表现了我国人民在传统节日里热闹欢腾、喜气洋溢、敲锣打鼓、载歌载舞的场面。

这首序曲是复三部曲式的管弦乐曲，它将西方的一种曲式融入到了中国传统音乐中，以中国传统节日“春节”为题，采用我国民间的秧歌音调、节奏与陕北民歌为素材，集中表现了中国人过春节的热闹景象。

来回味一下年味浓郁的《春节序曲》。

2011年北京新春音乐会，《春节序曲》。演奏：中国歌舞剧院交响乐团

▕ 晋商传奇：《乔家大院》交响组曲

晋商，即山西商人，是中国最早的商人，其历史可远溯到春秋战国时期。晋商曾称雄国内商界500年之久，明清两代是晋商的鼎盛时期，他们个人拥有的财产富可敌国，曾一度垄断中国票号汇兑业，也是现代银行的鼻祖。

提起“晋商”，人们首先会想到的一定是如乔家大院、常家庄园、曹家三多堂等著名的“山西大院”。但晋商留下的不仅有建筑，还有诸多的传奇故事和思想精神。作曲家赵季平先生创作的《乔家大院：交响组曲》，就是以晋商为题材的一部交响组曲作品。

《乔家大院：交响组曲》是赵季平先生在其作曲的电视连续剧《乔家大院》音乐的基础上重新创作的。整部组曲共分为六个乐章：序曲、立志、爱情、商路、炼狱、远情。乐曲描述了清代晋商乔致庸坎坷的人生经历，反映了一代晋商“节俭勤奋、明礼诚信、精于管理、用于开拓”的精神，在当今中国有很强的现实意义。

听《远情》，感受晋商在清末百年风云中的沧桑历程。

《乔家大院：交响组曲》第六乐章：《远情》。演唱：谭晶

▕ 化蝶永相随：《梁祝》小提琴协奏曲

梁山伯与祝英台凄美婉转的爱情故事，每个人都耳熟能详，它就像是烙在每个人心里的印记，表达着对纯真爱情的向往。

1958年，当时就读与上海音乐学院的陈钢与何占豪以越剧曲调为素材，将民族音乐《梁山伯与祝英台》改编成了小提琴协奏曲：《梁祝》。

《梁祝》小提琴协奏曲采用交响乐与我国民间戏曲音乐表现手法，依照剧情发展精心构思布局，采用奏鸣曲式结构，单乐章，有小标题。

整个协奏曲分为“鸟语花香”、“草桥结拜”、“同窗三载”、“十八相送”、“长亭惜别”、“英台抗婚”、“哭灵控诉”、“坟前化蝶”八个部分构成。

还记得“化蝶”那段凄美婉转的旋律吗？

小提琴协奏曲《梁祝》全乐章，小提琴：吕思清

▕ 君不见黄河之水天上来：《黄河》钢琴协奏曲

黄河流域是世界四大文明之一：中华文明的发祥地，一直被称为中华民族的“母亲河”。

自古以来，我国关于黄河的文化作品就数不胜数。

“君不见黄河之水天上来，奔流到海不复回。”千年之前，“诗仙”李白在诗中一句话形容了黄河的雄浑壮阔。

1939年，我国著名爱国作曲家冼星海根据黄河实景创作了《黄河大合唱》，这部作品在1969年被改编称为《黄河》钢琴协奏曲。

《黄河》钢琴协奏曲在创作中运用了西洋古典钢琴协奏曲的表现手法，在曲式上又融入了船夫号子等中国传统民间音乐元素，不仅在当时国内引起了强烈的反响，还因其史诗般的结构、华丽的技巧、丰富的层次和壮阔的意境，成为世界音乐史上最为著名的一首中国协奏曲。

共同感受一下《黄河协奏曲》的中国风格。

《黄河》钢琴协奏曲，1970年首演版。钢琴：殷承宗

▕ 复兴之路的红色光芒：《红旗颂》交响诗

《红旗颂》是中国大陆作曲家吕其明1965年创作的交响诗。

这首交响诗以“红旗”为主题，融入了《东方红》和《国歌》的旋律，描绘了1949年10月1日中华人民共和国成立时第一面五星红旗升起时的情景。同样，它以庄严宏伟的歌唱性旋律，表现了中国人民在红旗的指引下，英勇顽强、奋发向上的气概，讴歌了伟大祖国蒸蒸日上的繁荣景象。

《红旗颂》整个交响诗共有两个主题。

第一个主题主要写五星红旗升起时的景象，用颂歌般的旋律，抒发了面对红旗时热血沸腾、充满憧憬、无限爱恋的情绪，同时既有对革命胜利的欣慰，又有对牺牲的人民英雄无限的怀念。

第二个主题是“回忆”，回忆革命岁月的艰难，忆苦思甜，感怀新生活的美好。

来用心感受一下《红旗颂》的味道。

2013年，天津新年音乐会，《红旗颂》

▕ 炎黄风情：中国民歌主题24首管弦乐曲

《炎黄风情——中国民歌主题24首管弦乐曲》是我国作曲家鲍元恺的作品，这部交响曲由《燕赵故事》、《云岭素描》、《黄土悲欢》、《巴蜀山歌》、《江南雨丝》和《太行春秋》六个组曲的24首乐曲组成，以脍炙人口的民歌旋律和多彩绚丽的管弦乐色彩，向听众展示了一幅栩栩如生的汉族人民生活画卷。

《炎黄风情》自1991年首演以来，远播中外、续演不衰，受到普遍赞誉，并先后由国内外多家交响乐团在世界多座城市和地区竞相上演，获得了各地华人的深刻共鸣，也引起了西方乐团的广泛关注，成为演出率最高的中国管弦作品之一。

一起感受一下中华民族的“炎黄风情”

《炎黄风情——中国民歌主题24首管弦乐曲》，作曲：鲍元恺

小结：炎黄风情，红色之声。交响音乐在西方发展数百年，而在中国为人所熟悉不过区区不到一百年。也许中国的交响音乐和西方还有差距，但伴随着经济的复兴，文化的崛起也日益重要。在不远的未来，古典交响乐演绎的“中国声音”也一定会有更宽广的舞台。

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《爱的罗曼史》是一首家喻户晓的世界名曲，该曲格调高雅、清新脱俗，曲调略带伤感、沁人肺腑，学吉他的人几乎都会弹奏它的音符。但曲子里一些技巧像靠弦和轮指却不是一般吉他或者其它乐器能够表现好，也只有吉他艺术的最高形式——古典吉他才能更好地表现其中韵味。

古典吉他（Classical Guitar），被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。原名古典6弦琴，和竖琴、鲁特琴等同属古典式弦琴大类。相较民谣等其它吉他，古典吉他指板上只有12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚，音色丰富。它主要用于演奏古典乐曲，且以独奏为主、兼顾一定量的重奏、协奏等，是吉他家族中艺术性最高，最具代表意义，适应面最广，最有深度，最受艺术界肯定的一类。

所有乐器的发展都离不开大师的推动，古典吉他亦然。古典吉他大师，不但能让专属古典吉他的那种宁静悠扬的旋律在我们心灵深处回绕，同时也能推动了古典吉他的发展进步。下面，“影音新生活”的小编分国籍地为大家介绍世界著名的十位古典吉他大师，并对其代表性作品进行赏析：

西班牙是古典吉他的重要发祥地和吉他大师的成长地。下面介绍的三位都是来自西班牙的世界级古典吉他大师。

▎费尔南多 索尔（Fernando Sor）——吉他自是一家

索尔可以说是早期古典吉他的开拓者，将吉他由一件不入流的乐器发展成为最重要的古典乐器，其后，吉他才逐渐与钢琴、小提琴并称。索尔是近两百年来最多产的古典音乐作曲家和倡导者，他的作品风格属于典型的古典乐派，旋律优美，和声丰富，为吉它艺术开创了一个崭新的时代，后人曾称赞他为“吉它史上的贝多芬”。

索尔著名吉它独奏曲有《魔笛主题变奏曲》、《伟大的独奏》、《月光》（原为《b小调练习曲》），下面，我们一起来聆听一下他的《月光》，曲子展现了一幅田野、河流、村庄在朦胧的月光下，万籁俱寂、大地一片银光的美丽画面。它与贝多芬的钢琴曲《月光》有着异工同曲之妙，给人们一种梦幻般迷人的感觉。

费尔南多索尔（Fernando Sor）：《月光》

▎安德列斯 塞戈维亚（Andres Segovia）——吉他皇帝、尼龙弦之父

古典吉他在流行之初，使用的是羊肠弦，1946年尼龙弦的研发，促进了弦琴的改良，但是，尼龙弦的古典吉他的推广，还是得益于塞戈维亚，他在音乐会和曲子的实践上突出了尼龙弦在音色上清脆而不失厚实的的特点，从而奠定了古典吉他沿用尼龙弦的标准。

塞戈维亚作为一位西班牙吉他大师，也没有忘记继承索尔的音乐道路，继续在实际行动中打破人们成见，提升古典吉他在古典乐器的地位，而且还鼓励音乐学院开设古典吉他的专业，并将自己的学员介绍到各大学院任教。这些不但促进了古典吉他在二十世纪飞速发展，也使人们在谈论古典吉他永远都无法越过塞戈维亚——这一伟大的吉他大师。塞戈维亚在作曲上也是成绩卓越，其中比较有味道的应属他改编的古典名曲《魔笛主题变奏》，下面我们一起欣赏一下这首变奏曲吧。

安德列斯 塞戈维亚（Andres Segovia）：《魔笛主题变奏》

▎佩佩 罗梅罗（Pepe Romero）——罗梅罗家族的代表者

罗梅罗家族是古典吉他的皇族，在过去50年中，罗梅罗家族以其精湛绝伦的演奏技巧，天衣无缝的默契配合创建了一个蜚声世界的音乐品牌，更树立了一个难以超越的古典吉他史上的里程碑。罗梅罗家族被看作是“古典吉他的守护使者”、被称为“西班牙吉他王国的皇室家族”，它是现代音乐史上的一个骄傲与奇迹。

而佩佩罗梅罗则是罗梅罗家族的典范，尤其表现在对古典吉他技巧的展示和曲子的诠释上，被誉为“无暇鉴赏力”的演奏家。在古典吉他世界，他掀起了无数高潮，弹奏出吉他演奏中最优美的需极度轻奏的乐段，创造出极度优美、清透和雅致的乐句。他拥有对于力度变化的灵感触觉和丰富的润色功底，以致于他有能力创造出几乎任何他需要的。

罗梅罗还在二重奏上做出了重要贡献。多年来他不但以其无懈可击的技巧与流畅的音乐性纵横乐坛，还经常与世界一流动管弦乐团合作协奏曲的演出，常与其兄塞林、胞弟安吉尔搭档合作二重奏的演出，皆获得极高的赞誉及评价。下面，我们一起来听听佩佩罗梅罗是如何诠释“近代吉他音乐之父”弗朗西斯科泰雷加的名曲《阿罕布拉宫的回忆》，里面关于轮指的使用可谓经典。

佩佩 罗梅罗（Pepe Romero）：《阿罕布拉宫的回忆》

意大利是古典乐的殿堂，也是古典吉他大师的造就地，古典时期吉他人才最多的就是意大利。

▎尼科罗 帕格尼尼（Niccolo Paganini）——音乐全才

也许说起帕格尼尼，很多人的第一反应就是“小提琴上的魔鬼”，“独弦操圣手”。其实这只是他的一方面，帕格尼尼对古典吉他可以说是一个承前启后的地位。欧洲的古典吉它艺术在十八世纪曾盛极一时，但在索尔等几位杰出人物作古之后，欧洲古典吉它艺术一时趋向衰落。帕格尼尼研究吉它的时代，正是古典吉它艺术处于低潮之时。帕格尼尼一生留下了大量的小提琴作品，也留下了200多首吉它曲，都堪称艺术精品。

帕格尼尼是吉他艺术史上的一位重要人物，这不仅是因为他留下了几首堪称珍品的吉它曲，更重要的是在于他在吉它艺术处于低潮之时对吉它艺术苦心扶植，为吉它艺术在十九世纪中后期的复兴，做出了不可磨灭的贡献。作为小提琴手和吉他手并称的大师，我们来听听他的吉他与小提琴六首奏鸣曲合集：

尼科罗 帕格尼尼（Niccolo Paganini）：《浪漫吉他奏鸣组曲》

英国一直被当做欧洲文艺的集结地，同样孕育了许多出色的古典吉他大师

▎朱利安 布里姆（Julian Bream）——英国的塞戈维亚

布里姆是塞戈维亚的徒弟，也是欧洲古典吉他的后起之秀。出生于音乐家庭的他，拥有对音乐的特殊敏感性，17岁的时候，就已经声名在外，成为世界著名的吉他大师。

布里姆也是古典吉他专辑录音的先行者。通过与RCA唱片公司的合作，使得世界范围内的吉他爱好者认识了布里姆和他的音乐，同时也给他在录音界带来了极高的荣誉。其中包括国家艺术学院录音艺术和科学奖；两次获得莱美奖（1963年和1966年），即美国镀金唱片奖，是一年一度地奖励录音工业中有特别成就的奖项；1968年荣获爱迪生大奖等。下面，我们一起跟随他的《华丽的回旋曲》轻轻跃动吧。

朱利安 布里姆（Julian Bream）：《华丽的回旋曲》

《月光》

▎大卫 罗素（David Russell）——无与伦比的天才

罗素以技巧和音乐素养获得盛誉的吉他演奏大师，不单单表现了其在古典吉他上的造诣，更出众的还有他对对各种音乐掌握后对古典吉他的推动上。他的吉他从起源上来讲，是受西班牙文化的影响，后来，在伦敦学习吉他的同时，也辅修小提琴以及法国号，这有利于其在古典吉他上的学习。

罗素的录音的吉他音色可以说非常非常的干净，这离不开罗素的独特演奏，但在声音干净以及技巧处理上，这还是得益于Telarc 公司的发烧级录音，还有发行唱片都是以专辑形式（即非多个作曲家作品的集锦），这也使得他的专辑无论是在学习方面还是在资料收藏方面都很有价值。下面，我们就来听听这干净的吉他声吧，来自罗素的《钟声》：

大卫罗素（David Russell）：《钟声》

▎约翰 克里斯托夫 威廉斯（John Christopher Williams）——吉他王子

出生于澳大利亚墨尔本的威廉斯，是一位受人敬仰的吉他大师。虽说生于澳大利亚，但10岁来到英国伦敦的他，实际可说是受欧洲文化影响至深。而且在11岁的时候，就得到了吉他大师塞戈维亚的指导。

父亲是一位著名的爵士吉他手的背景，造就了他不拘一格的吉他风格，也为稳重的古典吉他吹来了一股清风。80年代后期，威廉斯不但尝试了各种吉他风格，如爵士、流行等，还自己组建摇滚乐队，玩起了摇滚，这些都为他后期古典吉他创作奠定了良好的基础。下面我们一起来听听古典吉他最为著名的独奏曲之一《阿斯图里亚斯的传奇》，来听听属于威廉斯那糅合了古典和摇滚的独特风格，来感受古典中的偶尔奔放。

约翰 克里斯托夫 威廉斯（John Christopher Williams）：《阿斯图里亚斯的传奇》

日本古典吉他的成就同样拥有十分出色的成绩，山下仁和便是其中具有代表性的大师。

▎山下仁和——退隐的大师

山下仁和的功力，在速度上体现得最为妥帖，他的《随想曲第二十四号》被誉为世上最难演奏的三首吉他曲之一。作为一个亚洲人，首次出现在古典吉他舞台，也受到了褒贬不一的评价。炫技，是乐评人对山下仁和的第一评价，同时，八十年代如日中天的他，在九十年代突然退出国际舞台，也是吉他界的一大遗憾之一。

在被欧洲主导的古典乐坛的情况下，一个亚洲人的娴熟技术确实会引起部分吉他大师的恐慌。山下仁和在西方音乐圈一直受到某些人的偏见和误解，尤其是英国吉他圈的一些重要人物的不公正待遇。但这些并不妨碍他曲子的流传，下面我们来听听他的《风之琴缘》，感受来自富士山下的清风细雨。

山下仁和：《风之琴缘》

▎福田进一——学院派代表

古典吉他的发展，到了现当代，已经形成了学院派的传统，很多著名吉他大师就是出自于著名的学院，像福田进一就是从巴黎的“Ecole Normale de Musique”毕业。福田进一的作为一个典型的东方人，在手速上是有着无可比拟的优势，但是在力度与美观上，略显不足。

福田进一：《大教堂》

吉他泊来中国，就很容易被带入中国的韵味，这也是中国比较特色的地方。古典吉他在中国的发展，结合了中国的古典民族乐器的技巧，弹奏中国的民族乐，别有风味。

▎杨雪菲——吉他公主

罕见国际舞台能有中国人的面孔，而杨雪菲却是古典吉他界公认的现当代优秀的吉他演奏家。生于北京，很早就接受了中国古典吉他界的翘楚陈志老师的教学。她是中国进入音乐学院学习吉他并取得吉他学士学位的第一人，亦是受邀签约国际主流经理人公司及录音公司，成功在国际舞台开创职业演奏生涯的第一位中国吉他演奏家。

下面，我们一起来听听杨雪菲诠释的中国传统乐曲《梁祝》，一把古典吉他，表现了古筝的行云流水，二胡的缠绵悱恻，将中国古典乐发挥到了极点。

杨雪菲：《梁祝》

结语：每个人对音乐都有着自己的感悟与冥思，或激昂、或高雅，而这都是一种神圣的传承。当古典吉他那种清新自然、古朴典雅的旋律在心灵深处萦绕时，这不但是自己与大师的对话，也可以说是心灵与音乐的对话。

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音乐的世界是一个真实的世界，每个音符都记录了无数生活中的悲欢离合，而无论是歌手还是作曲家，这致力音乐的工作者都是在用自己特有的声线表达着丰富的情感，传递着心灵的语言，向世界显示着音乐的力量。今天，“影音新生活”的小编就带大家来领略十位来自欧美魅力女歌手的完美声线：

麦当娜（Madonna Louise Ciccone）

美国著名歌手麦当娜，1958年8月16日生于美国密歇根州的贝城，是一位作词歌手、演员、儿童文学作家和企业家。凭借多变而独特的音乐风格和外表形象而有名。20世纪里最高销量的摇滚女歌手，被《福布斯》 和众多报刊杂志形容为一个文化象征。曲风类型：流行音乐、舞曲、电子音乐、R&B。

荣誉：麦当娜是吉尼斯记录最高销量的女歌手、个人巡演收入最高保持者。她在2005年的单曲《Hung up》同时成为全球41个国家的冠军歌曲，是有史以来第一位歌手获此殊荣。专辑销量2.2亿张，单曲销量8500万张，总销量超过3.05亿张。奥斯卡金像奖1次、金球奖2次、格莱美奖7次、美国公告牌音乐奖终身成就奖、法国NRJ颁奖礼终身成就奖、史上（超越猫王）拥有最多首全美十大排行金曲的艺人（37首）、史上（超越猫王）拥有最多全英冠军专辑的艺人（11张）。与居里夫人，“铁娘子”撒切尔等一同入选“二十世纪最有影响力的二十五位女性”。

麦当娜是美国流行乐的一个符号，而她的演艺事业并不像她的歌声生涯那样顺风顺水，她曾五次领到金酸莓奖最差女主角的奖杯，是1980年至今获此”殊荣“最多次数的女艺人。

著名作品：《La Isla Bonita》、《Hung up》、《Holiday》

小趣闻：

设立于1981年的“金酸莓（Golden Razzie Awards）”奖由“金酸莓奖基金会”组织评选,专门选出年度好莱坞最差影片和最差演员。这是恶搞奥斯卡金像奖的颁奖典礼，每年都抢先在奥斯卡颁奖之前揭晓，藉以向被受传媒批评的劣片致敬。

金酸莓奖是个十分有趣翻译，Raspberry 是一种红色的叫做覆盆子的浆果，它在习语中有一个无礼的不敬的意思，出自词组“blowing a raspberry”，它有点喝倒彩的意思，所以，顾名思义金酸梅奖不重在褒奖，而在于嘲讽。金酸梅奖的奖杯，也就是这样一只嘲讽意味的莓子。

欣赏：《Hung up》

玛利亚·凯利（Mariah Carey）

玛丽亚·凯莉1970年3月27日出生于美国纽约州长岛亨廷顿镇，美国歌手、唱片制作人、词曲作家、演员。凯莉因其2亿张的唱片销量和无数的音乐榜单记录，以及5个八度的高亢音域和R&B式的演唱技巧闻名于世。 凯莉也被美国媒体誉为90年代至今的跨世纪天后歌手之一。

荣誉：奥斯卡金像奖、格莱美奖5次、世界音乐奖5次、全美音乐奖3次、灵魂列车音乐奖6次、告示牌音乐奖22次、美国作曲家协会奖2次、美国电台音乐奖4次、国家舞蹈协会年度舞曲乐艺人、MTV欧洲音乐大奖最受欢迎女艺人、MTV日本音乐录像带大奖、印度MTV电视台音乐奖最佳国际流行女艺人、美国MTV电视台TRL节目奖首席女艺人广播音乐有限公司年度歌曲奖2次、百视达奖4次、Groove Volt音乐时尚奖7次、Vibe杂志音乐奖4次、有色人种协进会奖卓越表演奖、纽约市音乐奖最佳流行乐女歌手、长岛音乐奖最佳女歌手、滚石杂志最佳新晋艺人读者选择奖、洛克菲勒中心奖《Music Box》全球2000万销量认证、VH1电视网年度艺人、瑞典NRJ电台音乐奖1993-2003年点播次数最多艺人、法国NRJ电台音乐奖最佳国际艺人、英国Smash Hits杂志音乐奖最佳女艺人、英国KISS 100电台最佳女艺人奖、德国Bravo杂志最佳女艺人奖、德国Echo-Preis奖最佳国际艺人、德国 BAMBI奖最佳国际流行乐艺人、荷兰TMF音乐奖最佳国际女歌手、日本金唱片奖年度国际艺人、日本金唱片奖年度流行乐专辑、澳大利亚唱片工业协会年度最流行国际专辑、泰国CHV音乐奖最佳国际女艺人、Shangay杂志音乐奖年度国际艺人。

著名作品：《Hero》、《Without you》、《I stay in love》

欣赏：《Hero》

惠特尼·休斯顿(Whitney Houston)

惠特妮·伊丽莎白·休斯顿（1963年8月9日－2012年2月11日），美国流行音乐歌手、演员、作曲家、电影制作人，并曾担任模特。她以强而有力的嗓音、一字多转音的感染力与宽广的音域为世人所熟知，并成为流行天后。惠特妮在全世界有超过一亿八千万张专辑的销售纪录。根据吉尼斯世界纪录，惠特妮是获奖最多的女歌手（获奖415次，提名562次）。

荣誉：美利坚之声、最伟大的100位歌手第三十四名、拥有销量最高的福音专辑、拥有销量最高的电影原声带、首张专辑销量最高的女歌手、吉尼斯纪录，获奖最多的女歌手、单张专辑销量最高的女歌手、美国《时代周刊》世界七大女歌星、格莱美最佳女歌手，最佳专辑等、拥有22座全美音乐奖，女歌手之首、连续缔造7首冠军单曲的女歌手、第一位专辑单周销量突破一百万、第一位唱片续约金达到一亿美元。

著名作品：《I Will Always Love You》、《When you believe》、《saving all my love for you》

欣赏：《When you believe》

席琳·迪翁（Celine Dion）

席琳·迪翁于1968年3月30日出身于加拿大的一个法语家庭，是最著名的法语和英语流行女歌手，有流行天后之称。她获得过5次格莱美奖、12次世界音乐奖、7次美国音乐奖、7次美国告示牌、21次朱诺奖和39次Félix Award音乐奖。席琳也被世界媒体誉为90年代至今的跨世纪天后歌手之一。曲风类型：流行。

荣誉：Celine在美国售出了超过5000万张专辑。全美唱片销量前4名；在世界范围内卖出至少2亿1372万张专辑和4469万张单曲，她已然跻身音乐史上最高销量的女艺人之一；Celine在加拿大已售出超过1500万张专辑。Celine是同时代女歌手中首位获得奥斯卡奖和唯一一位拥有两首奥斯卡歌曲的艺人以及历史上在奥斯卡典礼表演最多的艺术家，也是唯一一位在同届奥斯卡典礼上演唱两首提名歌曲的艺人。2003年6月25日Celine在多伦多的加拿大星光大道上留名；2004年1月在好莱坞星光大道上留名。

著名作品:《My Heart Will Go On》、《the power of love》、《because you loved me》

欣赏：《because you loved me》

莎拉·布莱曼（Sarah Brightman）

英国著名歌手莎拉·布莱曼于1960年8月14日出身于英格兰赫特福德郡，是英国跨界音乐女高音歌手和演员。早期因演绎安德鲁·洛伊·韦伯的音乐剧而闻名于世。1992年巴塞罗那奥运会上与何塞·卡雷拉斯演唱了《永远的朋友》一曲，并与中国歌手刘欢同唱2008年北京奥运会主题歌《我和你》（You and me），是唯一一位演唱过两届夏季奥运会主题曲的歌手。音乐风格：古典跨界、歌剧、流行、交响摇滚、新世纪、民谣。

莎拉·布莱曼，英国美声唱法的历史革命者，世界级天后歌手，1986年获得了格莱美当代古典音乐奖这一奖项和格莱美最佳古典女艺人的提名。在西班牙她被称为“歌剧天使”；在德国她被称为“舞台剧歌后”；在日本她被称为“超人气歌星”；

她的声音宛如穿越丛林，越过溪涧的清泉瀑布，空灵到极致。流行音乐、古典音乐和舞台剧原本是无法融合甚至对立的音乐空间，但是莎拉的歌声却极具创造性地将它们结合在了一起，她用极为难得的艺术手法将所演唱的音乐表现出来，而且仍能不损其原味。

荣誉：美国格莱美奖2次、德国金狮奖、德国欧罗巴金奖、专辑《永志不渝》格莱美台湾销量最佳唱片、联合国教科文组织牵手奖、德国年度最佳歌手、德国最佳女艺人、欧洲IFPI奖、美国新世纪音乐、阿拉伯音乐奖、芝加哥金钥匙、伊斯坦布尔城市金钥匙。

著名作品：《斯卡布罗集市》、《You and Me 》、《Just Show Me How to Love You》

欣赏：《斯卡布罗集市》

Lady Gaga

Lady Gaga原名史蒂芬妮·乔安娜·安洁莉娜·杰尔曼诺塔〔Stefani Joanne Angelina Germanotta〕，1986年3月28日出生于美国纽约州一个家境丰厚的家庭，是一名美国歌手、音乐创作人、企业家及时尚设计师。音乐类型：流行、摇滚、重金属、爵士乐、乡村电子乐、HIP-hop。

荣誉：格莱美最佳流行女歌手、格莱美最佳流行专辑奖、格莱美最佳短篇音乐录影带奖、MTV欧洲音乐奖最佳流行歌手、全美音乐奖最佳国际女艺人、《时代》周刊评为百大最有影响力文化人物之一,《福布斯》杂志评为世界百位名人之首，2012年荣登福布斯最具潜力明星榜榜首。MTV日本音乐录像带大奖、泰国音乐录像带大奖、最佳国际歌手最佳国际音乐录像带、加拿大MuchMusic影片大奖、闪亮新星大奖、最佳新人最佳艺术指导奖、MTV欧洲音乐大奖、2009年Q音乐奖、KKBOX数位音乐风云音乐奖、年度西洋歌手年度西洋专辑、维京媒体音乐奖、100大歌手、最佳流行音乐歌手、最佳舞曲/电子音乐歌手、英国音乐录像带大奖、2009MTV比利时音乐录像带大奖、MTV拉丁美洲音乐大奖、美国作曲家、作家和出版家联合会音乐奖(ASCSP)、Google全球搜寻大奖、青少年选择奖、最佳女歌手最佳阳光音乐明星女歌手奖、香港电台国际流行音乐大奖、国际前十名金曲最佳金曲、日本Space Shower MV大奖、黑人娱乐电视大奖、BRIT全英音乐奖、国际最具突破艺人、德国 回声音乐奖、世界音乐奖、法国NRJ音乐大奖、AMA全美音乐奖、最佳流行歌手最佳突破歌手、年度最佳时尚人物奖。英国单曲榜年度在榜周数最久的纪录 156 周、单曲《Bad Romance》打破美国“告示牌 Airplay ”17 年来记录。

小趣闻：

Lady Gaga的衣着打扮时尚前卫，尤其她成名以后的穿着打扮更是令她备受瞩目的焦点，她常以各种怪异的时尚搭配出现在世人面前，甚至生牛肉也被她穿上身成为广被讨论的“生肉装”，但她本人表示“我不在乎别人喜不喜欢我这样穿，因为这就是我”。她前卫且独特的时尚品味令她成为时尚界的新宠儿，各大知名时尚品牌的设计师均与她合作，其中最知名的就是她在《Bad Romance》MV中穿着已故设计师亚历山大·麦昆所设计的犰狳鞋，以及她在第52届格莱美颁奖典礼上由阿曼尼打造的“太空装”均成为焦点。她更在2011年时，于被誉为“时尚界的奥斯卡奖”；美国时装设计师协会（CFDA）年度颁奖仪式上，Gaga被选为2011年度时尚偶像。

著名作品：《Poketr Face》、《Bad Romance》、《You And I》

欣赏:《Poketr Face》

阿黛尔·阿德金斯（Adele Laurie BlueAdkins）

Adele生于英国，自幼受爵士乐熏陶，是英国独立歌手，格莱美奖宠儿，首位全英音乐奖评审团奖得主。Adele表示自己受美国爵士、蓝调歌手埃塔·詹姆丝与“爵士乐第一夫人”艾拉·费兹洁拉的影响，并形容自己的音乐风格是“心碎的灵魂”(Heartbroken Soul)。她那富有磁性，浑厚的声音打动人的心灵，她的独特的咽嗓配合耐人寻味的曲调，每一个字都直击心灵，散发出一种渗透到灵魂深处的震撼。她有让人听后不忘的嗓音，直击灵魂深处的最柔软也是最脆弱的地方！她不用所谓的电音或后期合成，而是无比真挚抒情地抒发自己心底最真实最真挚的情感。

荣誉：美国公告牌音乐大奖、格莱美奖、全英奖、《时代周刊》2012年世界最有影响力百人榜、现役最伟大的歌手、全英音乐奖评论家选择奖、BBC年度之声、《卫报》音乐界影响力人物评选首位、第54届格莱美荣获六项大奖、英国最佳女艺人、唯一一个艺人，当其3首来自同一专辑的单曲在Billboard单曲榜登顶时，其专辑恰好同时在Billboard专辑榜登顶。《21》在专辑榜上取得了20周冠军的成绩，与Whitney Houston的电影原声带专辑《The Bodyguard》共同保持Billboard女子单张专辑最长冠军周数记录。同时也是英国女子在Billboard上取得的单张专辑最长冠军周数记录。

著名作品：《Someone Like You》、《Rolling in the Deep》、《Set Fire To The Rain》

欣赏：《Rolling in the Deep》

布兰妮(Britney Jean Spears)

布兰妮·简·斯皮尔斯，1981年12月2日出生在密西西比州的麦克康柏市，是美国女歌手、作曲人、作词人、演员、作家、服装设计师，美国“流行天后”。魔鬼的身材、动人的笑容和甜美的歌声，音容宛如甜蜜的糖果，尽人品尝，自然赢得了“小甜甜”的称号。她出道以来凭着其个性十足的青春气息和动感强劲的舞姿征服了全球无数歌迷，成为千万发烧友追逐的对象、美国流行音乐文化的方向标。

荣誉：格莱美最佳舞曲、格莱美最佳新人、BillBoard榜（美国公告牌）冠军、国际MTV音乐大奖、史上最年轻拥有钻石唱片的歌手、美国青少年选择奖、加拿大朱诺奖等奖项；专辑《Oops!… I Did It Again》曾创下美国Billboard单周131.9万销量，是首周销量最高的女歌手。单曲《3》与《Hold It Against Me》皆空降告示牌百强单曲榜冠军，成为空降冠单曲数第2高的女歌手，仅次于流行天后玛丽亚凯莉。布兰妮是美国流行音乐史上唯一女歌手发行二十七张专辑全部打入Billboard专辑榜第一名；拥有二十七张冠军专辑史上最年轻女歌手、布兰妮是21世纪唱片销量最高的女歌手，短短14年间，她已拥有超过一亿八百万张的唱片销量纪录。

著名作品：《Baby One More Time》、《Crazy》、《Sometimes》

欣赏：《Baby One More Time》

莎拉·蔻娜(Sarah Connor)

1980年，Sarah Connor出生在德国的一个小镇上，21世纪的开端，莎拉·寇娜已经用甜美的嗓音，深入魂魄的音乐，甜美、带劲的节奏蓝调歌唱实力征服了欧洲乐坛，祖父赐予的新奥尔良的血统使她在幼年时期就受到全面的蓝调及灵魂乐的熏陶。14岁时开始在教堂唱诗班担任演唱，并在学校演唱音乐剧，15、16岁便以试唱带向各大音乐厂牌投石问路。

荣誉：Sarah Connor的处女单曲《Let’s Get Back To The Bed Boy》强势占领德国排行榜亚军，并挥军直入欧陆各国排行榜TOP 10，抢攻欧洲流行单曲榜TOP 15；感人恋曲《From Sarah With Love》光在德国就卖出75万张，歌曲轻易摘下德国榜冠军后座，窜登欧洲Music & Media排行榜TOP 5，并在瑞典与奥地利创造金唱片开出销售红盘；紧接着首张大碟《Green Eyed Soul》直袭德国专辑榜亚军，也攻克荷兰、波兰、芬兰、葡萄牙、希腊等国排行TOP 10，2002年3月，Sarah Connor获颁德国乐坛最高荣耀的Echo音乐奖最佳流行摇滚女歌手大奖和Goldene Europe音乐奖最成功女歌手奖。

著名作品：《you are my desire》、《Just one last dance》、《christmas in my heart》

欣赏：《Just one last dance》

碧昂丝·吉赛尔·诺斯（Beyoncé Gisselle Knowles）

碧昂丝·吉赛儿·诺利斯（1981年9月4日），是美国格莱美奖得奖R&B歌手、作词人、唱片制作、金球奖提名女演员、舞蹈家、时装设计师。碧昂丝过去是三重唱R&B女子团体天命真女的主音及队长。

荣誉：billboard冠军单曲、Europe Music Awards、2 American Music Awards、最佳流行女歌手奖、最佳R&B女歌手、第37届美国人民选择奖、美国唱片业协会将其评为2000年代协会最高肯定歌手、最受欢迎流行歌手、2011年荣获Billboard颁发的至高荣誉”千禧成就奖”、全球7800万张张个人唱片总销量、16座格莱美格莱美奖加冕 格莱美奖历史上得奖数第三高的女歌手、2012年《人物》评选全球最美50位女性第1位、2014年获“互联网界奥斯卡”威比奖提名。

著名作品：《Crazy In Love》、《Naughty Girl》、《Listen》

欣赏:《Listen》

【结语】无论是人声还是器乐，音乐的力量总是无穷的。这些歌手们用其独特的声音向世界诠释了欧美音乐的风尚，使欧美流行音乐成为了世界音乐文化的风向标。

“影音新生活”全媒体平台是云九（Cloud9）旗下的综合性影音文化传播平台，以前瞻的眼光、专业的视角、新颖的设计，先进的传播方式，充分展现影音世界的精彩，让影音娱乐与现代生活更加紧密的结合。

编者按：乐力音乐协会成立于1979年，该协会是广东省中山市“文化大革命”后第一个合法登记的非牟利性质的社会团体，“乐力”乃音乐之力量之意。乐力合唱团成立于1995年5月，为乐力音乐协会下属的合唱团。35年来，“乐力”一直坚持音乐文化的传播与普及，锲而不舍，组织了无数次丰富多彩的音乐欣赏会、音乐培训课程等活动，还多次应邀赴海外演出及交流。是中国为数不多、极具影响力的民间音乐团体。

协会创始人之一陈远老师，亦为乐力合唱团总监、指挥，在乐力音乐协会成立三十五周年之际，陈远老师对“乐力”的创立和成长感触极深，特为本媒体平台撰写了此文。

下面我们随着陈远老师优美静雅的文字，一同来感受陈远老师为音乐、为“乐力”深深的爱和无私付出的精神。

一

卅五年前的1979年，我35岁，在那年的4月1日，由我发起的“乐力音乐社”在我家所住的孙文中路124号三楼成立。是晚，见证者为其时与我有着密切往来的师友。没有大会，更没有音乐会，但却非比寻常。

一个生命，就这样静悄悄地降临。

从此之后又过去了卅五年。2014年，我七十岁。几经易名的“乐力音乐协会”迎接其35岁生日。其庆祝也是简单而又庄重，参与者除会员外，只有“乐力”的个别师友。

仍然是静悄悄的，虽然乃相对而言。

中山市乐力合唱团

二

为了一个“乐力”，我可说贡献了卅五个春风秋月。有人奇怪我能如此地在漫漫长途里心甘情愿，他们不了解其来有自。那是我一直紧记创办“乐力”之初时之所述。在1979年2月13日所书的一封已经泛起岁月烟尘的信里，我曾说过：“我想把一些同学组织起来，定期开展活跃和严肃的音乐活动，使大家对音乐形成一种深沉的爱，并养成既富于创造性又严格审慎地追求学问的学风，从而逐渐提高我们对音乐的理解能力。这样做，无疑对个人对社会都有益处。”卅五年消失之后再来对照我所说过的这一段话，我觉得我没有改变初衷。

陈远老师在高雄指挥乐力合唱团、汉声合唱团联合演出

三

为了一个“乐力”，贡献了卅五个春风秋月，不是牺牲太多了吗？这是早有预料的。1975年冬，阴云仍没退散，在敬爱的吴云纵老师的帮助下，小提琴友伴制作了《琴侣影集》。我在《琴侣影集》中也写下了一段话：“我学琴，十五年过去了。在那长日紧继着长夜的悠悠岁月中，我曾经消沉过，但很快就清醒了。我的意志力和毅力一直在接受着挑战。然而，我毕竟走过来了。”之所以在“消沉”之后又能“清醒”，无它！只因心中有爱。所以，我接着又言之：“她（指音乐）是多么可爱，要离开她是多么困难；她是渊奥无穷的。为了她，我必须准备端出更大代价。”

陈远老师旧年的小提琴照

事实上，如果从1960年11月4日我学习小提琴开始算起，我爱音乐，已逾越半个多世纪。前二十年是根柢，既是技术根柢更是精神根柢，后三十年是在这个根柢上的充实、发展。

四

有一些数字很难准确统计。35年了，“乐力”开了多少讲座，听了多少音乐？“乐力”开了多少音乐会，接待了国内外多少音乐家？“乐力”属下之“乐力合唱团”唱了多少歌，在国内外多少国家和地区流连？……

乐力音乐协会早期会员欣赏钢琴家鲍蕙荞演奏

但有一点却是很清楚的，那是“乐力”在卅五年里从来没有夭折过、停滞过。那卅五年，无疑是“乐力人”端正朴厚、秀澹闲雅的时光，“乐力人”没有疏忽错失那卅五年的端正朴厚、秀澹闲雅的时光。

乐力30年来不间断地以讲座、音乐欣赏、音乐会等形式，在会员和市民中传播世界优秀音乐

五

正当晚星闪烁、午夜月园之时，我又顿生庆幸之感。我庆幸在“乐力”里碰到像萧山先生、谭兆珍女士、刘泽普先生、李家聪先生等等那样的与我精神相契、交情弥笃的会员，正是他们伟大的人格与胸襟，使他们在“乐力”劳苦到生命最后一刻。我也庆幸在“乐力”里碰到对音乐、对友情有着不同程度的珍爱的男女老少，正是他们在不同时期里，以慷慨的热情、无私的关怀，构筑世俗“乐力”成为健康向上的集体。

乐力合唱团在奥地利参加山区音乐节时与当地村民交流

诚然，使“乐力”成为健康向上的集体，不仅仅只是有着“乐力”身份的人。你看我在《重返白普理园》一文中所提到那些已故的前辈、同辈；你看我在许多文章中提到的那些仍然活着却在或从前或当今予“乐力”以扶助以扶持的散布世界各地的“乐力”友人。

乐力合唱团应邀拍摄电影《澳门儿女》

六

自认从来对“乐力”有着护惜之心，但我大抵不可能在“乐力”逗留又一个卅五年了。然而，推介和传播音乐，我也会做到生命终了，此为我之誓言，即便我总有一天只是一个普通会员。

所谓誓言，就应该对我有所约束。或者，说约束乃用词不当，誓言是发自内心的。另有一种也是发自内心的，倘若我有任何松懈和懒怠，那是辜负为“乐力”日夕操劳、含辛茹苦的许许多多的人的，我尤其不想亵渎、不想愧对在天之灵！

七

谁也难免会有神采不再的一天。人到七十，倘为不幸者，疾病便会接踵而至。而其实，从年轻时起，我就已不断熬受病魔磨折了。就在执笔此文之际，我又为腰腿痛所苦，已经四十多天了。大夫嘱我卧床，当然，卧床尚能读书、听音乐，但看电影、写东西，便非要坐着不可。而且，我还有那么多地方想去、那么多地方要去，那却并非卧着、坐着就能完成的。我常常闭门思量于在处境多艰之时会否安于浅薄、安于苟且，如今，又是如此思绪在痴痴纠缠了。

幸亏，在我眼前，就有着使我的心情不会完全真空、歇力摆脱伤感回忆的榜样。

2004年，学贯中西、名至实归的钢琴家傅聪七十岁。天津社会科学出版社为他出版《傅聪：望七了！》一书。《望七了》出自六十七岁的傅聪与高小莉的对谈。内里云，一直力劝傅聪过正常人生活的老友马育弟在听了傅聪一场音乐会后别有慈悲：“……你不行，还得继续，不能过正常人的日子，你有责任还得干下去！”傅聪就这样地坚持开音乐会，直至今年，他已经八十岁了。“傅聪愿意弹，我就愿意听”！正如我几十年前所说的：“傅雷（翻译家、傅聪的父亲）愿意译，我就愿意读”一样。

2011年，博闻多识、笔触灵动的作家董桥七十岁，其友人胡洪侠为他编选了《董桥七十》一书，书中共收入文章七十篇。但董桥，自1977年出版《双城杂笔》始，仅初版本文集就有三十三种之多。着人感佩的是，延至现在，董桥还笔耕不辍，今年，他应该七十有三了。

傅聪、董桥名噪中外；而我，却是名不见经传的小人物。但不管怎样，小人物如我者，也要把35年+35年之后，作为与“乐力”握手恋恋的一个新起点。

八

就在近几天，我重听了几首歌。

一首为爱尔民歌《夏天最后一朵玫瑰》：“夏天最后一朵玫瑰，还在孤独地开放，再也没有一朵鲜花，陪伴在她的身旁，映照她绯红的脸庞，和她一同叹息悲伤……”在尽显荒芜的氛围里，有谁能尽情呼吸？一首是苏格兰民歌《友谊地久天长》：“怎能忘记旧日朋友，心中能不怀想，旧日朋友岂能相忘，友谊地久天长……”那是善良纯真的人所终生想往的满室芬芳。

一首是瑞典歌曲《在晴朗的夏天》：“……我们到处歌唱，啦啦啦啦！青年朋友，你若烦恼，就快到这里来歌唱，我们的合唱队员们，都爬到小山顶上去。在晴朗的夏天的时候，我们到处歌唱，啦啦啦啦！”原来，并非“何以解忧？唯有杜康”！

一首是舒伯特的《慕春》：“……这世界一天比一天美丽，明天的美景更无比，那花儿永远开不尽，永远开不尽，开在遥远的深谷里，遥远的深谷里。啊！我的心哪，别烦恼！天地间万物正在变化，天地间万物正在变化。”

1999年，乐力合唱团赴新加坡交流演出

春天，是那么的灵光满满、情采深蕴，一年四季，总有抽叶展枝的春天的到来。那么，就让我在35年+35年之后，仍然永远满怀对春天的希望吧！那定然快乐无涯。

2014年5月9日、10日于中山

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Hába四重奏是由德国法兰克福广播交响乐团中的四位年轻演奏家，Sha Katsouris（叶莎，小提琴）、Hovhannes Mokatsian（小提琴）、Peter Zelienka（中提琴）和Arnold Ilg（大提琴）组成的弦乐四重奏团，同时该组合也有着独一无二，自1946年成立以来，已横跨大半个世纪的漫长而传奇的历史。

应广州爱乐的邀请，“影音新生活”编辑和几位同事一同前往天河区文化馆欣赏了这场出色的音乐赏析会。据悉，此次Hába弦乐四重奏乐团在中国共有六场演奏会，先前已在深圳音乐厅举行了音乐会，接下来他们还将陆续亮相上海之春音乐节和北京现代音乐节。这次在广州的活动由天河区文化馆牵线，是以非正式的音乐赏析会形式出现，旨在传播优秀的古典音乐文化。

音乐赏析会于下午三点正式开始。很多人认为，音乐会的时间似乎一定都是在晚上七点到九点的黄金时段。其实不然，有很多大师的音乐会是选择在下午举行的，比如国际著名钢琴家李云迪先生2013年的欧洲巡演中，也有一场独奏会是下午两点。

首先演奏的是莫扎特的G大调第十四弦乐四重奏的第一、二、三乐章。这首作品是莫扎特的弦乐四重奏作品中比较著名的一首，莫扎特本人的作品也带有独特的韵味和风格，总能给人一种“一听就知道是莫扎特”的感觉。第一乐章是急速的快板，G大调。主部主题的发展与这一时期大部分作品相比，在调性上更为开放。在强调了主和弦后，加入了升4、5级的变音，使作品的调性听起来并不十分明确，但短暂的移开之后，又回到了G大调上。第二乐章小步舞曲，继承了海顿的音乐风格，乐曲生动充满诙谐，富有生气。节奏有非常明显的灵动感，让人不禁联想到纤细优雅的芭蕾女郎翩翩起舞，赏心悦耳。第三乐章是如歌的行板，莫扎特的旋律风格尽览无遗，气质轻灵闪耀，清新宜人，仿佛静谧的山间仙境，潺潺的流水伴着清脆的鸟鸣，盎然的生机沁人心脾。

第二首演奏的作品是被尊为“弦乐四重奏之父”的海顿的作品，C大调弦乐四重奏“皇帝”的第一、二乐章。海顿是公认的交响乐和弦乐四重奏之父，并且是钢琴协奏曲和钢琴三重奏的开创者。C大调弦乐四重奏“皇帝”是弦乐四重奏历史上最经典的作品之一，第一乐章取自奏鸣曲方式，海顿将奏鸣曲式从原来的简单的“两步式”改进成为一种精巧灵活的风格，到中段时似乎出现了匈牙利舞曲风格的旋律，似乎与整个作品风格有异，但却没有丝毫违和感，反而让人觉得轻松愉悦。第二乐章采用变奏的方式，凸显了主题之后，小提琴、中提琴和大提琴在相同的主题下，分别呈现出不同的音质特色。变奏的这一段，从开始的舒心愉悦的感觉，到最后结尾处悠扬婉转的韵律似乎透着惆怅，仿佛依依惜别的不舍和愁绪。

第三首乐曲是皮亚佐拉的芭蕾探戈，它脱离了单纯古典的领域，讲探戈舞曲和古典弦乐四重奏结合在一起，演绎出与众不同的弦乐四重奏风格。这首曲子让人联想到钢琴家马克西姆演奏的作品《琴键上的探戈》，激昂的旋律，华丽的舞姿，热情的舞步，宏大的乐队。但相对于钢琴作品而言，弦乐四重奏少了几分华丽铺张，多了几许精致典雅。就像一个是京城的豪门大宅，一个是苏州的精致园林。

第四首作品是舒曼的作品，A小调弦乐四重奏作品41，第四乐章。舒曼在大多数人的了解中，舒曼一直是浪漫派的代表人物，他的作品也以极致浪漫风格存世，以钢琴作品见长的，但其实在弦乐四重奏方面，他却是一个承上启下的桥梁作用。因为在舒曼出现之前，二十多年都没有出现新的弦乐四重奏作品，直到舒曼的出现，而后延续到后来的继承者，舒曼的作品也继承了贝多芬的部分风格。

在预定的曲目结束后，因为主办方的热情力邀，Hába最后加演了一曲广东民乐《旱天雷》。《旱天雷》是广东民乐中的典型代表之一，最早见于1921年丘鹤俦所编《弦歌必读》，原是由广东音乐作曲家及扬琴演奏家严公尚（严老烈）根据《三宝佛》的第二段《三汲浪》改编而成的扬琴曲，后又成为广东音乐乐曲。现有多种演奏形式。作为传统民乐，用西方四重奏的方式演奏出来，却也带着与众不同的韵味。这一首中乐西奏，让人仿佛看到了民国时期的老广州，西关小姐和东山少爷的浪漫邂逅，鬓发斑白的老者在珠江边吟唱着传承百年的曲调，韵味十足，风情万种。

本次的音乐赏析会，虽然是以文化交流为主题，但也让人欣赏了一场国际级的高水准演出，令人回味悠长，心神俱醉。

天才和疯子只有一步之差，大师之所以成为大师，除了艺术领域的超人成就之外，在生活上也总是有与众不同的地方。而当他们活跃在世界顶尖的艺术舞台上时，他们的人生也成为令人津津乐道的话题。当普通人把他们奉为神祗，抬头仰望的时候，也许会忘记了他们也是人，只是被赋予了光环。而在艺术之外，他们也总是有一些“生活情趣”引发着人们的兴趣。

鲁宾斯坦

阿图尔·鲁宾斯坦是美籍波兰钢琴家，他是公认的肖邦专家，他的肖邦作品也是少有争议的演奏之一，人称“二十世纪最伟大的钢琴家之一”，也是肖邦作品的经典诠释者之一。

然而，人们对这位在艺术上闻名遐迩的钢琴大师的个人生活却颇有微词。鲁宾斯坦在谈论女人时说：对我来讲，女人就是性，这点很简单。一个漂亮的女人总是吸引我的，管她傻不傻呢。

再说黄金三重奏。有一次，海菲兹提出异议，说三重奏音乐会海报上，鲁宾斯坦的名字总是排第一位，大家应该轮换着排第一位。鲁宾斯坦说，这是没办法的啊，就算上帝来拉小提琴，这海报的名字顺序还是：钢琴：鲁宾斯坦，小提琴：上帝，大提琴：皮亚戈尔斯基。

肖邦《英雄波兰舞曲》，鲁宾斯坦

齐默尔曼

克里斯蒂安·齐默尔曼，1975年获得第九届肖邦国际钢琴比赛金奖，是当代最著名的顶级钢琴家之一。

某次，在德国埃森举行音乐会时，由于观众席上有人用智能手机进行拍照，导致钢琴家当场离席，终止演奏会。随后，他又返回现场，但并没有继续进行音乐会，只是向观众强烈批评Youtube和其他在线视频网站，发表了“Youtube对音乐造成了极大的破坏”这样的激烈言辞。

肖邦《第一号钢琴叙事曲》，齐默尔曼

阿格里奇

阿格里奇，（Martha Argerich），阿根廷钢琴家，5岁首次登台演出，1965年获得第七届肖邦国际钢琴比赛金奖，波兰唱片公司为其现场录制了她演奏的肖邦第一钢琴协奏曲的唱片，25岁就名扬全球，人称“钢琴界的大祭司”。

作为顶级艺术家，总是有与凡人相比之下的不同之处。这位“女祭司”有三位丈夫，六位绯闻对象。而这九位几乎都是世界著名艺术家，包括顶级指挥家阿巴多、迪图瓦，钢琴家科瓦塞维奇等，她的爱情故事也成为乐坛的一道风景。

罗素说，人类生活中最大的快事有三件：奔放的爱情，幸福的婚姻和艺术。而这三件阿格里奇都已经拥有。

李斯特《匈牙利狂想曲》第六首，阿格里奇

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卡拉扬

在中文领域被成为“指挥帝王”的卡拉扬，在指挥舞台上活跃了70年之久，带领过欧洲众多顶尖乐团，并曾和柏林爱乐有过长达34年的合作关系。

卡拉扬大师和小提琴家索菲亚·穆特之间，有个不知是否真实的小故事。

有一次，卡拉扬向穆特借钱，本来想说：“等我取了钱就还你。”，结果口误，说成了：“等我有了钱就娶你。”不知大师是不是故意口误，但是这位来自德国的大叔控女神级小提琴家当场感动得几乎要哭了。

还有比较令人费解的一点，这位指挥大师的一生几乎都保持着同一个发型。

贝多芬《第五交响曲——命运》，卡拉扬

祖宾·梅塔

印度籍犹太人指挥家。身在乐坛40年，获得无数荣誉，和日本指挥家小泽征尔、新加坡指挥家朱晖一起誉为世界三大东方指挥家。

而这位大指挥家，曾经差一点就成了医生。现年78岁的祖宾·梅塔兼职就是智慧界的一座“丰碑”。没他出生于印度孟买，父亲是一位出色的小提琴手、小提琴教师和指挥家、孟买交响乐团和弦乐四重奏图案的创始人。祖宾·梅塔16岁时就指挥了孟买交响乐团，但后来却遵循父母的医院，去学习了医学。在医学院上了两个学期的课程之后，他就放弃了，从而转投音乐的怀抱，18岁时去了维也纳音乐学院学习钢琴和作曲，走上了他热爱并付出一生的音乐生涯。

柴可夫斯基《1812序曲》,祖宾·梅塔

小泽征尔

日本籍指挥家小泽征尔的父亲是一名居住在中国沈阳的牙科医生，小泽征尔出生在沈阳，两岁时举家搬到北京，在他小学之前，大脑里所有的记忆都是对北京的印象。他曾经说，《二泉映月》应该跪下来听。

小泽征尔已经年届80岁，仍然活跃在艺术舞台上。在2010年时，他被诊断为食道癌，由于治疗效果良好，目前已复出。

2002年维也纳新年音乐会,小泽征尔

吕思清

我国著名小提琴家吕思清是第一位获得意大利帕格尼尼小提琴大赛金奖的东方人。被国际权威音乐杂志《The Strad》誉为“难得一见的天才”。

今年3月时，吕思清在澳门演出布鲁赫G小调小提琴协奏曲前，在微博上分享了几张照片，他的一位朋友说：布鲁赫是体力活，得吃得好。他回复朋友：拉琴是个体力活，所以要吃好。我基本每天都是吃了拉，拉完又吃。

第十二届上合组织元首理事会文艺晚会《黄河颂》，吕思清

李云迪

从2000年以18岁的年纪夺得第十四届肖邦钢琴大赛金奖开始，他就一直以中国顶钢琴家的身份活跃在世界顶级音乐殿堂。2013年的全国30余场“中国钢琴梦”巡演，也让他成为中国音乐界当之无愧的风云人物。

1982年出生的李云迪外表乖巧温顺，但其实也是一位非常有“脾气”的钢琴家。

早在2005年时，他在维也纳金色大厅录制新专辑《乐聚维也纳》，由于环球古典没有为他配备一直合作的录音师，而是换了一位。因为新的录音师对他的演奏“指手画脚”，李云迪提出更换录音师，但当时DG并没有采纳他的要求。于是，这位当时只有23岁的钢琴家，一怒之下停止录音，回了汉诺威（当时李云迪正在德国汉诺威音乐和戏剧学院读书）。他这一举动震惊了环球古典的上上下下，也造成了唱片发行计划的推迟和环球唱片巨大的经济损失。但是随后，环球唱片迅速满足了他的要求，为他更换了录音师，并重新租借维也纳金色大厅为其录音。

环球古典的付出是值得的，因为“大脾气”背后是“大才华”。时至今日，李云迪依然享誉世界，并且是全球票房最火爆的钢琴家之一。

李斯特《钟》，李云迪

王羽佳

王羽佳生于中国北京，曾在中央音乐学院学习，师从凌远教授和周广仁教授，是当代音乐界最活跃的青年钢琴家之一。王羽佳以她独特的风格和精湛的演奏技术赢得了众多好评，人称“女版郎朗”。

年轻的王羽佳也是个“我行我素”的人。2011年8月，她在美国举办的一场音乐会上，以一袭鲜红色性感超短裙亮相，大秀身材。这一举动在当时引发了争议，有乐评甚至称音乐会“少儿不宜”。更有传闻说，当时在现场观看演奏会的一位美国男士，当场被钢琴家的火辣身材惹得当场鼻血不止。

尼古拉·里姆斯基·科萨科夫《野蜂飞舞》，王羽佳

郎朗

郎朗1982年出生于辽宁沈阳，父亲是文艺兵，曾任专业二胡演奏。在严厉的家庭教育下，郎朗以年轻钢琴家的身份活跃在全世界，每年在全球和国内的音乐厅、体育馆举办诸多音乐会。

作为一个80后的钢琴界新星，他的生活也和众多80后一样，时尚，现代，忙碌。而作为一个公众人物，他的生活也引起着许多关注。

曾有报道和业内人士称，他和女星巩新亮相恋四年，但最终由于家庭反对而分手。而另一方面，也曾有新闻说，娱乐圈有“天仙”之称的刘亦菲曾倒追郎朗。由此可见，郎朗也是个非常吸引人的年轻巨星。

德彪西 《泛舟》《芭蕾舞曲》,郎朗 埃森巴赫

人无完人，艺术家和凡人之间有多远的距离？大师们艺术上的造诣让人仰望，充满耀眼的光环。而回归生活之后，在艺术之外，艺术家的生活作为谈资之余，更多的该是以凡人的眼光看待每个人，而非以神祗的标准去要求。他们除了为当代、未来留下经时光洗礼淘沙的经典艺术作品之余，也需要为后人留下一些传奇和故事。

小夜曲（serenade）一种音乐体裁，英文serenade源于意大利文sereno，其重要的特点是平静，用于向心爱的人表达情意的歌曲。

小夜曲起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏，一种抒情风格的声乐体裁形式。

随着时代的发展，其形式也有所发展，后来也用于器乐音乐创作。

小夜曲最重要的作品创作于古典主义和浪漫主义时代，20世纪也有，但数量很少。重要作曲家大多数出自意大利、德奥和波西米亚地区。

下面“影音新生活”小编和大家一同来欣赏几首著名的小夜曲：

一、莫扎特《G大调弦乐小夜曲》

莫扎特《G大调弦乐小夜曲》，奥地利作曲家莫扎特于1787 年8月24日在维也纳完成，并以最时髦的德文用语Eine Kleine Nachtmusik（一首小夜曲）命名。该曲是十八世纪中叶器乐小夜曲的典范。

二、海顿《F大调弦乐四重奏作品3号第五首》第二乐章

第二乐章“如歌的行板”是一首典型的器乐小夜曲，整个四重奏也因此而有“小夜曲四重奏”的绰号。

三、柴可夫斯基《弦乐小夜曲》

《C大调弦乐小夜曲》作于1880年，同年十二月三日由莫斯科音乐学院师生合奏演出，初演即取得极大成功。翌年十月又在彼得堡俄罗斯音乐协会的演奏会上正式公开演出。其中第二、第三乐章的旋律最为著名，常常单独演出，乐曲从始至终浸透着浓郁的俄国民谣风格。

四、舒伯特《天鹅之歌》第四首《小夜曲》

此曲采用德国诗人莱尔斯塔勃的诗篇谱写成，是舒伯特短促的一生中最后完成的独唱艺术歌曲之一，也是舒伯特最为著名的作品之一。

演奏：伊扎克·帕尔曼

“影音新生活”特地再为大家介绍几张著名“小夜曲”的名盘：

（一）勃拉姆斯《D大调第一小夜曲》

专辑名：勃拉姆斯第一小夜曲

指挥：海丁克（Bernard Heitink）

演奏：阿姆斯特丹大会堂管弦乐团

勃拉姆斯年青时代谱写的这两首小夜曲，都可以视为他创作交响曲的前声，实际上也经过他本人多次修改后，这两首小夜曲才以完美的姿态登场，反映出勃拉姆斯精雕细琢的音乐功力。1859年完成的《D大调第一小夜曲》，是他研究海顿与莫扎特音乐后的试作，充满了维也纳风格的明亮与温和。

（二）德沃夏克《E大调弦乐小夜曲》

专辑名：德沃夏克《E大调弦乐小夜曲》

指挥：赫伯特·冯·卡拉扬

《E大调弦乐小夜曲》创作于1875年5月，是作曲家青年时代创作的最为典雅、抒情、自然和完美的作品，也是德沃夏克朴实和温暖风格的代表。今天，此曲已和莫扎特、柴科夫斯基的弦乐小夜曲并列为同类体裁中最受欢迎的作品之一。

（三）勃拉姆斯《A大调第二小夜曲》

勃拉姆斯的《A大调第二小夜曲》按照莫扎特的规矩，完全不要小提琴，而由中提琴担任弦乐主奏，素有《中提琴小夜曲》之称，情绪起伏则较他的《第一小夜曲》来得强烈。

（四）莫扎特《哈夫纳小夜曲》

《哈夫纳小夜曲》创作于1776年，因这支曲子是专为作曲家自己故乡萨尔兹堡市市长西格蒙特·哈夫纳特别创作的而得名。

这部小夜曲是莫扎特一生创作中篇幅最长的一部器乐作品，全曲总共有八个乐章，被后人称为“优雅风格时期的巅峰之作”。

结语：小夜曲与嬉戏曲很接近，都是多乐章的作品，有管弦乐队演奏。与交响曲相比较，小夜曲较轻松、浪漫，更注重旋律之美，不像交响曲那样强调主题的发展和戏剧的张力；乐章数也不像交响曲那样固定，少则四个乐章，多则可达十个乐章。首乐章较快，中间乐章慢快相间，终乐章为急板或快板。

一些评论家将他与巴赫、贝多芬排列在一起称为“三B”，他的很多作品已成为现代音乐会的主要曲目之一。

这就是“影音新生活”今天要向大家介绍的“不妥协的完美主义者”：约翰内斯·勃拉姆斯。

约翰内斯·勃拉姆斯（英语：Johannes Brahms，德语: [jo?han?s ?b?a?ms]，1833年5月7日~1897年4月3日）是浪漫主义中期德国作曲家，生于汉堡，逝于维也纳。

勃拉姆斯创作了许多钢琴曲、室内乐、交响乐及合唱曲，他本身炫技钢琴家，首演过许多自己的作品。勃拉姆斯也和当时不少杰出的音乐家一起合作，包括钢琴演奏家克拉拉·舒曼以及小提琴演奏家约瑟夫·约阿希姆。

1848年，他在汉堡结识了匈牙利著名小提琴家爱德华·列梅尼，从他那里了解并学习到匈牙利民间音乐。后来，他和这位提琴家一起巡回演出，认识了匈牙利著名小提琴家约阿希姆作曲家李斯特和德国著名作曲家舒曼等人。勃拉姆斯早期的创作大多是一些钢琴曲和声乐曲，受舒曼影响较深。

1860年以后，开始写交响曲和其它形式的器乐曲，追摹贝多芬的风格。七十年代到八十年代，他的创作更加成熟了，逐渐形成了自己的风格，而且情思蕴藉，结构工致。勃拉姆斯的《匈牙利舞曲集》以及近百首改编曲，都是充分利用民间音乐素材或模仿民间音乐风格写成的。

此外，他还创作了二百多首歌曲、四部交响曲、一些协奏曲，室内乐和一批钢琴曲。其中著名的作品有：四部交响曲、《a小调小提琴和大提琴协奏曲》、《D大调小提琴协奏曲》、《匈牙利舞曲集》、《学院节日序曲》和改编的二十一首《匈牙利舞曲》等。

下面我们一同来欣赏勃拉姆斯的名曲：

一、《第一交响曲》

勃拉姆斯虽然只写了四首交响曲，但仍被称为是贝多芬以后最伟大的交响曲作曲家之一。

他的《第一号交响曲》被世人称为《第十号交响曲》。所谓“第十号”乃是指本曲续接于贝多芬“不朽的九大交响曲”之后，成为第十首著名交响曲之意。

此交响曲的主题多达25个，没有深厚的功底是无法在四个乐章里将如此之多的主题铺展开来的。乐曲中充满了斗争、烦恼、苦闷、失意、喜悦等人间七情六欲的交织，是遍历人世沧桑者最伟大的精神安慰，也是勃拉姆斯留给世人的精神至宝。

二、《第四交响曲》

这部作品是勃拉姆斯所写的四部交响曲中最伟大的一部，也是最伤感、最古雅的一部。其实在勃拉姆斯所有的音乐创作中，伤感的情绪随处可见，但在这部作品中，伤感成了主宰一切的情绪，它渗透于作品的每一纤维中。

指挥：赫伯特·冯·卡拉扬

三、《D大调小提琴协奏曲》

本曲是勃拉姆斯一生中创作的唯一的小提琴协奏曲，乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调，那种安详与厚重相得益彰的感觉，正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中，勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来，并在曲式上有很多大胆创新。指挥：克劳迪奥·阿巴多

小提琴演奏：吉尔·沙汉姆

四、《匈牙利舞曲》第五号

此曲节奏自由，旋律有各种各样的装饰，速度变化激烈，带有一定的即兴性，是勃拉姆斯全部作品中最广为世人所知的乐曲，当时他在维也纳对该地的吉普赛音乐颇感兴趣，于是记下了许多吉普赛音乐的旋律。

五、《第一钢琴协奏曲》

此曲完成于1858年，起初是一首双钢琴变奏曲，之后有意改写成交响曲，最后却成为一首钢琴协奏曲。由于勃拉姆斯本人是一位优秀的钢琴家，同时又和天才女钢琴家克拉拉相互商讨才写出这首协奏曲，所以此曲要求有相当高深的钢琴弹奏技巧。

它以宏伟的构思和史诗般的概括性，反映着波涛澎湃的、憧憬式的遐想。

指挥：伦纳德·伯恩斯坦

演奏：克里斯蒂安·齐默尔曼

六、《摇篮曲》

在西方，这首歌常常是人们儿时记忆中最早的一首，往往会与自己母亲的形象联系在一起。此曲极为动听。

勃拉姆斯是不妥协的完美主义者，曾毁掉他的部份作品．也有一些未发表的作品。他是德国浪漫乐派最后一位作曲家，也是最后一个有重大影响的古典作曲家。

邓丽君，一朵永不凋零的花，一颗永恒不灭的星，似乎再华丽的词藻也不足以表达出世人对邓丽君的赞美，再多的时间也无法掩埋世人对她的思念。
邓丽君对华语乐坛尤其是中国流行乐坛的启蒙与发展产生了深远影响，她曼妙的声音和动人的容貌，不愧为名符其实的“亚洲歌坛巨星”，有这么一种说法：“有华人的地方就有邓丽君的歌声”。

1995年5月8日，邓丽君在泰国清迈辞世，享年42岁。
在时过19年后的今天，“影音新生活”献上此文，和所有的“君迷”们流连于邓丽君的一段段人生经历和旧照片中，在一首首难以忘怀的经典名曲里忘返，一同怀念、追忆邓丽君。

一、邓丽君的童年与成长

在1953年1月29日清晨，邓丽君于云林县褒忠乡的田洋出生。父亲邓枢是河北省大名县邓台村人，是随中华民国政府迁台的国军军官，母亲赵素桂则是山东省东平县人。父母以“丫头”作为邓丽君满月前的诨名，邓枢其后请部队中颇有学问的杨姓军官，为她取名丽筠，家人与邻居把“筠”字发“君”字音，故“邓丽君”就成为她日后投身歌唱事业的艺名。她在家中排第四，有三兄一弟。

幼年的邓丽君随家人先后迁居台东县池上乡及屏东市，1958年，邓丽君在屏东市仙宫戏院附近学习芭蕾舞。

1964年，年仅11岁的邓丽君参加中华广播电台举办的黄梅调歌唱比赛，以一曲“访英台”夺得冠军；翌年以“采红菱”在金马奖唱片公司举办的歌唱比赛夺冠。

其后，邓丽君利用课余时间参加正声广播公司举办的歌唱训练班，学习歌唱技巧，以第一名成绩结业。初中阶段的邓丽君，歌艺被“国之宾”歌厅老板赏识，邀请在歌厅驻唱，以清纯活泼形象定位，招牌歌曲正是《一见你就笑》。

随着邓丽君展开走唱生涯，渐无法兼顾演唱及求学，在1969年选择休学，并于后加盟宇宙唱片，推出第一张唱片《邓丽君之歌第一集—凤阳花鼓》，正式开始职业歌唱生涯。她为中视首部电视连续剧《晶晶》主唱同名主题曲，此曲成为她演唱的第一首原创歌曲，令她家传户晓。同年，邓丽君参演首部电影《谢谢总经理》（导演：谢君仪先生），饰演能歌善舞的女大学生，片中她并唱了十首曲风青春活泼的歌曲，正式成为歌影视三栖的歌手。

1969年9月台湾受到台风吹袭，邓丽君参加和兴白花油董事长颜玉莹组织的义卖活动，其后积极参与慈善及海外登台活动，年底获中广推荐到新加坡参加慈善晚会义演，1970年被白花油及香港《华侨日报》加冕为“慈善皇后”，并邀约赴港登台，参加工展会期间的演出活动。

邓丽君1975年之前的名金曲（含1975年）：

1、《一见你就笑》

这首歌曲是邓丽君早年驻唱时的作品，由刘而其作词，冼华作曲。

2、《美酒加咖啡》

邓丽君版的《美酒加咖啡》最早发表于72年，在卡带《邓丽君歌曲特别精选20首 (LFC 93)》以及EP《彩云飞电影原声带插曲(LFEP3174)》中都有收录。

3、《南海姑娘》

这首歌曲发表于1971年，是以马来西亚槟城的风光与当地人的生活作为基础及背景写成的，邓丽君是最早的演唱者。

4、《路边的野花不要采》

这首歌曲是马来西亚音乐人李俊雄于1972年写给著名华人女歌手邓丽君演唱的一首国语歌曲，收录于邓丽君1973年发表的国语专辑专辑《少年爱姑娘/谁是心上人》之中。因其曲调轻松俏皮，歌词浅显易懂，配合邓丽君可爱动人的演唱，很快成为70年代风靡东南亚和华人社会的流行歌曲。

1977年，邓丽君于PolyGram（宝丽金）唱片公司推出的《TERESATENG GREATESTHITS》专辑中重新演绎了该歌曲，为今天人们所熟知的版本。

5、《海韵》

6、《再见我的爱人》

此曲是邓丽君的专辑《再见，我的爱人》里的一首歌曲，于1975年发行。

二、邓丽君赴日发展

1970年代初期，日本宝丽多唱片公司派舟木稔在香港寻找女歌手赴日发展，舟木稔在香港东方歌剧院发现邓丽君，并力邀其签约。起初，邓丽君父亲邓枢反对邓丽君去日本发展，因为邓丽君在港台以及东南亚一带已经是超级巨星了，让她去日本作为新人发展，怕会影响到她在这些地区的发展。但舟木稔最终说服了邓枢。

1974年邓丽君赴日本发展，日本艺名为テレサ?テン，音译自其英文名Teresa Teng。初到日本发展的邓丽君并不懂日语，也不适合日本的生活节奏。除了努力学习日语，公司还安排她去夜总会和歌舞厅演唱，工作安排得很忙碌。

邓丽君的首张日语单曲《今夜かしら明日かしら》（无论今宵或明宵）成绩并不理想，销量只有十几万张，但第二张单曲《空港》（1974年7月1日发行）不到一个月即进入日本流行榜前15名，总销量突破70万张。并凭借此曲荣获日本唱片大奖新人奖，这是邓丽君在日本获得的第一个奖项，以至于邓丽君在领奖演唱时痛哭不已。直至1977年，邓丽君在日本共推出8张大碟及12张个人单曲唱片，每张唱片都进入流行榜前30名。

在日本发展期间，邓丽君也继续在香港和台湾发展歌唱事业。1975年7月，邓丽君签约加盟香港宝丽金唱片公司，并在港发行《岛国之情歌第一集》，大受欢迎。（而邓丽君的宝丽金专辑在台湾由歌林唱片负责发行，有些曲目不同，俗称歌林版，直至1983年《淡淡幽情》后，香港宝丽金和歌林唱片结束合作关系）

此后十年间（1975-1984）邓丽君陆续推出“岛国之情歌”系列专辑，一共八集。《岛国之情歌》一开始是主要由日本流行歌曲－－包括她自己在日本发行的日文歌曲－－改编成国语歌曲演唱，后来也有一些华人原创的歌曲陆续收集到专辑中来。

1976年，邓丽君在香港利舞台举行首次个人演唱会，两日三场门票旋即销售一空，此后邓丽君在1976年、1977年、1978年、1980年、1981年除了中途赴美进修，连续五年都在香港利舞台开个人演唱会，皆场场爆满，人气历久不衰。

邓丽君1976~1978年名金曲：

1、《月亮代表我的心》

这首歌曲由孙仪作词，翁清溪作曲，原唱陈芬兰。经邓丽君重新演绎，收录于1977年发行的国语专辑《岛国之情歌第四集—香港之恋》中，从此一举而红，成为华人世界家喻户晓的经典名曲和海外传唱最广的中文歌曲。

2、《又见炊烟》

此曲收录于邓丽君1978年发表的国语专辑《岛国之情歌第五集—爱情更美丽》中，是她流传较广的国语作品之一。

3、《小城故事》

这首歌曲由翁清溪作曲，庄奴作词，十分经典。

4、《千言万语》

此曲最早收录于《彩云飞电影原声大碟》之中。1977年，邓丽君于PolyGram（宝丽金）唱片公司推出的《TERESA TENG GREATESTHITS》专辑中再次演绎了该作品。

5、《何日君再来》

此歌曲是邓丽君于1978年重新演绎的，收录于唱片专辑《一封情书》中，立即在华人世界掀起热潮。

三、护照事件&东山再起

1979年2月14日，邓丽君因持印度尼西亚护照入境日本，遭媒体披露，日本有关单位因此下令调查邓丽君，将她拘留。因为中华民国与日本无邦交，台湾人入境日本要申请日本政府核发的《渡航证明书》，回台湾又有警备总部把关，无论进出拿中华民国护照都很麻烦，邓丽君或许为了便宜行事，便持一张印度尼西亚护照，自英属香港搭乘中华航空CI116班机由东京羽田机场入境日本。虽然一时混过日本的入境审查，但旋即遭媒体披露其不法情事，立刻遭到严谨的日本官方调查。2月24日，日本法务省裁决将邓丽君驱逐出境，且一年内不准许她入境日本。

被日本驱逐一年的邓丽君要返台也不行，因为她在入境日本的前一天曾持同一本印度尼西亚护照入境台湾被拒后折返香港，回台可能会接受更多官方的调查和媒体的追问。因此邓丽君只好持盖有美国入境签证的中华民国护照转赴美国，一方面要履行之前的表演合约和唱片合约（专辑《甜蜜蜜》和《小城故事》就是1979年发行的专辑，部分歌曲在美国录制），一方面远离喧嚣求学散心。邓丽君在日本的事业遭受了前所未有的挫折，然而她的歌曲在刚刚改革开放的中国大陆流行起来了。

1980年，当局派人去美国和邓丽君提议回台事宜。给出的条件是：当局对护照事件不予追究，但是邓丽君要回台湾参加劳军和义演。邓丽君在此之前在1970年代也曾多次参加劳军和义演，终于答应回台。

1980年10月4日，邓丽君回台举行演唱会，演出收入全数捐给自强爱国基金。

1981年8月，邓丽君全省劳军一个月，跑遍各地军营，包括金门前线。

1980年12月18日，邓丽君在香港推出个人首张粤语大碟《势不两立》，大受欢迎。

1983年5月发行的第二张粤语大碟《漫步人生路》，其主打歌更成为街知巷闻的名曲。

1983年12月29日在红磡体育馆的十五周年演唱会的空前成功。在这年，由香港宝丽金发行邓丽君的唱片销量突破500万张。邓丽君在香港发展在1980年代进入全盛时期。

邓丽君1979~1980年名金曲：

1、《甜蜜蜜》

此歌曲收录于邓丽君国语专辑《难忘的一天》中，由词作家庄奴根据印尼民歌填词。风头一度盖过该专辑的主打的专辑同名歌曲《难忘的一天》，也被人们认定为邓丽君的经典代表作之一。

2、《漫步人生路》

此曲由郑国江作词，根据日本创作女歌手中岛美雪1980年发表的单曲《ひとり上手》改编，收录于邓丽君的第2张粤语专辑《漫步人生路》中。

3、《忘记他》

此歌曲的词曲作者黄沾，收录于邓丽君1980年的粤语专辑《势不两立》之中。

4、《我和你》

此曲收录于专辑《悲哀的梦》中，十分有名。

5、《在水一方》

此歌曲由琼瑶作词，十分优美。

6、《你怎么说》

这首歌曲是由词作家上官月和曲作家司马亮联袂打造的一首金曲，这首歌的优美旋律，再加上邓丽君演唱声音甜美圆润、温婉动人，一经推出就迅速被歌迷朋友认可。

四、邓丽君的后期发展和去世

1980年代后期，邓丽君的工作重心逐渐转移到英国和法国。1989年，邓丽君来到巴黎，当时中国的很多民主运动人士也到了巴黎，对邓丽君来说巴黎是一个令人喜欢的城市。她结识了为摄影师的法国籍男友史蒂芬·保罗（Quilery Paul Puel Stephane，1967年9月21日生），二人成为情侣关系。

后来邓丽君的哮喘日益严重，为了调养身体，1994年12月底，邓丽君与保罗来到以空气清新著称及较少华人聚居的泰国清迈度假，并着手写作复出歌坛的歌曲。

1995年5月8日，邓丽君在泰国清迈哮喘病发，用哮喘喷雾喷向面部试图帮助呼吸，但因喷出剂量过大反令呼吸更为困难，因她一人在房间等原因，送救不及时而逝，享年42岁。

保罗后来澄清：他知道邓丽君使用的哮喘喷雾剂（含有β2肾上腺素受体激动药）的副作用，加上她在轻微病发时，仍然依赖这种药物来控制病情，所以推算是喷出剂量过大，心脏病发致命。

邓丽君的逝世，各界均深感震惊、意外与惋惜。5月11日，遗体空运回台北。5月28日，邓丽君于台北市第一殡仪馆出殡，并在众多海内外歌迷的目送下安葬于台北县金山乡的金宝山筠园墓园。

邓丽君1981~1995年名金曲：

1、《我只在乎你》

1987年，邓丽君邀请著名作家慎芝女士为《时の流れに身をまかせ》填写中文歌词，推出中文歌曲《我只在乎你》，收录于其最后一张国语专辑《我只在乎你》之中。

2、《独上西楼》

此曲收录于其1983年的国语专辑《淡淡幽情》之中，歌曲歌词选自南唐诗人李煜的词《相见欢》，作曲人为台湾著名音乐人刘家昌。

3、《但愿人长久》

这首歌曲是由苏轼的《水调歌头》改写，收录于邓丽君1983年发行的诗词歌曲专辑《淡淡幽情》，是邓丽君经典名曲之一，后经很多人翻唱。

结语：邓丽君虽已远去，但却留下了很多经典的名曲在我们耳边回响，她的歌曲在华人社会广泛的知名度和经久不衰的传唱度为其赢得了「十亿个掌声」的美誉。时至今日，仍有无数歌手翻唱她的经典歌曲向其致敬。“影音新生活”和所有的“君迷”们在邓丽君去世19周年之际，一同怀念邓丽君，铭记邓丽君带给我们的美好。

协奏曲（concerto）最早是作为一种声乐体裁出现的，十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴洛克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的协奏曲称“独奏协奏曲”，小提琴协奏曲即属于此列。

下面“影音新生活”带大家一同欣赏世界十大小提琴协奏曲，体会小提琴协奏曲的味道：

一、门德尔松《e小调小提琴协奏曲》

此曲由门德尔松作于1838~1844年间，于1845年首次上演。整部作品充满了柔美的浪漫情绪和均匀齐整的形式美,小提琴的处理手法精妙绝伦，旋律优美，技巧华丽，达到了登峰造极的境界，不仅是门德尔松最杰出的作品，也是德国浪漫乐派诞生以来，最美丽的小提琴代表作。

全曲由三个乐章构成，乐章之间不中断地连续演奏，这在当时算是新的手法，作曲者可能意在防止具有浪漫氛围的快速流动被切断；而各乐章却各自独立，体现了门德尔松以古典派传统为基础，并灌入新时代气息的典型作风。

二、贝多芬《D大调小提琴协奏曲》

本曲由贝多芬完成于1806年，是贝多芬唯一的小提琴协奏曲作品，自古以来被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大。

指挥：赫伯特·冯·卡拉扬

小提琴演奏：索菲娅·穆特

三、勃拉姆斯《D大调小提琴协奏曲》

此曲由约翰奈斯·勃拉姆斯作于1877~1878年，是作者一生中创作的唯一的小提琴协奏曲。

乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调，那种安详与厚重相得益彰的感觉，正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中，勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来，并在曲式上有很多大胆创新。

指挥：克劳迪奥·阿巴多

小提琴演奏：吉尔·沙汉姆

四、西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》

这首乐曲由西贝柳斯最早完成于1903年，几经修改最终于1905年出版，同年在柏林首演。

音乐主题热情奔放，富有浓厚的芬兰气息。乐曲充分发挥了独奏小提琴的演奏技巧和表现力，在乐队部分的写作上也发挥了交响特色。整个作品如一幅音画，栩栩如生。

小提琴演奏：马克西姆·文格洛夫

五、拉罗《西班牙交响曲》

《西班牙交响曲》完成于1873年，在拉罗所有的小提琴协奏曲中排行第一。这首乐曲特别令人诧异的是它的名称——《西班牙交响曲》，这在所有的小提琴协奏曲也是罕见的。我们不得不将其认定为拉罗的特色，因为除此之外的小提琴作品，拉罗也分别冠名为：《俄罗斯协奏曲》和《挪威幻想曲》等。

这首乐曲不但在外表上有华丽的效果和迷人的情调，而且在内容上也颇具深度。

六、柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》第一乐章

此曲由彼得·伊里奇·柴科夫斯基作于1878年，是作者最著名的作品之一。这首乐曲的特色不但充分发挥了主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧，展开了色彩丰富的管弦乐，创造出比以往的小提琴协奏曲更新鲜的韵味，而且用他含有俄国民谣的地方色彩，独特的充满哀愁的优美旋律，格调新颖、独特。我们下面欣赏其中的第一乐章。

演奏：亚莎·海菲兹

七、帕格尼尼《D大调第一小提琴协奏曲》

此曲为号称小提琴鬼才的意大利作曲家尼科罗·帕格尼尼作于1811年。此曲原来是用降E大调写成，但为了减少小提琴演奏的难度，显现特殊效果，所以将乐器调高半音，并使用D大调乐谱，如同使用移调乐器一般。

这首乐曲充分发挥了帕格尼尼独特的二重泛音或跳弓等艰难的技巧，是一首具有巨匠风格的精品协奏曲，曲中充满了意大利民间音乐的风格，展现出如歌般优美的旋律。但音乐本身并不特别深奥，没有复杂的和声，形式非常单纯。

八、布鲁赫《g小调第一小提琴协奏曲》

此曲由布鲁赫作于1866年，当时作曲家年仅二十八岁。

乐曲采用传统的协奏曲体裁，由三个乐章组成，但各个乐章的形式都十分自由。

小提琴演奏：耶胡迪?梅纽因

九、维尼亚夫斯基《d小调第二小提琴协奏曲》

此曲是是维尼亚夫斯基最著名的作品之一。作品共分三个乐章：第一乐章，中庸的快板、d小调、4/4拍，奏鸣曲形式，具有狂想曲的性质，朴素而单纯；第二乐章，不太慢的行板，、降B大调、12/8拍，三段体，整个乐章细腻优雅，诗意中的乡愁之感尤其动人；第三乐章，中庸的快板、d小调、2/4拍，回旋曲形式，曲调十分热情、奔放。

十、圣桑《b小调第三小提琴协奏曲》

此曲由圣桑创作于1880年。作者自己对这部作品的介绍是“两山夹一湖”，第一、三乐章是激情的高山，第二乐章是平静的湖泊。第二乐章非常优美，如歌的旋律宁静祥和，下面我们一同来欣赏：

是否仍旧回味在门德尔松的华丽、贝多芬的高雅，抑或是柴可夫斯基的俄罗斯韵味，或是帕格尼尼的意大利风格中呢？

西方古典音乐有广义、狭义之分。狭义指古典主义音乐，是1750~1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。

广义的西方古典音乐指那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。我们现在探讨的是广义的西方古典音乐，从更宽更广的角度来审视西方音乐。

从中世纪到20世纪，不同时期的古典音乐在使用的乐器上是不断发生变化的。认识这些乐器，不仅能够加强对西方音乐的认识，而且对聆听音乐时的深入理解也很有帮助。

下面“影音新生活”小编就带着大家一同来看看西方古典音乐中器乐应用的发展变化，并对主要乐器的音色等方面作一下介绍。

一、西方古典音乐·交响乐队的形成和发展

1、中世纪

这个时期的音乐主要是人声，器乐被认为是“魔鬼之声”，代表作品格里高利圣咏《圣诞节弥撒》。

这个时期用到的乐器主要有两种：一种是Organ（管风琴），这种乐器主要用于教堂音乐。

另一种中世纪常用的乐器是Viol（维尔沃），这是一种古提琴，常被游吟诗人们拿来伴奏。

2、文艺复兴时期

著名作曲家、制琴师蒙特威尔第对乐队有着新的理解，认为乐队就是各种不同的音色的结合，因此他开始使不同的乐器进行对置，相互对比，让各组乐器轮番演奏等，这些做法在当时都还是一种意外的新发现。

这个时期，“世俗乐队”出现，使用的乐器有古提琴、小提琴、诗琴、竖琴、古低音提琴、长笛、长号、双簧管、风琴、古钢琴等，但是没有声部分工和音色调配。

这时，交响乐队的萌芽形成。

3、巴洛克时期

十七世纪是交响乐队发展的一个很重要时期，第一次出现了独立的器乐合奏作品，按声部配置乐器，注意到了音响美和色彩性。

随着主调和声风格的发展和数字低音的采用，羽管键琴因为便于奏出和弦便在乐队中占据很稳固的地位；其次，由于意大利著名提琴制造家，例如阿玛蒂和斯特拉蒂伐利等人在提琴的改良和最后定型方面所获得的辉煌成就，提琴族乐器在乐队中的数量便逐渐增多，并最终把诗琴和其他一部分古老的乐器排挤出乐队之外。

但是这时候的乐队还不能算是新型的乐队，因为它的基础仍然是羽管键琴，而且乐队中还有不少是古老的乐器。

从十七世纪中叶开始，对乐队的兴趣在整个欧洲逐渐蔓延开来，乐队也从它诞生的摇篮——意大利的罗马、佛罗伦萨、威尼斯和那不勒斯等城市走出国境，在巴黎、伦敦、柏林、汉堡和维也纳，都相继出现不同类型的早期乐队。

到十七世纪末，不但在歌剧院和教堂有乐队演奏，还有专门供乐队演奏音乐的新场所应运而生。1672年，第一个公开收费的弦乐队音乐会在伦敦举行，1686年荷兰开始有定期的公开演奏会，并即遍传欧洲其他国家。

巴洛克时期的乐队编制如下图：

4、古典时期

18世纪是大转折和大革命的世纪，交响乐队的转折时期也随着到来了。而这个转折，应该以海顿的《第一交响曲》问世的：1759年为标志。

18世纪中叶出现了德国的曼海姆宫廷管弦乐队，注重整体的紧密配合、运弓整齐，注重重音和句法，采用了渐强渐弱的演奏方法，首创了交响曲、协奏曲的表现方法，激发作曲家创作，使乐器比例配置趋向合理。

18世纪末，交响曲创作繁荣，由海顿所创始并由莫扎特最后确立的“古典乐队”，这也实际上取法于曼海姆乐派的双管乐队。现代的交响乐队的基础在十九世纪上半叶多半已确定下来。此后的乐队发展，只是细部变化。此外，贝多芬引入新乐器，如长号、大鼓、钹、三角铁等。

古典时期的乐队编制如下图：

5、浪漫时期及以后

十九世纪初的乐队又扩大了乐器的数量，特别是铜管乐器的数量有了比较大的变动——起初把法国号增加到四个，构成一个四重奏，稍后又加用了三个长号。这样便形成了一种新型的乐队——大交响乐队，也就是所谓“浪漫派乐队”。这种乐队在浪漫派作曲家威柏、舒柏特和门德尔松的创作中才最后完成。

19世纪的乐队编制：

20世纪的乐队的发展有两种倾向，一种是继续扩大乐队的编制，另一种则截然相反，倒回到十八世纪室内乐型乐队的模式中去。

20世纪的乐队编制：

以下为现在的交响乐队编制：

二、西方古典音乐·乐器的分类和音色

西方古典音乐中的乐器可分为：弦乐器、木管乐器、钢管乐器、敲击乐器。

对于乐器的认识，不仅要知其形态，还要辨其音色，才能算了解。下面我们就从以上这四个分类来分别看看这些乐器的音色：

1、弦乐器

弦乐器是指以弦振动为发音体的乐器之总称，依其发音方法，又可分细为三组乐器：

（1）击弦乐器

钢琴（Piano）

这是主要作为独奏乐器使用的键盘乐器，可以代替乐队内的各种乐器，在不睬踏板时，它的音只能维持在弹奏者手指压在键上的时间内，钢琴的音强随着奏出的瞬间开始减弱。它是共振琴弦的集合体，能发出优美如天鹅绒般的柔和的声音，或明快尖锐而密集的声音。钢琴音域宽广、发音洪亮、音色优美、和声丰富而且可自如控制强弱，是最重要的独奏和合奏乐器之一，被称为“乐器之王”。

（2）拨弦乐器

透过拨弦产生振动而发声的。

竖琴（Harp）

它被坐抱膝前，双手拨奏，一共有47根弦，半音由踏板控制，声音虽小，却是最典雅的，是一种优雅绮丽的乐器，每个音都像涓涓水珠，优美动人。竖琴音色清澈柔美，音域宽广，能胜任快速乐句、滑音、琶音、和弦的演奏。

（3）擦弦乐器

又称弓奏乐器，透过弓磨擦弦而发声。

A、小提琴（Violin）

小提琴具有表现力非常完美的音质，它的音色明亮优美，具有抒情性和歌唱性，适于表现温柔、热烈、轻快、辉煌乃至富有戏剧性的强烈感情。

小提琴在器乐中占有极重要的地位，是交响乐队的支柱，有“乐器皇后”之誉。

B、中提琴（Viola）

它与小提琴的外形、持法和演奏法都相类似，仅体积稍大，音色比较暗，经常是用来作为和声用的，很少参与独奏。在室内乐，尤其是弦乐四重奏中，中提琴能充分展示它的魅力。

C、大提琴（Cello）

它由演奏者坐着支撑在两膝间，具有广阔的音域。它的音域比中提琴低一个8度，音色柔和丰满，是独奏和重奏的重要乐器。

D、低音提琴（Doublebass）

它又称倍大提琴、倍低音，是最大的弓弦乐器，必须站着演奏，基本上用于拨奏，它的音域比大提琴低8度。低音提琴能为整个音响结构提供坚实的基础，其音色低厚，与大提琴共奏旋律，不仅使声音增加浓厚程度，还使节奏鲜明。

2、木管乐器

为笛类乐器，靠着在管内制造出空气柱的振动来发音，经过改良金属或其它制材也可未必限于木制。依其构造上簧片数目的不同，又可分细为无簧（唇簧）木管乐器、单簧木管乐器和复簧木管乐器等三组乐器：

（1）无簧（唇簧）木管乐器

A、长笛（Flute）

旧称横笛，是用银或其它金属制作的一端为闭口的圆柱形横吹的管乐器，拥有一种柔和、超然、流畅的音色。长笛是管弦乐队最为迷人的乐器之一，是木管乐器中最灵活的乐器，占有重要地位。

C、短笛（Piccol）

它是音高比长笛高8度的短小长笛，多为木制，在奏非常强的力度时，可发出尖锐而嘹亮的音色，能盖过其它乐器，具有很迷人的纤细的歌唱性。短笛常用于铜管乐中欢欣鼓舞的热烈场面，在管弦乐中主要是在高8度位置重复长笛及其它乐器的声部。

（2）单簧木管乐器

A、竖笛（Clarinet）

又称黑管或单簧管，是一种直吹的圆柱形单簧木管乐器，有流畅、开阔的音色。单簧管的表现力丰富而自由，是交响乐中最富表情的声部，也是最重要的乐器之一。

B、萨克斯管（Saxhopn）

它是木管乐器类乐器，是单一簧片，但指法和双簧管相近，声音非常柔顺并富变化，能与木管或铜管两种乐器结合，既有长笛般的柔和，又有弦乐器般的丰满，并有金属质的粗厉。萨克斯管有极强的表现力，音色异常丰富动人，强奏时可产生使人将兴奋的情调，是爵士乐的主角。

（3）复簧木管乐器

A、双簧管（Oboe）

这是一种直吹的木管乐器，管身为木制的圆锥形，下端是小的牵牛花状管口，在木管乐器中最富表现力，有种鼻音效果，具有田园的音色，充满温暖感。双簧管特别适于演奏宽广抒情的牧歌式曲调，常担任乐队中独奏性的旋律部分。

B、大管（Bassoon）

也叫巴松管，双簧族系的低音单元，吹嘴装在一条长而弯曲的铜管上，是个多面手，在高音区有一种哀伤的特殊音色，在低音区有相当份量，常用来加强沉闷的低音共鸣，表现戏剧效果及忧郁感。大管的那种极富戏剧性的特殊音色，使不少作品增添了异样光彩。

3、铜管乐器

不用簧片，而以双唇振动空气发出声音的金属乐器。乐器是由吹口、音管与扬音管所构成，铜管乐器就是利用管子的长短及泛音的变化发出不同的音高：

A、圆号（FrenchHorn）

也叫法国号，是盘成圈状的铜管乐器，有可爱、圆润、柔和、流畅的音色。圆号具有丰富的技术性和柔和的歌唱性，常在乐队中担任旋律演奏。

B、小号（Trumpet）

也称小喇叭，是圆柱形管膛的金属乐器，发声刚劲、嘹亮、尖锐，是作曲家在高潮时使用的乐器。小号是铜管乐器中音域最高的乐器，适于表现节庆的欢快、凯旋的喜悦，以及战争的进行，是军乐队和爵士乐队中的主要乐器。

C、长号（Trombone）

也称伸缩号、拉管，呈U字形的双套管，改变馆身长度时可发出高低不同的声音，是唯一可吹奏滑奏的非移调铜管乐器，具有崇高、宏伟的音色，音质与圆号类似，但更响亮、圆润。长号用于表现戏剧性效果，其强力、庄重而丰满的音色是其他乐器不可替代的。

D、大号（Tuba）

大号管身很长，是低音铜管类乐器，具有严肃而沉重的音色。它的作用主要是加强低音，很少用来吹奏旋律。大号一般用作支撑乐队和声的基础低音。

4、敲击乐器

打击乐器是泛指由演奏者直接敲打或摇动而发出声音的乐器总称。打击乐器可分为两类：

（1）有固定音高打击乐器

A、钢片琴（Celesta）

外表很像一架小风琴，琴搥敲击安置在共鸣箱上的钢片而发声。钢片琴具有明确的音程，音色清亮甜蜜，和铃声相似。

B、木琴（Xylophone）

这是由长短不同的硬木片用线安置于水平木架上，用两根木槌敲响的乐器。木琴音色明亮清脆，穿透力强，演奏灵活，能奏出颤音、滑音及各种急促的乐句。

D、钟琴（Chimes）

这是由长短不同的钢管，并排挂在框架上的打击乐器，又称钢管琴。它具有明确的音程，其宽广洪亮的振幅能发出教堂钟声般的效果。钟琴在乐队中常用来模仿教堂的钟声。

E、 ?定音鼓（Timpani）

它能调律成一定的音程，鼓身用铜制成，形似碗，鼓面牛皮以金属环固定，周围有6个螺丝可调音高。定音鼓是管弦乐队中最重要的有固定音高的打击乐器，用以衬托节奏、色彩，渲染气氛。

（2）无固定音高打击乐器

A、三角铃（Triangle）

又称三角铁，是有一角不衔接，并弯成等边三角形的铁条。它没有固定的音高，声音非常清脆透明，极富穿透力，能产生鲜明精美的音响效果和明丽辉煌的色彩。

B、小鼓（SnareDrum）

这种没有明确音程的小鼓就是军乐队中使用的小鼓，鼓神用木材或金属制成，上下鼓面蒙以皮革，下面蒙皮上张有响弦，敲击时有沙沙样响的效果。小鼓具有强烈明晰而变化多样的节奏效果，通常用在雄壮的音乐中，或用以产生戏剧性效果。

C、大鼓（BassDrum）

又称低音鼓，没有明确音程，鼓身很大，鼓槌的槌头以绒布包扎，其音响低而沉重，能发出雷鸣般的声音。大鼓可通过鼓皮松紧的调整、鼓槌敲击的位置和轻重控制音高，常用以制造海涛、狂风、大炮等效果。

E、 ?钹（Cymbals）

这是两片中央凹陷的圆形铜片合击的打击乐器，没有一定的音程，音色清脆明亮，其金属性响亮的声音可造成戏剧性高潮，或形成乐句的色彩基础。

结语：西方古典音乐艺术手法洗练，追求理性地表达情感。品赏西方音乐应从古典音乐开始，如今器乐已经在古典音乐中占有极大的地位，了解各种乐器在乐队中的编制历史和它们各自的音色，对我们入门、理解古典音乐，都有很大的帮助。

巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之后开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。

巴洛克（Baroque）一词来源于西班牙语和葡萄牙语“Barocco”，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特征是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接地影响到了音乐家的创作。

十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫耀贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫耀的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气氛。

巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符，节奏强烈、短促而律动，旋律精致，常用颤音等技巧来装饰。复调音乐仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展；于是复调的和声性越来越明显，复调在J.S.巴赫时代发展到极致。数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，此时，管弦乐团编制尚未标准化。

巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（Concerto Grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，借着音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。

这个时期音乐创作的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。

下面“影音新生活”小编就带大家一起来进行一次“巴洛克之旅”，感受“巴洛克”的细腻精致。

一、“四季”的曲调：异乎寻常的维瓦尔第

安东尼奥·卢奇奥·维瓦尔第（意大利语：Antonio Lucio Vivaldi，1678年3月4日－1741年7月28日），是一位出生于威尼斯的意大利神父和巴洛克音乐作曲家，同时还是一名大师级小提琴演奏家。他被认为是最有名的巴洛克音乐作曲家之一，在他那个时代闻名于整个欧洲。

维瓦尔第是一个异乎寻常的音乐家，他的最大成就在于他把自己对形式的精通运用于协奏曲的发展，并把大协奏曲定型为三乐章形式（快一慢一快）；他首创的小提琴协奏曲体裁，对小提琴技巧、配器法以及独奏协奏曲形式的发展起了决定性的作用。

维瓦尔第的一生正处于欧洲巴洛克艺术鼎盛时期。他的音乐已渐渐被重视，其中那意想不到的重音、直率而热烈的风格以及突如其来的主题，已逐渐为音乐会听众所熟悉。其最著名的作品为《四季》。

下面我们来欣赏维瓦尔第的名曲：

1、《四季》

此曲大约作于1725年，是维瓦尔第大约五十岁时发表并献给波希米亚伯爵W.冯.莫尔津的一套大型作品《和声誉创意的尝试》共十二部协奏曲的第一号到第四号，合称《四季》。

这四部协奏曲是维瓦尔第最著名的作品，其中的旋律至今仍长盛不衰。四部作品均采用三乐章协奏曲形式的正宗标题音乐，不仅照给定的十四行诗配上音乐，而且还运用了不少描写手法。维瓦尔第在总奏与主奏交替形成的复奏形式上，巧妙地配以标题。在维瓦尔第之前，还没有人以标题音乐的方式谱写过协奏曲。

由于维瓦尔第的《四季》属于标题音乐，所以从形式上看，自然较其他协奏曲显得自由而且不平衡，但这样反而更能表现出巴洛克的特色及魅力。这四部作品画意盎然，激发出人们对巴洛克时代音乐的浓厚兴趣。

《四季》的标题分别为：《春》E大调、《夏》g小调、《秋》F大调、《冬》f小调。

其中以《春》的第一乐章（快板）最为著名，音乐展开轻快愉悦的旋律，使人联想到春天的葱绿；

《夏》则出乎意料之外，表现出夏天的疲乏、恼人；

《秋》描写的是收获季节中，农民们饮酒作乐、庆祝丰收的快活景象，这个乐章欢快而又活泼；

《冬》描写人们走在冰上滑稽的姿态，以及由炉旁眺望窗外雪景等景象，其中第二乐章非常出名，曾被改编为轻音乐而广为流传。

2、《A小调小提琴协奏曲》

此曲是《和谐的灵感》12首协奏曲中的第六首，具有典型的巴洛克音乐风格。

它以强劲的节奏激发人的热情，不断强调的重音产生崇高悲怆的美感，严整的调性原则使人感到这音乐来自一个理性的时代，它的旋律、节奏、和声、对位等一切表现手段的综合运用使音乐里有一种埋藏得很深的力量。

3、《A小调双小提琴协奏曲》

此曲是《和谐的灵感》12首协奏曲中的第八首。

二、复调的艺术：西方“现代音乐”之父巴赫

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（德语：Johann Sebastian Bach，1685年3月31日－1750年7月28日）是巴洛克时期的德国作曲家，也是杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，同作曲家亨德尔和D.斯卡拉蒂齐名。

巴赫被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一，他的创作使用了丰富的德国的音乐风格和娴熟的复调技巧，将复调音乐推上一个空前的高度。他的音乐集成了巴洛克音乐风格的精华。并被尊称为西方“现代音乐”之父，也是西方文化史上最重要的人物之一。

巴赫的音乐作品包罗万象，涵括除歌剧外遍及当时所有的音乐领域。他的创作一般可分为三个主要阶段——魏玛时代（1708~1717），可以说是创作臻于成熟的阶段；柯登时代（1717~1723），则是他创作的高峰期，许多贡献卓著的作品都完成于这个阶段；而莱比锡时代（1723~1750），是巴赫将宗教艺术推至最高境界的时期。

下面我们来欣赏巴赫的名曲：

1、《G弦上的咏叹调》

此曲又名为《G弦之歌》，此曲是巴赫代表作品之一，为其《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题，充满诗意的旋律美而脍炙人口。

演奏：米沙·昆特

2、《马太受难曲》

“马太受难曲”是巴赫于十八世纪创作的。这部曲子共分为78首分曲，真实地再现了耶稣被犹大出卖、被捕、受审、被钉十字架和被埋葬等场景。

演唱：Erbarme dich

3、《勃兰登堡协奏曲》第三号

巴赫收集了他的六首最好的协奏曲献给勃兰登堡的克里斯蒂安·路德维希侯爵，这就是著名的六首《勃兰登堡协奏曲》(Brandenburg Concerto) ，又名“伯兰德伯格协奏曲”，展现了绚丽多彩而又富于独创性的对比，华丽而高超的复调手法，活跃而宏伟的旋律。

《勃兰登堡协奏曲》第三号的乐队配置比较特别，仅仅使用了弦乐器，只有三把小提琴，三把中提琴，三把大提琴和作为通奏低音的一把低音提琴和一架羽管键琴。这种独特的乐器配置使得这首协奏曲更像是一部室内乐作品（就是一个声部只使用一件乐器的乐曲），声部之间的对话显得尤为重要，而乐器音色上的差别较小也必须依靠出色的作曲技巧加以弥补。

指挥：赫伯特·冯·卡拉扬

演奏：柏林爱乐乐团

三、雄伟和崇高：擅于清唱剧的亨德尔

乔治·弗里德里希·亨德尔（George Friedrich Handel），为著名的英籍德国作曲家。

1685年2月23日生于德国哈雷哈勒，师从管风琴家查豪学习作曲，后在教堂内任管风琴师及艺术指导。因爱世俗音乐，乃于1703年迁居汉堡——当时唯一有民族歌剧的德国城市，开始从事歌剧的创作。1706年后，在汉堡威尔及伦敦两地进行创作，不久成为英国的音乐权威人士。

亨德尔的曲风雄伟、崇高，其清唱剧质朴感人，把高度的艺术性和虔诚的宗教信仰融入了一个个音符之中，是戏剧性的英雄史诗。从《扫罗》、《以色列人在埃及》到《参孙》都同样出色。

其主要作品有：清唱剧《以色列人在埃及》、《参孙》《弥赛亚》、《犹大马卡白》等三十二部，歌剧四十六部，管弦乐《水上音乐》、《森林音乐》、《烟火音乐》各一套，管弦协奏曲十一首，大协奏曲四十二首，还有室内乐、组曲、序曲、恰空等器乐曲。

他的代表作有管弦乐曲《水上音乐》、《皇家焰火音乐》、清唱剧《弥赛亚》等，《弥赛亚》中的《哈利路亚》流传最为广泛。

下面我们来欣赏亨德尔的名曲：

1、《弥赛亚》

此曲为大型清唱剧，是亨德尔最为有名的作品之一。多首合唱曲均深入民心，如《因有一婴孩为我们而生》、《哈利路亚大合唱》及《被宰杀的羔羊是配得权柄》和《阿们》等都被世界各地合唱团和诗班所演唱。

演唱：英国剑桥国王学院唱诗班

2、《皇家焰火音乐》序曲

《皇家焰火音乐》是亨德尔晚期最伟大的乐队作品之一，它是受命为英国庆祝“爱克斯－拉夏贝尔和约”的签订而作。

序曲以华美而富丽堂皇的慢板旋律开头（片段1），然后以传统的赋格开始快板主体，利用乐器的对比重叠，表达出有活力、复杂的织体（片段2），然后又回到慢板。

3、《赛尔斯》“绿树成荫”

第一幕第一场开始不久，赛尔斯在宫中花园里，见到绿叶青葱的树枝，触景生情，唱出的一首赞美大自然景色的咏叹调。歌词只有一句，“从来没有见过一片大树荫，有这样可爱和美丽”，但它的曲调既徐缓从容，优雅抒情，又高亢挺拔，英武豪迈，因而为歌唱家所喜爱，成为音乐会上经常演出的曲目。

演唱：Jackie Evancho

巴洛克时期的音乐，古代风格虽然继续风行，但后来仅用于圣乐，而现代风格则逐渐用于非宗教音乐。由于音乐语汇的扩大，圣乐与非宗教音乐之间、声乐风格与器乐风格之间以及民族之间的差异日益明显。