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标签： 音乐

  • “时代的精神”：莫扎特的深度

    沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（德语：Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日），出生于萨尔兹堡，逝世于维也纳，是奥地利作曲家，也是欧洲维也纳古典乐派的代表人物之一。

    莫扎特在幼年时被誉为“音乐神童”，作为古典主义音乐的典范，他对欧洲音乐的发展起了巨大的作用。莫扎特毕生创作了754部作品，622部已完成，132部未完成，其中包括22部歌剧、41部交响乐、42部协奏曲、一部安魂曲以及奏鸣曲、室内乐、宗教音乐和歌曲等作品。

    他留下的重要作品总括当时所有的音乐类型，谱出的协奏曲、交响曲、奏鸣曲、小夜曲、嬉游曲等成为后来古典音乐的主要形式。

    莫扎特是钢琴协奏曲的奠基人，作有27首钢琴协奏曲。其《24号钢琴协奏曲》和《20号钢琴协奏曲》是浪漫主义音乐的雏形作品。

    他对于欧洲器乐协奏曲的发展同样作出了杰出的贡献；同时，他被认为是狂飙运动中第一个进入浪漫主义的音乐家。

    他在晚期音乐中极大地扩张了音乐的深度，主要表现在其音乐主题突兀和不确定性，这种特征可集中发现在他晚年的三大交响曲中的《g小调第40号交响曲》（又称维特交响曲）。

    歌剧是莫扎特创作的主流，他与格鲁克(Gluck）、瓦格纳(Wagner）和威尔第(Verdi）一样，是欧洲歌剧史上四大巨子之一。其中最出名的歌剧是：《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》。

    另外，他的《安魂曲》也成为宗教音乐中难能可贵的一部杰作。

    下面我们就一同来欣赏一下莫扎特的名曲：

    一、《费加罗的婚礼》

    《费加罗的婚礼》（Le Nozze di Figaro）是莫扎特最杰出的三部歌剧中的一部喜歌剧，完成于1786年，意大利语脚本由洛伦佐·达·彭特（Lorenzo da Ponte）根据法国戏剧家博马舍（Beaumarchais）的同名喜剧改编而成。

    二、《魔笛》

    《魔笛》（德文：Die Zauberfl?te）是莫扎特三部最杰出歌剧中的一部，这部歌剧取材于诗人维兰德（C. M. Wieland，1733-1813）的童话集《金尼斯坦》（Dschinnistan，1786-1789）中一篇名为《璐璐的魔笛》（Lulu oder die Zauberfl?te）的童话，1780年后由席卡内德改编成德语歌剧脚本。

    三、《安魂曲》

    《d小调安魂弥撒曲》，或简称《d小调安魂曲》，是莫扎特最后创作的其中一首作品（未完成），写于1791年。

    指挥：谢尔盖·切利比达克

    四、《g小调第40号交响曲》第一乐章

    本曲是一首最为世人所认识的音乐作品，堪称是莫扎特的一首代表作，它与贝多芬的《第5号交响曲》均被视为演奏次数和灌录次数最多的音乐作品。

    五、《G大调弦乐小夜曲》

    《G大调弦乐小夜曲》（德文：Serenade für Streicherin G-Dur，常被称为Eine Kleine Nachtmusik），又称“第13号小夜曲”，是莫扎特的著名作品，写于1787年。莫扎特一生共写有十三首小夜曲，这是其中最有代表性的一首，也是莫扎特全部小夜曲中唯一用弦乐演奏的，所以通常被称作《弦乐小夜曲》。

    六、《土耳其进行曲》

    《土耳其进行曲》为莫扎特的A大调第十一号钢琴奏鸣曲的第三乐章，又称为土耳其风回旋曲（ Alla Turca），是作曲家于1781年至1783年间在慕尼黑或维也纳所作。

    35岁便英年早逝的莫扎特，他的音乐自始至终保持着一种无与伦比的流畅性和自如感，其作品地位足与巴赫及贝多芬相提并论，亦让人感受到音乐由巴洛克时期转向古典主义时期的不同。

    作为18世纪末时的欧洲作曲家，莫扎特的音乐深刻地反映了这个时代的精神，尤其体现在歌剧作品中的市民阶层思想，在当时无疑具有进步的意义。

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  • DENON （天龙）DCD1520AE SACD/CD播放器

    DENON （天龙）DCD1520AE SACD/CD播放器

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  • 乐律的沉香：我最喜爱的古典音乐名盘

    音乐是人类精神的宝库，饱含人类的喜悦和悲伤，它是情绪细腻的演绎线。

    古典音乐艺术手法洗练，追求理性地表达情感。品赏音乐的开始应从古典音乐开始，当不能够亲临音乐会时，优秀的唱片却能带给您同样的震撼，让您感受到乐器或刚或柔的质感和现场的激越。

    下面我就和大家分享一些我所喜爱的古典音乐唱片，让古典音乐的芳香，再次激起你我内心最沉静的感绪，打动心扉……

    一、圣桑《第三交响曲“管风琴”》 & 德彪西：交响诗《大海》等/Saint-Saens: Symphony No. 3; Debussy: La Mer; Ibert: Escales SONYBGM MUSIC 82876-61387-2

    圣桑第三交响曲“管风琴”是圣桑最杰出的作品之一，也是当今世界上为数不多的优秀管风琴交响曲。该作品的特别之处在于乐曲用循环曲式写成，只分两个乐章。标准的古典交响曲是有四个乐章的，但该乐曲实际上每一个乐章又可以分成两个部分，因此也可以事实上是四个乐章，许多唱片录音都以四音轨分段录制。除了庞然大物“管风琴”的参与之外，乐曲还将还动用两位钢琴演奏者在一架钢琴上四手联弹！而乐曲的第二乐章第二部分是全曲最精彩华丽的部分，管风琴呈现庄严深邃的威猛，再加上钢琴四手联弹的加入，宛如深沉夜空中的烟花焰火，营造出无比的终曲壮阔感！法国音乐中巧夺天工的配器加上圣桑独有的缜密乐思，造就了这首难忘的第三号交响曲“管风琴”，达到天人交融的境界。

    二、弗兰克：D小调交响曲 & 斯特拉文斯基：彼得鲁什卡/Franck: Symphony in D Minor & Stravinsky: Petrouchka ?SONY BGM MUSIC 82876-67897-2

    《彼得鲁什卡》（英语：Petrouchka，俄语：Петрушка）是俄罗斯近代著名作曲家斯特拉文斯基所写的一部芭蕾舞剧。在斯特拉文斯基创作出成名作《火鸟》以后，他的委约者贾吉列夫非常兴奋，决定再与斯特拉文斯基合作一部芭蕾舞剧供他的芭蕾舞团上演。该剧创作于1910年，由亚历山大·贝努瓦创作剧本，米哈伊尔·福金编舞，尼金斯基主演，1911年6月3日首演于巴黎。1947年，作曲家又对原谱进行过修订，现行的的演出版本一般使用修订版。后来作曲家还将该剧音乐的三个片段改编成了钢琴曲。

    三、图画展览会&俄罗斯管弦乐名曲集SONY BGM MUSIC RCA 82876-61394-2

    在莱纳一生指挥生涯中最辉煌的时期是他任职芝加哥交响乐团的10年，他培养出了宏大辉煌（尤以铜管的灿烂闻名）的“莱纳之声”。他的指挥忠于原作，结构清晰，速度精确，Rubato得体，色彩华丽，音响光洁，音乐热情。以最小的动作来获得最大的效果，这是他的指挥理念，也是他的指挥特色。

    四、奥芬巴赫：欢乐的巴黎人 & 罗西尼-雷斯毕基：奇妙玩具店/OFFEN BACH Gaite Parisienne & ROSSINI-RESPIGHI La BoutiqueFantasque? SONY BGM MUSIC RCA82876-66419-2 Made in the EU.

    亚瑟·费德勒（Arthur Fiedler）极其富有热情和控制力的指挥艺术使每一个音符都有闪耀着夺目的光泽，波士顿通俗管弦乐团（Boston Pops Orchestra）丰富的弦乐色彩、打击乐厚重的能量感和管乐澎湃的气势，呈现了丰富的音响效果。

    五、巴赫：哥德堡变奏曲-古尔德钢琴-Sony SM3K 87703

    1955年的演绎充满着夸张的快速度和全面爆发的力量，难能可贵的是即使是充满了火药味的第五号，十二号和二十号变奏曲，都没有因此牺牲其清晰度，主题的演奏速度虽然很快，却仍有充分喘息和气息悠闲的空间，对位法的每一部分都能够互相凸显和充分对立。

    六、巴赫：大提琴无伴奏六首组曲-卡萨尔斯大提琴-EMI 5 66215 2

    演奏巴赫这六首无伴奏组曲，最富于启示性的也是最早的权威的版本，当然是卡萨尔斯3O年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于30年代(36年至39年)大师刚过了60岁之后。长期来，卡萨尔斯的这套录音已被公认为为这个作品的里程碑式的权威演绎。他的这一成就来自他对这部巴赫巨著的长达几十年的精心研读和作品精髓的发掘。

    七、雷斯皮基：罗马的松树·罗马的喷泉 & 德彪西：大海/Respghi – Pines and Fountains of Rome & Debussy – La Mer SONYBGM MUSIC RCA 82876-71614-2

    莱纳在气氛的营造上显得思绪细微而自信，乐段的层次一一用心搭建，前后的串连井然有序。乐曲在音乐饱满的弦乐组以及声势磅礴的管乐组之间，一步步的进行，显得稳重而庄严。整体的效果听来，莱纳的指挥不以华美流畅为重点，他的处理方式讲究层次感及空间感，这三组曲子在他手中不再只是朦胧美感，乐句间清楚的连接以及富弹性的呼吸方式，使得这张录音的整体效果，富有管弦乐作品特有的一股壮阔曲风。

    八、巴托克-管弦乐协奏曲-莱纳指挥芝加哥交响乐团-RCA O9026 61504 -2(贝塔斯曼)

    巴托克·贝拉（Bartok Bela,1881－1945）现代最重要的作曲家之一。本曲为巴托克最著名的作品之一，是在他去世前两年完成的。1943年8月，巴托克开始创作他的这部《乐队协奏曲》，十月份乐曲总谱即告完成。第二年12月1日，在库塞维斯基的指挥下，《乐队协奏曲》由波士顿交响乐队首演于波士顿的交响厅，大获成功。

    九、巴克斯-七首交响曲-BBC Philharmonic-Vernon Handley-Chandos 10122

    巴克斯(Arnold Bax)，1883年生于伦敦，1953年卒于科克，英国作曲家。巴克斯1900—1905年学成于皇家音乐学院，1942年起任王室的音乐指导，他首先是个优秀的钢琴家，创作的键盘乐曲富于灵性，有许多韵味跳出；创作的室内乐曲也比较精致，充满英国绅士派头的优雅。巴克斯是一个新浪漫主义的作曲家，他对于爱尔兰题材、对于叶芝的诗有特别的感觉，因此而在作品中寻找叶芝的诗意。巴克斯的管弦乐作品配器华丽，追求描绘的感觉，所以较多是色彩的纷呈而不是由节奏组织的结构。

    十、J.S.Bach：SONATAS AND PARTITAS/J.S.巴赫：无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲

    这套唱片的演奏完全去除了紧张的斧琢痕迹，而让听者惊叹于巴赫幻影式的创造力及智慧。帕尔曼的诠释是精炼优雅的，传递出强大的生命力。有人可能比较喜欢极端情感挣扎的演奏，但帕尔曼自发性的感觉，使这套唱片提供了独特的启示经验，录音非常好。

    在我看来，当一些经典名盘掀起潮水的时候，还有一些制作甚佳的唱片会被埋没。然而，一张唱片就如一个故事，一个一个地看过去，每一个都有生动之处。

  • 指挥棒下的艺术：世界十大著名指挥家

    一个乐团的演奏效果很大程度上取决于指挥，在优秀的指挥家下，乐团的声音才能从内质生发，形成独具的风格。这既是乐团的风格，也是指挥家的风格。个性鲜明的指挥家往往会形成专属于自己的独具风格的指挥风格。你是衷 …

    一个乐团的演奏效果很大程度上取决于指挥，在优秀的指挥家下，乐团的声音才能从内质生发，形成独具的风格。

    这既是乐团的风格，也是指挥家的风格。个性鲜明的指挥家往往会形成专属于自己的独具风格的指挥风格。你是衷情于赫伯特冯愠拉扬的洒脱，还是威尔海尔姆·富尔特文格勒的忘我呢？

    下面就由“影音新生活”小编带领大家欣赏一下世界十大指挥家的生平，品味他们或严谨、或壮丽，或细腻、或忘我的指挥艺术，再温那些精美流香的名盘，在乐律飞扬中，感受指挥棒下的流动的色彩……

    一、阿尔图罗·托斯卡尼尼（Arturo Toscanini，1867~1957）

    生平与成就：

    阿图罗·托斯卡尼尼（意大利语：Arturo Toscanini，1867年3月25日－1957年1月16日），意大利指挥家，大提琴演奏家。他的指挥艺术在世界上有着极大的影响，直到20世纪60年代还始终占有绝对统治的地位。

     

    托斯卡尼尼生于艾米利亚-罗马涅帕尔马，1876年入帕尔马音乐学院学习大提琴，期间还获得奖学金，期间参加了当地歌剧团的乐师。他有着惊人的记忆力，他每次指挥都是背谱演出。他的听力奇佳，能听清每个声部的细节。他的宗旨是力求忠实原著，追求完美。

    托斯卡尼尼早年主修大提琴，在1886年一次偶然机会中，他临时代理指挥演出歌剧《阿依达》获得成功，展示了过目不忘的本领，从此专职指挥生涯近七十年。1898年被世界闻名的米兰斯卡拉剧院聘为首席指挥。

    1928年侨居美国，1937年接掌美国全国广播公司乐团(NBCSymphony Orchestra)，并透过广播成为家喻户晓的音乐家，期间录制了大量管弦乐及歌剧代表作，被视为20世纪伟大指挥家之一，世界十大指挥家之首，是现实主义指挥学派的奠基人。

    托斯卡尼尼是著名的反法西斯人士，1922年墨索里尼的法西斯政权巩固之后，他多次拒绝演奏法西斯国歌Giovinezza，受到法西斯党羽的责难和滋扰，行踪受到监视，护照更曾被没收，促使他在1937年离开意大利。1957年1月16日，托斯卡尼尼度过了近70年的音乐生涯后，逝世于美国纽约里沃代尔的家中，只差三个月就享年90岁。

    指挥艺术：

    托斯卡尼尼的指挥风格主要是严谨、精湛、精确、质朴和热情。他的指挥棒技巧说来并不十分高超，但他却以一种特殊的魅力和手势引导着乐队，这些手势既简洁又洗练，非常富有表现力，在音乐内容需要时，它既能表达变化细微的表情，又能体现出激烈热情的戏剧性效果。

    由于他对作曲家的作品有着精确的理解，因此他的演释就总使人感到恰到好处，这也正像朱塞佩·塔罗齐在托斯卡尼尼的传记中所说得那样“托斯卡尼尼的伟大就在于他能极其忠实地把原作的意境传达给听众，既不添枝加叶，也不偷工减料”。

    他的指挥艺术在世界乐坛上影响极大，到本世纪60年代为止，一直占有绝对的统治地位。他是从瓦格纳浪漫主义指挥学派向强调客观性的现实主义指挥学派过渡的奠基人。他竭力主张总谱是指挥家唯一的遵循原则，应最大限度地忠实于原谱，最大限度地表现原谱。他的指挥特点以感情浩瀚、壮阔及风格多样而著称。

    名盘小鉴：

    专辑名：贝多芬第九交响曲Beethoven – Symphony No.9

    乐团：NBC交响乐团

    指挥：阿图罗·托斯卡尼尼

    本专辑为阿图罗堠斯卡尼尼1950年与NBC交响乐团在卡内基音乐厅录制的，并动用了享誉专业录音界的UV22数字编码技术，对母带进行重制，将分辨率提升至20bit,使音质更佳，与以往版本截然不同。音响更接近于大师指挥棒下所应有的不可思议的明亮饱满，展现出分明的层次、宏伟的结构，风格热情而不失理性。

    二、布鲁诺·瓦尔特（Bruno Walter，1876~1962）

    生平与成就：

    布努诺·瓦尔特（Bruno Walter，1876年9月15日－1962年2月17日），他出生于德国柏林一个犹太家庭，原名布鲁诺·施莱辛格（Bruno Schlesinger）。8岁即开始在柏林学习音乐，以“小莫扎特”见称。12?岁在一次学生演出中与柏林爱乐乐团合作演出贝多芬《第二钢琴协奏曲》第一乐章。后受汉斯·冯·彪罗（Hans von Bülow 1830-1894）影响，立志做指挥家。

    16?岁作为学生指挥柏林爱乐乐团演出自己的《平静的海与顺利的航行》（Meeresstille und glückliche Fahrt?合唱团与乐队）。1894年3月21日他以歌剧指挥身份在科隆歌剧院首次登台（先为人声教练），指挥罗尔津（Gustav Albert Lortzing 1801-1851）《军械士》（DerWaffenschmied）。同年秋季他在汉堡歌剧院结识马勒（Gustav Mahler 1860-1911）（第一歌剧指挥），先为合唱指挥，后为歌剧指挥。

    指挥艺术：

    他反对指挥夸张的体态活动和指挥动作。他指挥时好像不是依靠双手的动作，而是通过眼神和面部表情来协调整个乐队。他很重视乐队队员的情绪，并善于发现他们每个人的表演才能，从而充分调动每个演奏员的积极性。瓦尔特不仅坚持不懈地追求理想的音响，而且他有办法使乐队奏出他所追求的理想音响。

    作为二十世纪德国最伟大的指挥家之一，瓦尔特把音符凿刻得极为美妙。在他早期录音中，他将管弦乐各声部处理得层次分明且富于歌唱性。到50年代中期后他的演绎风格发生了一些变化，在内敛、典雅、流畅、松弛、舒缓、细腻和富有亲和力的整体外观下使音流在运动过程中折射出不同的表情、色调、气质和质感，在保持整体性前提下使不同乐句（段）自然形成各自的音响内核与和声效果。他对音乐的诠释具有持久的说服力和感染力。他擅长指挥莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯、瓦格纳、布鲁克纳和马勒的作品。

    名盘小鉴：

    专辑名：贝多芬第四、第六“田园”交响曲Beethoven Symphonies No.4 & No.6 “Pastorale”

    指挥：布鲁诺瓦尔特

    布鲁诺·瓦尔特对贝多芬“田园”交响曲的演绎，是本世纪指挥家中的传奇，而他也一向对这部作品情有独钟，早在78转的录音时代，他就传有两版。其中1960年的录音被欧美乐评视为他指挥艺术的巅峰之作。在此片中，他驱使一腔热血，驾驭手下的哥伦比亚交响乐团，展现出最具人文关怀和人性的演出，没有激昂，没有矫作，只是想尽办法把音乐中属于人的一面，尽情宣泄。此版被评为TAS发烧名片、企鹅三星带花版本。

    三、列奥波尔德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowsky，1882~1977）

    生平与成就：

    列奥波尔德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowsky，1882~1977），英国指挥家，古典音乐改编家。斯托科夫斯基对自己的身世三缄其口，现在已知，他出生于伦敦并且以他的祖父列奥波尔德之名受洗。他学于牛津皇后学院、伦敦皇家音乐学院，后去巴黎及慕尼黑深造。

    1905年去美国，任圣巴索洛缪教堂管风琴手及圣咏团乐长；1909年～1912年任辛辛那提交响乐团指挥；1912年～1938年任费城交响乐团指挥；后来又在美国青年交响乐团、纽约爱乐乐团、休斯顿交响乐团等担任指挥，成了20世纪一位成功的指挥家，虽然饱受争议。1940年担任迪斯尼的《幻想曲》(Fantasia)音乐指挥及演员，该片将音乐和动画结合在一起。

    指挥艺术：

    斯托科夫斯基的指挥风格豪华壮丽，对比强烈，充分发挥了乐队的表现力。他是一位不拘一格、勇于革新的指挥家。他在费城交响乐团任职期间，曾提出过一系列改进措施，对乐队的排列进行了多次试验，最后打破了传统乐队的排列方法，把全部小提琴手都排列在右边。直到今天，有许多乐队还沿用他那独特的排列方法。他指挥时特别强调指挥者与演奏者之间的内心交流。他认为如果没有内心交流，指挥者就只不过是一个击拍者而已。他对新鲜事物很敏感，他向美国人民介绍了许多现代作曲家的。

    名盘小鉴：

    专辑名称：Rhapsodies?狂想曲

    指挥：列奥波尔德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）

    发行公司：RCA

    发行时间：1960 / 1961

    该专辑录音晶莹剔透，同时又具良好的音场、庞大的气势和优秀的录音质量，完美地再现了音乐。而首首精美的乐曲，更使你充分领略到音乐美的冲击。

    四、威尔海尔姆·富尔特温格勒（Wilhelm Furtwangler，1886~1954）

    生平与成就：

    威尔海尔姆·富尔特文格勒（Wilhelm Furtwangler,1886-1954），德国指挥家。八岁开始学音乐，上小学时即显露出其非凡的音乐天才。起初在朱里赫与斯特拉斯堡任指挥，后历经柳伯克、曼海姆等地，1920年应聘为柏林爱乐乐团指挥。曾于1926-1928年指挥纽约爱乐乐团，归国后任莱比锡格万特豪斯乐队指挥，同时到德国各城市及维也纳、巴黎、伦敦等地巡回演出，所到之处，观众们无不欢声雷动，他由此而名震全球。1937年成为柏林国立歌剧院音乐总指导、柏林爱乐乐团指挥和德国纳粹政府的音乐顾问，因此，第二次世界大战后曾被误作战犯。1947年他终于被宣判无罪，才重新开始演出。

    指挥艺术：

    富尔特文格勒一登上指挥台，就处于一种忘我状态，时而吟唱，时而面目动情，时而踏足，时而闭上双眼……乐队成员也会情不自禁地与他一同作出反应。他的指挥富有催眠术般的魔力，听他指挥演出时，听众好像看不到乐队，而会全神贯注到令人迷醉的音乐中。在指挥旋律时，他不赞成有棱有角地拍击，认为那样会破坏旋律的流畅性。在他的指挥中始终保留着瓦格纳浪漫主义指挥学派的主观因素，因此他属于典型的浪漫主义学派指挥家。他指挥的曲目广泛，气势雄厚，是德国优秀指挥家中具有代表性的一位。

    名盘小鉴：

    专辑名称:?贝多芬：交响曲全集Beethoven：Symphonies

    乐团：维也纳爱乐乐团

    指挥:?富特文格勒

    这套贝多芬交响曲全集是单声道录音的经典，无论专业人士还是非专业的，都必听的。除了第二和第八是1948年的伦敦现场录音，还有第九是1951年的拜鲁伊特音乐节的现场录音。其余的都是在金色大厅录制的。音效极佳，这套的价值就在于他的历史性和记录了富特文格勒的指挥艺术。

    五、尤金·奥曼迪（Eugene Ormandy，1899~1985）

    生平与成就：

    尤金·奥曼迪是一位才气横溢的人物。他于1899年11月18日出生在布达佩斯。三岁时就开始拉小提琴，五岁半进布达佩斯国立音乐学院预科学习。他的小提琴演奏技艺进展神速，十四岁半毕业于音乐学院，荣获文学士学位，十七岁成了布达佩斯国立音乐学院的小提琴教授。

    指挥艺术：

    奥曼迪对乐谱的吸收解读相当快速，常背谱演出，且不使用指挥棒。不论是音乐或个人风格上，他都展现了卓越的风格及领导风范，并有着相当礼貌的出场表现(和他的偶像托斯卡尼尼一般)。

    曾有受他指挥的乐手赞赏：“他并不像有的指挥家那样，他并不试着去指挥每一个音符。”在奥曼迪的带领下，费城管弦乐团自斯托可夫斯基时期建立的那饱满、圆润的音色──尤其弦乐部份──更加成熟，并成为此乐团标志性的特色。奥曼迪本人的指挥亦以丰富的声响效果著称，但也有评论认为他缺乏个人突出的风格。

    名盘小鉴：

    专辑名:?柴可夫斯基?&?普罗科菲耶夫：第四交响曲&?古典交响曲Tchaikovsky & Prokofiev: Symphony No 4 & Classical Symphony

    指挥：尤金攠曼迪

    柴可夫斯基第四交响曲，创作于1877年，是柴科夫斯基获得国际声誉的第一部交响曲。当时，草率的结婚和快速的夫妻分居使作者受到了极大的打击，乐曲正是表现了他痛苦的心情和对幸福的渴望。本曲为柴科夫斯基交响曲当中最富变化、最热情的乐曲，具有明显清楚的叙述内容，采用纯音乐的形式，却有标题音乐的实质，此处所表现的是苦恼彷徨的众生相，以及威逼、胁迫人类的命运魔掌，使听者产生一种凄怆之感。

    六、赫伯特·冯·卡拉扬（HerbertVon Karajan，1908~1989）

    生平与成就：

    赫伯特·冯·卡拉扬（德语：Herbertvon Karajan，1908年4月5日－1989年7月16日），出生于萨尔茨堡，是一位奥地利指挥家、键盘乐器演奏家和导演。卡拉扬在指挥舞台上活跃70年。他带领过欧洲众多顶尖的乐团，并且曾和柏林爱乐乐团有过长达34年的合作关系。

    他热衷于录音和导演，为后人留下了大量的音像资料（到1988年为止他发行超过1亿张唱片约700款录音），包括众多的钢管，歌剧录音和歌剧电影，涵括从巴洛克，到后浪漫主义欧洲作曲家，甚至部分现代乐派的作品。其中一些作品，如贝多芬的交响曲还被多次录制。卡拉扬在音乐界享有盛誉，甚至在中文领域被人称为“指挥帝王”

    指挥艺术：

    卡拉扬力图将托斯卡尼尼的忠于原谱和富特文格勒的即兴发挥融为一体。他的指挥动作洒脱大方，时而充满激情，时而又细腻精致。在指挥台上他经常闭目深思，使得乐队各声部之间达到了演奏室内乐般的默契。在他的领导下，柏林爱乐乐团展现出了一种有如金属般的亮色，被誉为卡拉扬“音响”。

    卡拉扬最擅长的是浪漫主义时期的德奥作曲家的作品，如：贝多芬、勃拉姆斯、门德尔松、舒曼、瓦格纳、布鲁克纳、马勒、理查·施特劳斯。另外，对于近现代作曲家，如：德彪西、拉威尔、西贝柳斯、尼尔森、肖斯塔科维奇，他都有着非常精彩的演绎。

    名盘小鉴：

    专辑名：布鲁克纳：第八交响曲

    演奏：维也纳爱乐

    指挥：卡拉扬

    这套唱片是卡拉扬最为精彩、杰出的录音之一，代表着卡拉扬80年代指挥艺术的高峰。而且，在所有同曲的唱片中（包括卡拉扬1959年的EMI版、1976年的DG版），这套唱片也处于无与伦比的地位。可以说，它是卡拉扬所录的唱片中，也是布鲁克纳的《第八交响曲》这一曲目上必收的唱片。

    七、雷昂纳德·伯恩斯坦（Leonarel Bernstein，1918~1990

  • 黑胶唱片简史

    ?提起黑胶唱片（LP），头脑中往往闪现出一幅幅泛黄的老照片，伴随着“咿咿呀呀”富于韵律的甜润歌声，画面从欧洲洛可可式客厅舞会变换到民国大上海十里洋场的灯红酒绿，再到躺在摇椅中聆听着黑胶唱片入睡的老者。必须承认，黑胶唱片是一个时代的标记，愉悦着几代人（包括当代人），寄托着几代人的情感起伏。在数字技术的冲击下，黑胶显得举步维艰，但它难以替代的独特音声味道始终让人留恋不已。让我们坐上时光机，简要回溯一下黑胶唱片的发展历史吧。

    何为黑胶唱片？

    黑胶唱片又称LP（long play），它利用唱盘的转动，让唱针能够拾到模拟的电流信号。黑胶唱片是真正的模拟信号源，在刻制的过程中，通过电磁转换来实现。我们用高倍数的放大镜，可以看到黑胶纹路是无数个凹凸不平的小坑，当唱头在这个轨迹上拾音，就是实现磁电变换的过程。黑胶完全遵从振动产生声音的原理，所以黑胶的声音是最接近原声的，且几乎没有损耗。

    黑胶唱片大致分为普通唱片（78转单声道）和密纹唱片（45转双声道或33 1/3转双声道），其中78转单声道这类型的唱片由于唱针粗糙，严重划伤唱片，现已很少用。唱片也有重量之分，一般有80g、100g、120g、180g、200g等几种，唱片越重，声音越稳重。

     

    RCA Victor唱片

    1930年，RCA Victor出产了第一批用作商业用途的黑胶唱片。它们的直径为12英寸，能够有每分钟33转的回放。当时更常用的唱片材料是虫胶，但用乙烯基（黑胶唱片主要材料）做出来的唱片有更好的音质。不过，黑胶唱片在那时候还不是很普及，因为能播放黑胶唱片的设备对于大部分人来说太昂贵了，尤其是在大萧条时代。

     

    哥伦比亚唱片

    在二战期间，虫胶变得稀有，唱片公司开始大量用塑料胶片生产唱片。最常见的产品是12英寸唱片，每一面能放6分钟，每分钟78转。这些只能短时间播放的唱片被海运到部队里去，为士兵们提供流行音乐。战后，哥伦比亚唱片继续在播放设备上进行研究和开发，在1948 年，他们发行了每分钟33 1/3转的12英寸的LP（Long Play）。

    细碟（EP）

    作为对哥伦比亚进军黑胶唱片市场的回应，RCA Victor推出了一种新的短时间播放格式，7英寸的细碟(EP)。这些袖珍的唱片每分钟能4转，它们是长单曲的最佳载体。但由于适用面窄，很快就在市场上消失了。至于LP，则成为了专辑唱片的标准格式，因为它们每一面能够放30分钟的音乐。

     

    技术革新

    1957 年，立体声录音开始应用在LP上。1968年，传统的单声道录音淡出市场（单声道录音只依靠一条声道在扩音器里储存声音）。在20世纪70年代，唱片工业发行四声道录制的黑胶唱片，尝试与当时流行的四声道和八轨磁带竞争。四声道录制利用了四条声道去记录、并把声音向听众周围的四个角落回放。尽管四声道的黑胶能提供更好的听觉享受，但这些唱片并没有享受到商业上的成功，因为唱片有三种不同的格式，并且只能在各自的唱片机上播放。

     

    外观革新

    1980年代后期，黑胶唱片的颜色已不再局限于黑色，可以是白色、橙色、透明、萤光色，甚至可以把歌手的样貌印制在唱片里，不过成本比较高。

    唱片封套也越来越讲究，几乎媲美艺术作品。如果你喜爱艺术，你可以把家里黑胶唱片中最美的封套装裱起来，挂在听音室最合适的位置上，瞬间就能增添听音室的艺术气息。

     

    黑胶唱片的衰落

    20世纪80年代，CD唱片大行其道，大幅度地降低了黑胶的受欢迎程度。相比起CD唱片，黑胶唱片使用起来没那么方便，而且也很容易受损，设备受到一点震动，就可能会引起跳针，从而损害到黑胶唱片表面精细的螺旋槽。商业社会的买卖规律、CD唱片惊人的利润和消费者的快接受性、可负担性等等都促使黑胶唱片走向衰落。

     

    黑胶唱片的春天

    纵然如此，黑胶爱好者依然痴迷于它，独特的模拟味、音乐味，是发烧友的挚爱。黑胶唱片逃过一劫。

    在中国，从1994年开始，黑胶市场慢慢复苏。而当下，在这个音乐消费逐渐成为一种浮躁的快餐文化时，黑胶唱片厚重而典雅的音乐质感，让人如穿越时空一般体味到一种独特的优雅。在北京、广州、上海等地，收藏黑胶唱片已渐成时尚，香港、台湾及日本、韩国、新加坡的发烧友也常常到中国淘唱片。一些十几年的珍本，常常有市无价。

    在欧洲，以英国为例，根据英国唱片业协会统计，在2013年唱片业不景气的情况下，黑胶唱片销售逆势上扬，达到几十年来的最高水平，且主要购买力来自30岁以上的人群，令人惊叹。在美国，黑胶唱片的发行量逐年上升，2013的销售额更是比2012年暴增37%。随着欧美“北极猴”、“杀手乐队”这样的独立摇滚乐队出现后，一大批年轻粉丝也逐渐成为黑胶唱片的拥趸。

    然而，现实情况并不乐观，由于新唱片的音乐源太少，加上厂商侧重生产重量较重的高档唱片，黑胶唱片价格偏高。在市场上，200g唱片的售价一般是250块钱，如果是经典版本的黑胶，一般为500块钱或者更高。上述因素使得黑胶市场更加雪上加霜。如果厂商能多生产一些廉价的优秀唱片和唱机，哪怕质量相对较次些，让大量对黑胶感兴趣的朋友尝尝黑胶的味道，进而爱上黑胶，促进市场的普及，这才是黑胶唱片的春天。

     

  • 观点 | 提起黑胶唱片“LP”，头脑中往往闪现出一幅幅泛黄的老照片

    观点 | 提起黑胶唱片“LP”，头脑中往往闪现出一幅幅泛黄的老照片

    提起黑胶唱片（LP），头脑中往往闪现出一幅幅泛黄的老照片，伴随着“咿咿呀呀”富于韵律的甜润歌声，画面从欧洲洛可可式客厅舞会变换到民国大上海十里洋场的灯红酒绿，再到躺在摇椅中聆听着黑胶唱片入睡的老者。必须承认，黑胶唱片是一个时代的标记，愉悦着几代人（包括当代人），寄托着几代人的情感起伏。在数字技术的冲击下，黑胶显得举步维艰，但它难以替代的独特音声味道始终让人留恋不已。让我们坐上时光机，简要回溯一下黑胶唱片的发展历史吧。

    何为黑胶唱片？

    黑胶唱片又称LP（long play），它利用唱盘的转动，让唱针能够拾到模拟的电流信号。黑胶唱片是真正的模拟信号源，在刻制的过程中，通过电磁转换来实现。我们用高倍数的放大镜，可以看到黑胶纹路是无数个凹凸不平的小坑，当唱头在这个轨迹上拾音，就是实现磁电变换的过程。黑胶完全遵从振动产生声音的原理，所以黑胶的声音是最接近原声的，且几乎没有损耗。

    黑胶唱片大致分为普通唱片（78转单声道）和密纹唱片（45转双声道或33 1/3转双声道），其中78转单声道这类型的唱片由于唱针粗糙，严重划伤唱片，现已很少用。唱片也有重量之分，一般有80g、100g、120g、180g、200g等几种，唱片越重，声音越稳重。

    RCA Victor唱片

    1930年，RCA Victor出产了第一批用作商业用途的黑胶唱片。它们的直径为12英寸，能够有每分钟33转的回放。当时更常用的唱片材料是虫胶，但用乙烯基（黑胶唱片主要材料）做出来的唱片有更好的音质。不过，黑胶唱片在那时候还不是很普及，因为能播放黑胶唱片的设备对于大部分人来说太昂贵了，尤其是在大萧条时代。

    哥伦比亚唱片

    在二战期间，虫胶变得稀有，唱片公司开始大量用塑料胶片生产唱片。最常见的产品是12英寸唱片，每一面能放6分钟，每分钟78转。这些只能短时间播放的唱片被海运到部队里去，为士兵们提供流行音乐。战后，哥伦比亚唱片继续在播放设备上进行研究和开发，在1948 年，他们发行了每分钟33 1/3转的12英寸的LP（Long Play）。

    细碟（EP）

    作为对哥伦比亚进军黑胶唱片市场的回应，RCA Victor推出了一种新的短时间播放格式，7英寸的细碟(EP)。这些袖珍的唱片每分钟能4转，它们是长单曲的最佳载体。但由于适用面窄，很快就在市场上消失了。至于LP，则成为了专辑唱片的标准格式，因为它们每一面能够放30分钟的音乐。

    技术革新

    1957 年，立体声录音开始应用在LP上。1968年，传统的单声道录音淡出市场（单声道录音只依靠一条声道在扩音器里储存声音）。在20世纪70年代，唱片工业发行四声道录制的黑胶唱片，尝试与当时流行的四声道和八轨磁带竞争。四声道录制利用了四条声道去记录、并把声音向听众周围的四个角落回放。尽管四声道的黑胶能提供更好的听觉享受，但这些唱片并没有享受到商业上的成功，因为唱片有三种不同的格式，并且只能在各自的唱片机上播放。

    外观革新

    1980年代后期，黑胶唱片的颜色已不再局限于黑色，可以是白色、橙色、透明、萤光色，甚至可以把歌手的样貌印制在唱片里，不过成本比较高。

    唱片封套也越来越讲究，几乎媲美艺术作品。如果你喜爱艺术，你可以把家里黑胶唱片中最美的封套装裱起来，挂在听音室最合适的位置上，瞬间就能增添听音室的艺术气息。

    黑胶唱片的衰落

    20世纪80年代，CD唱片大行其道，大幅度地降低了黑胶的受欢迎程度。相比起CD唱片，黑胶唱片使用起来没那么方便，而且也很容易受损，设备受到一点震动，就可能会引起跳针，从而损害到黑胶唱片表面精细的螺旋槽。商业社会的买卖规律、CD唱片惊人的利润和消费者的快接受性、可负担性等等都促使黑胶唱片走向衰落。

    黑胶唱片的春天

    纵然如此，黑胶爱好者依然痴迷于它，独特的模拟味、音乐味，是发烧友的挚爱。黑胶唱片逃过一劫。

    在中国，从1994年开始，黑胶市场慢慢复苏。而当下，在这个音乐消费逐渐成为一种浮躁的快餐文化时，黑胶唱片厚重而典雅的音乐质感，让人如穿越时空一般体味到一种独特的优雅。在北京、广州、上海等地，收藏黑胶唱片已渐成时尚，香港、台湾及日本、韩国、新加坡的发烧友也常常到中国淘唱片。一些十几年的珍本，常常有市无价。

    在欧洲，以英国为例，根据英国唱片业协会统计，在2013年唱片业不景气的情况下，黑胶唱片销售逆势上扬，达到几十年来的最高水平，且主要购买力来自30岁以上的人群，令人惊叹。在美国，黑胶唱片的发行量逐年上升，2013的销售额更是比2012年暴增37%。随着欧美“北极猴”、“杀手乐队”这样的独立摇滚乐队出现后，一大批年轻粉丝也逐渐成为黑胶唱片的拥趸。

    然而，现实情况并不乐观，由于新唱片的音乐源太少，加上厂商侧重生产重量较重的高档唱片，黑胶唱片价格偏高。在市场上，200g唱片的售价一般是250块钱，如果是经典版本的黑胶，一般为500块钱或者更高。上述因素使得黑胶市场更加雪上加霜。如果厂商能多生产一些廉价的优秀唱片和唱机，哪怕质量相对较次些，让大量对黑胶感兴趣的朋友尝尝黑胶的味道，进而爱上黑胶，促进市场的普及，这才是黑胶唱片的春天。

  • 摇滚史上颇具影响力的音乐节

    摇滚史上颇具影响力的音乐节

    摇滚乐起源于1940年代的美国，在1950年代早期开始流行，并迅速风靡全球。

    摇滚乐的力量已经远远超出了一种音乐形式，它影响了一代甚至几代人的生活方式、时尚品味、处世态度。它用它的方式影响了并仍在影响着世界。

    摇滚音乐节是摇滚的舞台，早期伍德斯托克音乐节的盛况，让无数人迷狂。下面就带着你摇滚的心，跟随小编一起去游赏一下摇滚史上最具影响力的摇滚音乐节吧！

    第一站，蒙特里国际流行音乐节

    1967年6月16日至18日，美国加利福尼亚的蒙特里举办了世界上第一个大型摇滚音乐节。主办者的创办思想是筹集用于慈善活动的善款，演出名单上包括感恩而死乐队、杰佛逊飞机乐队，从英国赶来的谁人乐队以及在蒙特里音乐节开始扬名四方的吉米．亨德里克斯。这场以“博爱”为主题的音乐节聚集了大约5万名摇滚乐迷，出现了空前的盛况。它展示出的摇滚乐的力量令世人震惊，当时音乐节里某些乐队的演出还被拍成电影的若干花絮。蒙特里国际流行音乐节也由此成为众多摇滚音乐节的根源。蒙特里音乐节是第一个以摇滚乐为主流的音乐节，它作为一种趋势开始发展、蔓延。

     

    第二站，伍德斯托克音乐节

    第一届伍德斯托克音乐节由4个名不见经传的年轻投资者举办，为了顺应美国民众反战的情绪采用“和平与音乐”作为主题。在举办者的精心策划下，纽约、华盛顿、波士顿等大城市的报刊、杂志都刊登了音乐节的广告，宣称“在伍德斯托克能找到真正的自由”。1969年8月15日，首届伍德斯托克音乐节在美国纽约附近的贝塞尔开幕，吸引了数十万名嬉皮士。恶劣的天气和拥挤的人群使现场变成一场盛大的嬉皮聚会，充满叛逆、向往理想与自由的嬉皮精神在这里得到了真正的体现。当时，两场意外的特大暴雨好像是一个天意，给疯狂的年轻人更多发挥的空间和表演的道具。他们脱光了衣服或穿着长裙西服跃进了泥水里，拥抱自己和同伴们的激情与青春。45万双狂舞的脚，将音乐会现场踏成了片泥沼。首届伍德斯托克音乐节的狂欢一直持续到1969年8月18日清晨，它最终成为60年代嬉皮运动象征的标志之一。

    伍德斯托克音乐节于1994年、1996年、1999年继续举行了三届，但口碑都远远逊于1969年的首届音乐节。

     

    第三站，瑞丁摇滚音乐节

    瑞丁摇滚音乐节是英国历史最悠久、影响力最广泛的音乐节之一，历史最早可以追溯到1960年，那时音乐节主要邀请爵士及布鲁斯音乐家，但从1963年起，滚石、谁人及奶油乐队开始相续在音乐节上露面。瑞丁音乐节每年一届，于8月份举行，为期3天。1971年，主办者将音乐节举办地点永久确定为英国瑞丁市的里斯费尔德广场。1984年及1985年，由于政府征用场地，音乐节被迫停办了两届。进入90年代后，瑞丁音乐节的影响力持续增长，越来越多的摇滚音乐人汇集到这个距离伦敦仅有40公里的小城市里来。

     

     

    第四站，格拉斯顿伯里音乐节

    世界上规模最大的露天音乐节，位于英国阿瓦隆岛。农场主迈克尔．艾维斯与吉恩．艾维斯于1970年创办。首届格拉斯顿伯里音乐节为期两天，1500名到场歌迷在第二年急剧扩张到12000人，主办者开始销售少量门票，并以手脚架搭建起标志性的金子塔形舞台。70年代，格拉斯顿伯里音乐节的主题以嬉皮文化为主，进入80年代后，它吸聚了更广泛的文化内涵，规模也急剧膨胀起来。格拉斯顿伯里音乐节在90年代初期经历过短暂的混乱和暴力，但是在30年的历史中，它始终呈现出一种积极、热情的状态，其独特的音乐氛围深得摇滚乐迷的喜爱。

     

     

    第五站，奥兹音乐节

    Ozzfest由重金属音乐的“教父”、BLACKSABBATH（黑色安息日）的主唱Ozzy Osbourne（奥兹·奥斯本）于1996年创办，是世界上规模最大、影响最广的重金属音乐节之一。

    1996年，在Ozzy的召唤下，当时硕果仅存的几支重金属乐队纷纷在Ozzfest上亮相，它们既包括SLAYER、DANZIG、SEPULTURA这样的老将，也包括了当时的新晋乐队、FEAR FACTORY、POWERMAN 5000、COAL CHAMBER等，在当时重金属正处于百废待兴的情况下，Ozzfest的出现对重金属音乐而言无疑是一剂强心针。首届Ozzfest的成功让Ozzy夫妇信心百倍，于是在1997年的第二届Ozzfest上，PANTERA、MACHINE HEAD也加盟其中，伟大的BLACK SABBATH更是以原始阵容重组后在该次Ozzfest上亮相，自此，Ozzfest顺理成章地成为了美国乃至全球规模最大的重金属音乐节之一。

     

     

    第六站，罗斯基勒摇滚音乐节

    丹麦罗斯基勒音乐节（RoskildeFestival）始于1971年，最初的名字为“罗斯基勒音响节”（Sound Festival, Roskilde），是由摩根斯-斯坦弗和雅斯波-斯维泽-穆勒及音乐推广人卡尔-费舍尔受著名的美国伍德斯托克音乐节（Woodstock Festival）的启发而共同发起创立的。罗斯基勒音乐节每年都固定在丹麦城市罗斯基勒的一个大牧场举行。经过40年的发展，罗斯基勒音乐节现今已成为为期4天的、拥有7座演出舞台，百余场音乐演出，日接待观众能力达9万余人的、当今北欧规模最大的夏季户外音乐节，也是当今欧洲、乃至世界上最有影响的音乐节之一。

    音乐节音乐演出的则涵盖了摇滚，民摇，电子，说唱，流行，爵士，世界音乐等多种音乐类型，体现出音乐上的包容性，以满足不同音乐欣赏口味的乐迷的需求。

    第七站，瓦肯露天音乐节

     

    Wacken Open Air (简称WOA)是德国非常受欢迎的音乐节，以有大量不同风格的极端金属和重金属乐队的参与著称。音乐节每年在德国北部Schleswig-Holstein的Wacken小镇举行。

    该音乐节的在1990年首次举行，当时只作为德国当地乐队的小聚会。1998年后，该聚会变成了欧洲金属一年一度的大型音乐节，也是世界上最重要的音乐节之一，包括来自欧洲、北美以及澳大利亚等国逾70支乐队参与。

    到目前，Wacken Open Air属于全球最大的摇滚音乐节之一，一年一度在德国北部小镇Wacken举行，时长一般为三天，在每年的7月至8月的某三天，演出形式为露天表演；wacken音乐节不同于其他形式的摇滚音乐节，wacken是历史上真正意义的金属音乐节；每次音乐节期间有夜晚的篝火，点燃整个小镇，夜里有乐队演出，有彻夜狂欢的歌迷，帐篷随处可见，它是真正意义上的音乐和快乐的融合。

     

    第八站，Rock am Ring和Rock im Park

     

    Rock am Ring和Rock im Park音乐节是每年在德国同时举办的两个摇滚音乐节。所有音乐人在三天音乐节里，一天是在纽伯格林由Rock am Ring表演，另一天是在纽伦堡由Rock im Park表演。Rock im Park和Rock am Ring一起是德国最大的音乐节盛会，在2007年共有超过15万人参观者，成为全世界最大音乐节之一，这音乐会的门票也首次提前售罄一空。

     

    越来越多的年轻人被摇滚的魅力所吸引，投身到摇滚大潮之中。他们孜孜不倦地挖掘各种电声乐器潜在的声效和表现力，饶有兴味地将所有可能拼接在一起的声音融会在一起。摇滚的灵魂存在于每个热爱摇滚人的心中。

  • 古典音乐各时期的风格与特点

    关于人类社会音乐的起源可以追溯到非常古老的洪荒时代。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。

    古典音乐概述

    古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1820年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这就是狭义的古典音乐。

    从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、亨德尔，乃至更早的天主教、基督教的宗教音乐，向后延伸到浪漫主义、民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。

    但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典”（classic）的不同。

    各时期音乐风格及特点

    中世纪时期（MedievalPeriod）（1450年前）

    中世纪是欧洲历史上自西罗马帝国灭亡（公元476年）到东罗马帝国灭亡（公元1453年）的这段时期。其中，占主导地位的是宗教音乐。当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，

    但是，从音乐的全部理论到记谱法，从合唱、合奏到键盘乐器的兴起及教学，无一不是与中世纪的教会休戚相关的。今天的交响乐和歌剧虽然在内容上绝大部分是描写世俗的，但它们与中世纪的教会也有着千丝万缕的联系。

    以教皇格里高利一世命名的天主教礼仪式音乐，称为格里高利圣咏（gregorian chant），因其表情肃穆、风格朴素亦称为素歌（plainsong）。应该说它是西方专业音乐历史的源头，它不仅仅具有宗教文化的职能，而且孕育出专业音乐的萌芽，不了解格里高利圣咏的艺术传统，就不能完全弄清音乐史的发展。

    格里高利圣咏

    中世纪的世俗音乐所包含的内容就更为广泛，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出，宗教剧就是这样的例子，而后有更完整的发展，成为神剧。演奏、演唱世俗音乐的人还有特殊的名称，后人都称之为游吟诗人，后来继续发展成更多元化的音乐走向，吟唱诗人的题材主要是宫廷生活和骑士的爱情。

    中世纪时期的吟游诗人

    文艺复兴（约为公元1450-1600）

    恩格斯曾高度评价“文艺复兴”在历史上的进步作用。他写道：“这是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革，是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。”这里巨人指文艺复兴三巨人：达芬奇、莎士比亚、但丁。除此之外，还涌现了许多伟大的文物，包括我们熟知的作家作家薄伽丘，画家达·芬奇、拉斐尔；雕刻家米开朗基罗；音乐家：帕莱斯特里那、拉索等等。

    文艺复兴三巨人：莎士比亚、达芬奇、但丁

    继文学、美术等文艺形式之后，音乐也进入了“复兴”时期。这一时期的音乐，世俗音乐越来越占有更加重要的地位。音乐作品中对于人的内心世界以及自然美的描写变得十分突出，以此形成了全新的音乐风格，并产生了众多的器乐体裁和歌剧形式。一些富有个性的作曲家如帕勒斯蒂里那、拉索、兰迪诺、杜法伊和蒙特威尔第等人进行着卓越的音乐活动。他们的创作充满着新音乐的倾向，具有重要的开拓意义。在这个时期里，音乐艺术是全面发展的。在伊丽莎白时代，其主要的代表作是莫利（Morler）的《实用音乐人门》（Plain and EasieIntroduction to Practical Musicke，1597）,就某些方面而言，这本书可以说是那个时代的缩影。

    文艺复兴时期音乐发展的主要特点：

    1. 由于北方各国的音乐家移居意大利，南北音乐传统得以融汇一起，带来了音乐机构和理论认识的稳定发展与改革；
    2. 该时期音乐的特征就是冲破了中世纪的约束，获得了多方面的“解放”，这些约束中包括诗体格式（formes fixes）、节奏模式、等节奏（isorhythm）、定旋律原则和毕达哥拉斯律制；
    3. 对中世纪美学思想的批评；
    4. 摆脱了旧的调式体系以及和声的发展-使用伪音（musica ficta）、引入半音体系和转调；
    5. 多声部音乐在概念上由“交替进行”向“同时进行”过渡；
    6. 乐音范围的扩大；
    7. 音乐表现力的提高以及词曲之间新的结合关系；
    8. 声乐、器乐表演艺术的进步；
    9. 器乐独立性的加强；
    10. 音乐家们表现出对于权威和经典的蔑视。

    巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750）

    代表性人物：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫

    巴洛克时代（1600-1750）在西方音乐史乃至整个艺术史上都是一个十分重要的时代。在这150年的历史中，欧洲资本主义生产关系不断成熟，文艺复兴带来的人文主义思想正在各个领域中向封建主义和宗教迷信发起强大冲击，科学、艺术、政治领域中涌现出了一大批杰出的伟人，形成了类似中国春秋时代的百家争鸣的局面，推动着欧洲社会从中世纪全面走向近代。

    巴洛克时期的音乐一改文艺复兴时期的简单朴素，变得浮华、复杂，富有感性的吸引力。这一时期崇尚的美学观点是“情感论”，即音乐（也包括其他艺术）的目的在于直接引起听众或观众特定的情感，例如自然音阶、大调式、简单的织体引起欢快的、向上的感情，而半音音阶、小调式、复杂的织体带来忧郁的、深沉的感情；大音程使人欢快，小音程使人忧伤；刺耳的和声配上急促的旋律可能引起愤怒，把几个高度独立的旋律作对位化的结合时使人固执。

    “对比”的概念也是巴洛克音乐的一大创新，作曲家们善于用节奏、旋律、调式、音色的变化和对比来引导听众们的感情。这时乐谱中开始引入速度、力度的标记，但划分并不精细，而且同一速度一般贯穿一个乐章的始终。巴洛克时期是古典音乐早期的一个重要形式，这个时期的音乐以复调音乐为主，华丽且复杂。

    古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）

    1750年7月31日，莱比锡圣约翰教堂墓地。一支不大的送葬队伍缓缓行进到这里。简短的仪式过后，一具棺木下葬了。也许一次普通的葬礼没有什么纪念意义。但这次不同的是，棺木中长眠的是伟大的约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，巴罗克复调音乐的最后一位继承者。奄奄一息的巴洛克时代随着他一起死去。

    与此同时，在维也纳一个叫约瑟夫·海顿的18岁年轻人离开了唱诗班，开始接受正规音乐教育；6年以后，一个叫沃尔夫冈·莫扎特的天才出生在萨尔茨堡。欧洲的诸侯们仍在进行大大小小的战争；法国最优秀的学者们开始编纂一部百科全书……新旧势力的对比在欧洲发生了重大的变化，一段音乐新的时期正将开启。

    古典主义时期代表：海顿、莫扎特、贝多芬

    这个时期的音乐继承了欧洲传统的复调音乐和主调音乐成就，确立了奏鸣曲、协奏曲、交响曲等重要的音乐形式，并且室内乐也在这个时期发展起来，对之后音乐的发展起到很重要的影响。古典主义时期的音乐相对来说还是比较严谨的，继承了巴洛克时代的理性，但是却更多的融入了人们的情感，在两者之中达到了统一。所以古典时期的音乐表达的内容更加丰富了，同音乐艺术完美的融合在一起。在古典音乐时期，最重要的三位代表人物是海顿、莫扎特、贝多芬。莫扎特的音乐充满着华丽感，总是带给人一种亲和力，这种亲和力来自于莫扎特为了创作音乐的纯真心态。而贝多芬相对于莫扎特来说，则经历了更多的生活困苦，以及长年病痛的缠绕。他将自己生活中的种种不幸写入音乐中去，所以贝多芬的音乐带给人们的更多的是一种愤怒、一种激情、一种与生活抗争的态度。

    这一时期音乐的整体风格特征主要表现在一下七个方面：

    1. 音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。
    2. 音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。
    3. 确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。
    4. 主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。
    5. “通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。
    6. 追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。
    7. 音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。

    浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900）

    浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。

    在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒伯特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等，就是浪漫主义音乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

    “浪漫主义的钢琴诗人”：肖邦

    肖邦，出生在华沙郊区的热拉佐瓦沃拉,在19世纪浪漫主义最繁荣时期的钢琴音乐中是独树一帜的。肖邦将一生的创作活动几乎全部倾注在钢琴音乐领域。

    夜曲与圆舞曲是肖邦创作中最富浪漫气质的体裁。特点是：悠长、典雅、伴随着大量装饰音的抒情旋律，富于明暗色彩变化的和声语言，精心雕琢的精细织体，以及由这一切所营造出来的那种情景之间高度交融的音乐境界。肖邦在圆舞曲创作方面的贡献是使这种原来的市民音乐体裁进一步艺术化、高雅化，赋予它一种前所未有的艺术气质。

    谐谑曲与叙事曲在肖邦的单章大型体裁作品中占有重要地位，它们体现了作曲家驾驭这类体裁创作的高超能力和才华。

    肖邦一生的创作，体现了一位作曲家在吸收欧洲古典音乐精华的同时所走过的突破传统、勇于创新的历程。为西方19世纪浪漫主义音乐作出了重要贡献，特别是对19世纪后半叶欧洲民族乐派的形成和发展产生了深远的影响。

    现代主义及近代时期（1900至今）

    现代音乐，也称20世纪古典音乐，是指自1900年起至今，继承欧洲古典音乐而来的一个音乐纪元，音乐门派繁多，风格多样。

    印象主义

    古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与激情的发挥。与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。

    印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐 却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，后来二十世纪音乐中的“表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。

    表现主义

    蒙克表现主义油画《呐喊》

    表现主义的音乐与旧有传统完全相反，它完全无视过去的调性规律，它反对印象主义的客观性，它认为艺术既不应该被“描写”，也不应该被“象征”，而更应该直接表现人类的精神与体验，也就是说要把作者的心灵世界、即所谓内在精神表现出来，这就是所谓的表现主义。然而，表现主义的产物往往和疯狂、绝望、恐惧与焦灼不安等病态感情所结合在一起。因此表现主义音乐的节奏难以捉摸，拍子也被无视，却具有独特的、流动的、无限发展的奇妙特色。

    新古典主义

    新古典主义在美学思潮上，不但否定浪漫主义音乐的标题性和主观性，也否定后期浪漫主义及其引伸出来的表现主义那种夸大的幻想和表现。新古典主义主张音乐创作不必去反映紊乱的社会和政治，主张采取“中立或“艺术至上”的立场；创作应该回到“古典”中去，回到“离巴赫更远的时代”去，那里有音乐的纯粹的（不混杂诗或绘画等）；作曲家应该摆脱主观性，而以冷静的客观性把古典的均整平衡的形式，用现代手法再现出来。

    序列主义

    序列主义是将音乐的各项要素（称为参数）事先按数学的排列组合编成序列，再按此规定所创作的音乐。序列音乐的技法摒弃了传统音乐的各种结构因素（如主题、乐句、乐段、音乐逻辑等），是20世纪50年代以后西方重要的作曲技法之一。序列主义在电子音乐中也得到进一步的运用，各种参数常被编成序列通过电子计算机输入到电子合成器中。

    极简主义

    二十世纪后期，许多作曲家开始探索现在称作“极简音乐”的领域。这个类型最精确的定义，常常是针对于音乐行进方面的指涉：许多乐段经常重复并且层次有序的排列起来，借此技巧制造整体性的音效。极简音乐一个与以前的音乐最不同而重要的差异，在于使用一种称作“out of phase（阶段外）”的技巧，这个技巧的细节是使用不齐拍的旋律，使两个以上的旋律主线既分开又结合。它让演奏者自行决定乐曲的细节。极简音乐家和传统聆听者之间常有争议，批评者认为这种音乐过度重复以及情感上空洞，而支持者则认为这种静态的元素在理解乐曲转进的微小变化相当有优势。即使如此，极简音乐已经造成非常广泛的影响，尤其是戈雷斯基所写的三号交响曲是90年代最畅销的古典音乐专辑。

    电子音乐

    第二次世界大战结束后不久，磁带录音机进入实用阶段，此前几无电子音乐可言，此后发展迅速（与科技发展密切相关），并与各种电子技术和美学原则挂钩。电子音乐对许多非电子音乐形式冲击甚大，今后的影响势必更大。

    电子音乐的制作，是用电子技术获得各种音源。它用正弦波造成无泛音的即所谓的纯音。或用打击乐器、嘈杂乐器发出的杂器发出的杂音，也用人声和具体音乐相结合，通过声音滤波器和反响设备，使之变形、变质、变量，再经其它电子仪器和录音技术加以剪结处理，使之再生、复合，组成作品。在50年代前期，电子音乐是经过计算后才制作的。50年代末产生的电子音乐合成器，可以直接控制音调、节奏、力度和音色，制作者选择应用电钮就能产生各种奇妙的音乐。

  • 倾听音乐，理解音乐

    倾听音乐，理解音乐

    或者我不该再提到音乐存在的意义和作用，像是在述说我们一日要吃三餐一样无趣。而且不建议用按图索骥的音乐欣赏指南去寻找，它只会让你对音乐的认知停留在肤浅的地带。我所知道就是音乐总能将我们种种喜怒哀乐的感情细流泛上心来，比起我们理解音乐，似乎音乐要更加理解我们。

    然而，如果你要更好地理解音乐，再也没有比倾听音乐更重要的了。什么也代替不了倾听音乐。我们所有的人，不管是专业人员还是非专业人员，都力求不断加深自己对这门艺术的理解。读一本书或一段文章，有时会对我们有所帮助。但什么也代替不了需要首先考虑的一个问题，即：倾听音乐。

    幸运的是，现在听音乐的条件比过去好多了。随着收音机和唱机，更不用说电视和电影，所提供的好音乐愈来愈多，差不多每个人都有机会听到音乐了。甚至来说，现在每个人都有听不懂音乐的机会了。

    我们经常有一种把正确理解音乐的困难加以夸大的倾向。音乐家经常碰到一些老实人，他们总是以这种或那种方式说：“我很喜欢音乐，可就是对音乐一窍不通。”而剧作家和小说家朋友很少听到有谁说：“我对戏剧和小说一窍不通。”非常怀疑这些在音乐方面如此谦虚的人，是否有同样多的理由对其他的艺术也表示谦虚；或者是否没有其他理由对理解音乐表示谦虚。如果你对音乐的反应能力持有自卑感，最好把它丢掉，这些自卑感常常是毫无根据的。

    无论如何，在你对“有音乐才能”的含义有所理解之前，没有理由为自己的音乐才能感到灰心丧气。关于“音乐才能”是由什么组成的，流传着许多奇怪的看法。人们常说，“他或她看了一次演出，回家后就能在钢琴上把所有曲调弹出来”，以此证明某人肯定有音乐才能。单凭这个事实的确说明这个人有一定的音乐才能，但这并不表明他具有我们将要在这里讨论的那种对音乐的敏感性。善于模仿的表演者还不是演员，而音乐的模仿者也不一定是音乐才能很强的人。另一种看法力图以具有绝对音高的听觉作为音乐才能的标志。当你听到a1时能把它辨别出来，有时是有用的，但当然不能单凭这一点就说你有音乐才能。这只能说明你有那么一点音乐辨别能力，与我们这里所要讨论的对音乐的真正理解关系不大。

    不过，对具有高度潜在的理解力的聆听者有一个最起码的要求：当他听到一支旋律时必须能够把它辨认出来。如果有“音盲”这种事情，那就意味着无辨认曲调的能力。对这种人，我们只能表示同情，亦爱莫能助。

    有把握辨认一支特定的旋律不是要求唱这支旋律，而是当有人弹奏它的时候能辨认出来，即使在间隔几分钟之后并在弹奏几支不同的旋律之后也能辨认，那你就掌握了深入理解音乐的钥匙。

    只能听到存在于不同时刻的音乐还不够，还必须能够把任何特定时刻听到的音乐，与在不久前刚听到的和即将要听到的音乐联系起来。换句话说，音乐是一种寓于时间中的艺术。从这个意义上说它像一本小说，只是小说里描述的事情比较容易记住，这一方面是由于它叙述了实际发生的事情，另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这些情节。音乐所描述的“事情”从本质上说是比较抽象的，要像读小说那样把它们在自己的想象中聚集在一起并不那么容易。因此你必须能够辨认一支曲调。因为在音乐中取代情节地位的一般是旋律。旋律通常是聆听者的向导。如果你一开始就不能辨认一支旋律，后来又不能自始至终追随它的行踪，我觉得你就没有必要再听下去了。你只不过是模糊地感觉到音乐的存在而已。可是能够辨认一支曲调意味着你知道自己正在听的乐曲是该曲的哪个部分，并很可能知道此后你将听到什么。这是以明智的方法去理解音乐唯一的必要条件。

  • 观点 | 斯皮尔伯格：电影或将面临崩溃

    斯皮尔伯格与卢卡斯这对改变电影史的“好基友”竟然一同对电影说：你已经二了！

    著名导演斯蒂芬.斯皮尔伯格（Steven Spielberg）和乔治.卢卡斯（George Lucas）在南加州大学发表了一些令人吃惊的言论。这两位电影行业巨头表示，电影行业将会出现所谓的“内爆”。

    斯皮尔伯格和卢卡斯表示，好莱坞每年都押注于符合大众兴趣的高预算大片，但却正在失去那些通过互联网和电视收看电影的观众。斯皮尔伯格预测，在不久以后，好莱坞的这种押注就会爆裂开来，从而导致整个行业遭到破坏性打击。

    “它们正在砸钱拍大片。”卢卡斯在谈及电影工作室时说道。“但这种模式不会永远有效，其结果是它们的焦点将会变得越来越窄。人们将会摒弃它们，而它们将变得无所适从，不知道该做些什么。”

    斯皮尔伯格指出，之所以会出现这种情况，是因为许多娱乐形式正在跟电影争夺观众的注意力，而电影工作室宁可花费2.5亿美元来制作一部电影，却不愿做一些个人化的小项目。他表示：“到最后电影行业将会面临大规模的崩溃局面。这个行业中将会出现‘内爆’，到那时会有三部、四部甚至可能是五六部大制作电影会砰然坠地。”

    卢卡斯预计，电影院行业将会发生演变，不久以后就会变得类似于百老汇。到那时，高预算的大片会在大显示屏上播映更长时间，而票价也将变得极高。卢卡斯预计，在电影行业崩溃以后，“电影院的数量将会变少，而影院的规模将会变得更大。看电影的票价将会达到50美元、150美元甚或是150美元，就像今天的百老汇或橄榄球赛票价那样，变得十分昂贵。电影在影院里的上映时间将会变成一年，也跟百老汇剧目一样。”

    卢卡斯进一步指出：“大制作电影将在大显示屏上播映，而且票价很高；其他所有电影则都将在小显示屏上播映。事实上，现在的情况几乎已经是这样。《林肯》（Lincoln）和《红色机尾》（Red Tail）几乎没有进入电影院。你们可能会说，斯蒂芬.斯皮尔伯格和乔治.卢卡斯没办法让他们的电影进入影院。”

    斯皮尔伯格和卢卡斯都是历史上最成功的电影导演和制片人，两人对电影行业未来的这种预测令人担心。不过，现在还没到该为好莱坞哭泣的时候，因为仍有很多电影能够大卖，面向小显示屏的电视剧也卖得不错。另外，好莱坞点播服务也正在让这些电影和电视剧变得比以往任何时候都更容易呈现在观众面前。

    消费者更不必为此担心。传统电影行业崩溃的速度越快，消费者也就能越快地在个人设备的显示屏上看到想看的电影，而不必到电影院里去人挤人，花大价钱购买电影票却不得不在边上的座位看向大银幕。

  • 科普 | 影院该选择什么声学材料？

    科普 | 影院该选择什么声学材料？

    随着人们生活质量不断提高，影院也成为了人们家居必备设施，但在安装影院时，人们一定要多加注意声学处理，因为私人影院和电影院、KTV大同小异，如果装修设计不好，容易出现噪音、骚扰到他人影响到自己，所以必须选择合适的声学材料，并进行科学的设计。由于多数用户对影院的专业知识了解不多，所以在选择声学材料上难免会出现纰漏，选择声学材料时应该有以下几点注意事项：

    第一：吸音性能应符合使用要求，如果要求降低中高频噪声或降低中高频混响时间，则应选用中高频吸声系数较高的材料。如果要降低低频噪声或降低低频混响时间，则应选用低频吸声系数较高的材料。

    第二：吸声系数不受环境和时间的影响，材料吸音性能应保持长期稳定可靠。

    第三：防水、防潮、防蛀、防腐、防霉、防菌，这对在潮湿环境条件下使用是非常重要的。如游泳馆、地下工程及潮湿地区。

    第四：防火性能好，应具有阻燃、难燃或不燃性能。对影剧院和地铁工程等公共场所应尽可能采用不燃材料。

    第五：吸音材料要有一定的力学强度，以便在搬运、安装和使用过程中，不易损坏，经久耐用，不易老化。

    第六：材料可加工性能好，重量轻，便于加工安装以及维修调换，对于大型轻薄屋顶结构如大跨度体育馆，其吸声吊顶的重量是至关重要的制约因素。

    第七：吸音材料及其制品在施工安装和使用过程中不会散落灰尘、挥发有毒气味、辐射有害物质、损害人体健康。

    第八：吸音材料一般安装在室内表面，它是室内设计的重要组成部分，特别是影剧院、多功能厅、会议室、广播、电视及电影录音室和审听室等的音质设计，吸声材料应具有装饰效果。

  • 科普 | IMAX影厅的分类

    科普 | IMAX影厅的分类

    IMAX影厅有以下4种

    1、IMAX GT影厅

    首先于1970年推出的GT 2D影厅是日后其它IMAX影厅的原型，采用15/70胶片，用一台大型“水平波状循环进片”的GT放映机放映，该放映机近乎一辆微型轿车大小，重达1.8t，放映光源为15kW氙灯水冷式（全球功率最大的电影放映光源）。GT影厅属专利设计，一般为400座，可达1000座；银幕一般为30m×24m，最大35.73m×29.42m。

    2、IMAX SR影厅

    这是IMAX公司为降低土建和设备投入、节省运营成本及满足商业多厅影院的需求，于1998 年推出的第一代紧凑型放映系统，采用两台SR放映机同步放映两盘单独的15/70胶片，配以2×7kW氙灯风冷式光SR放映机源。IMAX SR影厅亦属专利设计，银幕小于21m×17m，对应的合适座席小于350个，它实际是GT影厅的缩小版，以适应其变小的银幕。

    3、IMAX MPX影厅

    IMAX MPX影厅这是IMAX公司为放映IMAX DMR胶片版影片，于2004年推出的第二代紧凑型放映系统。再次大幅降低了设备和运营成本，因其不仅可放映IMAX原创片，还可放映IMAX DMR故事片，使片源更广，更适宜建在商业多厅影院中。MPX也是最新型的二合一放映系统，即可用最经济的方式将胶片放映系统升级为数字放映系统。MPX影厅标准版亦属专利设计，银幕一般小于23m×14.5m，合理座席数为350个。

    4、IMAX Digital影厅

    IMAX公司为解决因15/70胶片版影片的拍摄、后期制作、发行、放映成本过高而带来的片源过少，以及胶片版放映系统投资及运营维护成本高昂等一系列问题，于2008年推出了数字放映系统，用于放映IMAX DMR数字版影片。采用硬盘数字拷贝及两台2K分辨率的数字放映机加影像优化器，配2×6kW灯泡，成本虽大幅降低，但画面解析度约4K，仅相当于35mm胶片的影像水平，丧失了15/70胶片版大画面、高解析度的优势。IMAX公司已在测试两台4K数字放映机，一旦成功，解析度可达约8K，成像水平将超越15/70胶片版的6K。

     

  • 如何欣赏音乐

    （一）

    如何欣赏音乐是一个非常老的话题。多少年来，一直有许多的专论。可到底该怎样欣赏音乐，还是有人不明白。其实,欣赏音乐也可以说是一个非常简单的问题，那就是只要你喜欢就行。经常都听到很多人说：“音乐好，就是听不懂。”可我也经常反问他们：你到底要听懂什么呢？音乐这东西，你只要觉得好听就行。何必要这么功利性的搞懂呢？其实真是这样。一首音乐名曲，你只要觉得好听，能让你感动就行了，不一定非去琢磨这曲子是描写的是什么故事。什么曲式、调性、主题那是下一步的事。其实那些都还不是重要的。最重要的是你首先必须要觉得好听，能被这音乐感动。否则再是什么名曲对你也是白搭。至于那些东西是对音乐下一步了解的事。如果你能被音乐感动那就什么都好办。因为你在被感动时，会有一种冲动的想法，你会去思考为什么这音乐让人感动万分。这到底是因为什么？也就这样，你就有了进一步了解音乐的渴望。你想一开始就什么都搞懂那不太可能。

    音乐在刚刚开始欣赏时，它所具有的那种音响的感染力太大了，它几乎能让所有听到它的人为之感动。这个时侯的音乐是非常神秘的。它具有巨大的魅力，让人着迷。不管是旋律还是歌词，甚至到伴奏的和声等等，都会让人激动万分。我们可以从喜欢不同音乐类型的人群中看到流行歌曲和浪漫情调音乐的差别。非常明显的是音乐在这个时侯对感官的引诱力太大了，特别是对那些还没有真正接触音乐或较少接触音乐的人更是如此。他们会一下子被它那或委婉的旋律或鲜明的节奏或悦耳的和弦甚至缠绵的歌词所吸引。也正因为如此，才会有很多人在这个时侯往往把音乐当作一种寄托，当作理想，当作礼物，当作远离现实的逃避，甚至当作是自己的幻想世界。正因为如此，才有人经常参加电台电视台的点歌节目，把自己喜欢的某支歌作为自己的一种心意当作礼物送给别人。因为他们觉得这音乐(歌曲)使自己感动，就好象是自己的心境的表露。当然这无可非议，送什么给别人那是自个的事。一切都是在向前发展的。人不可能永远停留在一个欣赏阶段。在喜欢流行歌曲的人群中有一点是明确的，那就是三十岁以上的人肯定很少。为什么？仅就阅历而言，那些“为了爱梦一生”、“永远相信爱情”真是一场比较虚的事。没有人会永远生活在这样的歌曲里，自己受不了别人也受不了。

    （二）

    音乐欣赏由浅入深有这么一个过程，即从感性（被音乐感动）到理性认识（探究音 乐知识）又回到感性认识（更深层次的欣赏）这样三个阶段。这是欣赏音乐的必经之路。一个学习乐器的人也许不一定就是一个很好的音乐欣赏者，因为他关注的是技巧。表达与理解不是一回子事。音乐有自己的语言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表达含义，音乐里的和弦、乐谱、速度、调性也有其含义。在刚一开始期间音乐能从感官上打动你，让你激动让你欣喜。这是一种无意识的审美活动。可如果就此而已，你还是没办法去真正聆听音乐。

    音乐具有巨大的感染力。这种感染力不仅是对刚接触音乐的年轻人，对一个饱经风霜、历尽人间艰辛的老人也是如此。只是欣赏音乐的阶段不同，所带来的思想内容也就不尽相同了。在感性认识的阶段，你对音乐的理解还只限于感官感受。如果你在欣赏音乐中不是主动积极的，那么你也许就没法真正去领会音乐的真谛。比如〈蓝色多瑙河〉这首脍炙人口的名曲，在感性认识阶段，我们会觉得它十分动听，其实我们仅仅只是被那起伏的旋律和三拍子的圆舞曲节奏以及这首名曲的故事名声以及其他因素所吸引。我们并不知晓三拍子的圆舞曲形式为什么这么吸引人；不知晓在这首曲子究竟由几首什么样的小圆舞曲组成；我们也不知晓斯特劳斯圆舞曲与其他圆舞曲有什么实质性上的不同，但首先我们会被吸引会被感动。如果你面对一曲好听的音乐而无动于衷，那才是最没办法的。欣赏音乐时你必须是一个积极的聆听者，绝不满足于简单的感官感受和无意识的欣赏。这样你才会去深入了解这首作品的其他内容，从创作背景到音乐流派以至于音乐曲式主题思想内涵艺术造诣等等。这样，你对音乐的感悟就会比别人更深。在感性认识的第一阶段，我们通常还会借用一些作曲家对曲目的标题或后人标注的文字说明来加深对音乐的理解。比如<<献给爱丽丝>>这首贝多芬所作的钢琴小品，聆听中结合音乐加上标题文字的联想，我们就能很好理解这首温馨明快的抒情小品；又再如墨西哥作曲家罗萨斯的<<乘风破浪圆舞曲>>，由标题中我们可以领略到音乐所描写的那浪花飞溅,海鸥飞翔、在波峰浪尖中航行的自由愉快的心情；克莱斯勒的小提琴曲<<中国花鼓>>，一听曲名就知道是由中国的五声音调来表现出热烈又欢快的情调。在浩瀚的音乐长河中有大量的标题性音乐，只要你愿意走进这音乐圣殿，你就会发现这殿堂堂中满是人类文明的精华，它就象一笔巨大的财富足够你受用一辈子。

    （三）

    音乐欣赏在最初阶段，主要靠感官对音响的感受。动听的旋律，悦耳的和声，有规律的节奏，起伏的响度等等。都让人感受到的一种欣愉。一个音乐爱好者特别是音响爱好者大都有这样的感受：首先追求的是音效。一开始用音响器材来重播音乐，是聆听比较音响器材，对不同的重播效果比如节奏、音色、动态等等这些关于音响的概念涉及教多。至于什么内容、复调、赋格、对位，什么是塔兰泰拉，什么是奏鸣曲式，统统不知道。其实不完全是一部份音响爱好者不知道，很多人都不知道这些乐理概念。其实也没什么关系？音乐欣赏并不要求人人都是音乐家。每一个聆听音乐的人都会经历这么一个初级阶段，不管一开始他听流行歌曲或是听通俗交响音乐。这些年来，我也看到有这么一个现象：有一些年青人，主要是中学生，如果他在孩提时没有受到音乐文化的熏陶，他将很快就迷上如迈克尔.杰克逊之类的摇滚音乐且很快变成一个执迷疯狂的追随者。因为他们一下子就被那种疯狂的节奏和刺激的声响所迷惑，至于内容是什么，他们不理解，也不会理解，跟那些有理智的摇滚乐爱好者相比，他们只算是小儿科。有时侯在电视台也会播出一些垃圾音乐节目，尽管不多却叫人恶心，但这些节目却有着一大群追随者。我们再不能说在社会主义中国的电视节目里上演的都是健康向上的节目，有时侯也会考虑的赞助广告收视率，一个被动的，毫无鉴别能力的人很容易把糟粕当精华。

    欣赏音乐时，你必须是主动积极的。你要有自身的体验，这种音乐的体验是非常重要的，因为按图索骥的音乐欣赏指南，仅仅是协助你加深这个体验。你想仅凭一本小册子或几篇类似这样粗浅的文章就能学会欣赏音乐。那是妄想。因为音乐指南介绍只能告诉你怎样去欣赏音乐，如果你连一点点音乐的内心体验都没有，那些介绍指南再读也是白搭。因为没有一本书或一篇文章会教你如何在心中涌出激情或产生欣愉，悲哀或忧愁。因为这是人的本性所在，恩雅那近乎晦涩的音乐让大多数人听起来宛如天赖之音，可有人听出的梦呓和静穆，这没关系。你的素质和阅历驱使你这样。可如果你面对什么样的音乐都无动于衷，那才是真正的悲哀。

    音乐不是调味品，尽管它可以拿来调节气氛，但它绝不是调味品。可现在很多人却把音乐当作调味品，似乎音乐是一个高档神奇的调味品。商店开张、大宴宾客、红白喜事……音乐就象餐厅的胡椒。当音乐那神奇的声音响起，它确实可以改变一切，它可以顿时让你肃穆，可以让你欣喜万分，也可以一下子就让你忧郁千种。音乐这种巨大的感染力是非常神秘的，但你千万别去把音乐拿来当装饰品，这里放一首通俗歌曲，那里来一段萨克斯，就象用那些廉价的塑料装饰品来装饰你的居室。

    总之，在欣赏音乐的初级阶段即感性阶段，你需要的是对音乐魅力的内心体验。不管是优美的旋律，还是迷人的音色或缠绵的歌词。总之，需要是你能被音乐感动。只要你能被音乐感动就什么都好办了。

    （四）

    被音乐感动。在聆听音乐时情感体验以及对探求音乐的欲望将驱使你走入音乐圣殿的第二道大门：理性认识阶段。如果不经过这个阶段，你仍是一个被动无为的音乐聆听者，尽管你也许会选择音乐，也可能随时都在听音乐，可你仍然是被动的，因为除了你被音乐感动之外什么也没有了。优美也罢，欢乐也罢，悲伤也罢，仅仅只是听感上造成你的情绪上的波动而已。你当然可以随时随地的听音乐，连骑自行车上班或者进餐什么的都可以聆听音乐，但此时的音乐仅仅只是给你造成一个屏障，用音乐里那些旋律节奏来隔绝城市的喧嚣和人世的纠葛。我们在前面提到过，音乐不是调味品。音乐尽管是非常神奇的，但它决不是调味品。音乐是需要被人聆听的。你真要拿它来做别的用途，如烘托气氛、调节情绪、甚至于拿它来开胃，那它就不是音乐了。因为没人会认真地聆听餐厅重播的音响，更没有人会被某候机厅的音乐激动。只有当你认真地聆听音乐的时候，音乐才是音乐。因为一件响器如果能引起你内心体验其中必定有某种内涵，这种内涵就是音乐内容本身。

    进入到音乐欣赏的理性认识阶段，说明我们欣赏音乐从被动到主动的发展过程。在这个圣殿的第二道大门中，我们将认识巴赫、莫扎特，体会贝多芬、拉赫玛尼诺夫。总之，整个人类文明历史中所有著名的音乐家都将一个个从我们前面走过，让我们认识了解。我们还将知道音乐构成的要素：旋律节奏音色和声；知道什么是巴洛克音乐，谁是浪漫主义后期的音乐代表；奏鸣曲和奏鸣曲式怎么不同。一个刚接触音乐的人对音乐的认识应该说是比较肤浅的。如果不全面地理解音乐，你就不能更好地欣赏音乐。比如你不知道什么是音色，你就根本无法去理解音乐。因为音色就犹如绘画中那绚丽的颜色，从而决定了丰富的音乐含意。又比如在柴科夫斯基第六《悲怆》交响曲中那个感人至深的主题，其感染力实在让人欲哭无泪。杨明望先生对这个主题有一段让我觉得是非常精彩的描述：“这个困倦的心灵，带着不可磨灭的创伤，在无法抚慰的恸哭和悲哀绝望的热潮中，终于投入永恒死亡的怀抱。”如果对音乐没有了解，你能了解这个主题的深刻含义？

    在理性认识的这个阶段，不一定每个人都有机会或条件去认真系统的学习音乐理论和音乐史。但我们仍可以通过其他一些书籍来获取有关音乐的知识。用《名曲赏析》这类型的书来对比聆听是最好的方法之一。乐曲分析、曲式结构、主题提示等对聆听者是必不可少的一环。这样一来，你就知道了协奏曲与交响曲在结构上的差别；你也就知道变奏曲与回旋曲的不同；甚至你也许就开始迷上了马勒或是勃拉姆斯；帕瓦洛蒂那高昂激扬的嗓音与阿姆斯特郎的沙哑声可能你也同时都会喜欢。等等这一切都是建立在你对音乐了解的基础上的。也就在这个时候，你也开始发生变化了：你的谈吐、你的见解、你的阅历和涵养等等。“芝麻开花”，音乐这座巨大的宝藏已经对你敞开了大门。

    （五）

    所有的音乐都有其自身的内涵，你对音乐的了解就是对这些音乐内涵的认识过程。尽管每一个人都不可能孤立地停留在一个阶段去单纯地探究音乐知识而置音乐内涵于不顾。借助一些音乐欣赏名曲分析等一些辅助工具，认真聆听一首音乐作品是必要的。在这个阶段首先要了解音乐史，要知道音乐不同时期的不同的表现形式；你还要了解作曲家的基本内容如贝多芬和瓦格纳在音乐创作上的不同风格和思想；另外你还需要知道一些音乐的基本知识，比如曲式。其实曲式就是乐曲的形式。在曲式中最需要了解的首先是奏鸣曲式。一般说来，在古典音乐的曲式中，以奏鸣曲式为最多。奏鸣曲式基本上代表了大部分乐曲的基本形式，交响曲、协奏曲、室内乐等大都采用的是这种形式。奏鸣曲式有一个乐章，也有三至四个乐章的。曲式当然不仅仅只是奏鸣曲式，曲式还有很多种。如变奏曲，用一个主题进行各种演变：A-A1-A2-A3-…..AZ，对变奏曲的了解可以聆听柴科夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，一个主题变化为七个变奏；又如回旋曲，它的基本含义就是由一个主题多次重复：A-B-A-C-D-A……等，其中A代表主题，而B.C.D…..等则代表变化，每一次变化之后又回到主题。对这个曲式的了解可聆听莫扎特的《A小调钢琴回旋曲》。

    音乐欣赏还应该了解主题。音乐中的主题是至关重要。在一首乐曲中，一个聆听者必然牢牢记住这首乐曲中的音乐主题形象，它的变化对比发展等构成了音乐的全部内涵。所以我们在聆听音乐时一定要学会记住主题。在柏辽兹的《幻想交响曲》中那个孱弱敏感的青年艺术家主题音乐形象，从乐曲的第一乐章一直贯穿到第五乐章，且每个乐章都有其不同的变化。从一开始温柔纯真到最后的怪诞疯狂。仔细聆听这个乐曲对理解主题比较有帮助。如果你在聆听音乐时连主题形象都听不出来，你就没办法去很好地理解音乐。当然，音乐的主题不象视觉上的形象那样鲜明清晰，电影中的主要人物一出场，你就知道了电影的全部过程中一定是以他为主。小说也一样，《红楼梦》中的贾宝玉与林黛玉是一个对比的主题，两个主题形象的关系对比发展贯穿整个小说。尽管也有其他的人物，如金陵十二钗和贾府众多人口，但主题形象却依然是贾宝玉与林黛玉。音乐里主题形象其实也是如此，只是音乐里的主题形象不会象电影小说里那样鲜明。在一首乐曲里，音乐形象也有许多，但不管再多它们全都是围绕乐曲的主题形象的。在贝多芬《命运交响曲》中有很多其它的音乐形象：悲哀、叹息、撕杀、凶残、深沉的思考与坚强的信念、光明、胜利，甚至还有忧郁与彷徨，但这些都是由对比的主题形象而产生的。所以，在认真聆听音乐时一定要紧紧抓住主题，就象雨果唱片公司的易有伍先生说的要提高你耳朵的聚焦能力，这样你才能在一遍音乐的轰鸣声中找到那个时刻变化的主题形象从而领略音乐的无穷魅力。

    （六）

    在欣赏音乐的这个审美过程中，除了曲式，还有诸多的因素,如节奏、音色等。仅就节奏而言，音乐的最初的起源应与节奏有十分密切的关系。节奏产生的韵律美使原始部落至今仍在信奉。不同组合的强弱快慢节奏以及多次重复能使节奏产生出非常巨大的内涵和韵味，让人疯狂或痴迷，没有人会拒绝节奏。在音乐中节奏的表现形式是节拍。节拍通常用小节线和节拍符号来表示，如3/4，就表明这是三拍子。每一拍为四分音符，每一小节内有三拍；第一拍为重音，后两拍为弱音。这样就构成了一个圆舞曲的节奏型。改变重音的位置会引起一些崭新的变化。把两个以上不同的节拍组在一起又将形成新的复节奏。就这样，无穷无尽的节奏就形成了我们音乐的组成要素之一。仅就节奏而言，一个欣赏者需要用耳朵去感受它而不是靠分析。整体的音乐欣赏也是如此。说起节奏还不得不提及诸如<<哥利高里圣咏>>之类的自由节拍的音乐体裁。在许多宗教早期音乐以及东方音乐中经常都有一些无节拍要求的音乐，其实这种自由节奏的音乐对节奏的要求更为精确的。只是这种精确已无法用节拍记号来标注它。它需要的是演奏者或演唱者对它更深层次的了解和把握。

    音乐的魅力当然不仅仅只是在主题、旋律`、节奏、色彩、曲式结构、调性等，有的时候甚至连作曲家的创作观念、演奏家的风格、录音师的录音技术及爱好，在加上聆听者的素质、阅历、情感、性格等等这些诸多因素加在一起才构成一个整体的音乐。单独去分析其中的一个部分其实都是对音乐的肢解。结合历史背景了解作曲家的创作个性，认真聆听主题的发展变化与对比，让你全身心都得到音乐及音响的感染，让你的思想情感以及情绪都在音乐的体验中发生微妙的变化。

    在音乐欣赏的第二个阶段中你需要了解的东西确实太多了，这很可能会吓到一些爱好者：我的妈，欣赏音乐这么难！其实也没有什么。因为所有你需要了解的一切一切都在建立在你对音乐极大的兴趣上的。对这些知识的了解又促使你对音乐发生更大的兴趣。前提是你对音乐首先要有一种需要的欲望，也就是你首先要真正热爱音乐！也就是因为这个前提，你才能进入到这个阶段去认真的学习这些音乐知识。

    （七）

    进入音乐欣赏的第三阶段，并不是十分明显的。因为对音乐认识的阶段永不能说结束。进入欣赏音乐的第三阶段，并不意味着要和过去的阶段划清界限。其实我们这样分析和介绍仅仅只是一个表述上的概念。但不管怎样，经过一段时间的学习，（在这个阶段的一切都主要靠你自己的自学，因为没有人会详细的教你如何分析和理解一首乐曲）我们对音乐已经有了一定的了解。这时候我们再来聆听音乐：当那神奇的乐音响起时，我们的心中就会泛起无际的激情的浪花。不管是与巴赫交谈还是和马勒神游；抑或是倾听莫扎特的心声，总之，音乐就象是情感的源泉。这时候你已经步入了音乐的殿堂。不管是人生征途的跋涉还是成家立业的拼搏；也不管你是年轻或年迈；落魄或得意，欢乐也罢，忧愁也罢，在音乐的殿堂里，你都是在用自己的情感去体验音乐！这时候音乐已经不再神秘的了。音乐也不再是高不可攀的了。音乐所表达的一切也都不再是外表的。也许主题还是那个主题，但“山远水远，你我的心不远”，现在的你聆听音乐时的内心体验已经有了更深的心潮涌动。也就在这个阶段，你已经从一个被动的聆听者转变成为一个自由的音乐爱好者了。你不会用主题分析曲式结构来约束你思绪的自由飞翔，也不会在一个标题下用一个简单的音乐形象来束缚想象力的驰骋和情感的涌动。尽管有的时候也需要去分析主题、探究曲式结构什么的，但真正在聆听音乐时你已经确确实实是用情感来体验音乐了。在这个时候你需要的是纯音乐而不是什么主题或名曲汇萃。名曲集锦和主题联奏之类的音乐是最让人倒胃口的。因为它实在无法让人去产生什么激情。这一类的音乐只能算是普及读物，经常聆听这样的音乐所带来的最大好处就是能参加音乐有奖竞猜活动。那跟欣赏音乐没有多少联系。

    在音乐欣赏的审美过程中，内心体验与认知活动永远是结合在一起的。从感性认识到理性认识的这一发展过程永远是不会停滞不前，我们对音乐的理解也永远是无止境的。跨入那美妙无穷的宏大的音乐圣殿，让我们自由尽情的翱翔吧！

  • 科普 | 深度解析杜比、DTS、PCM、AC-3、THX、SDDS音效

    HOMETHEATER 的图像结果

    一般人的印象中，总觉得Dolby Digital（杜比数码音效）应该就是多声道，或者说，应该是包含主声道、中央声道、后声道与超低音声道的5.1声道环绕音效，但事实却非如此。录制在DVD影片中的Dolby Digital音效，存在许多可能。 它可以是最简化的单声道，也可以是众所周知的5.1声道，当然也有介于两者之间的Dolby Digital Stereo、Dolby Digital 4.0BDolby Digital 5.0……等方式。 在此必须补充一提的，是DVD中的声音储存方式，除了Dolby Digital外，也可以是DTS数码环绕音效、欧洲的MPEG 2、SONY发展的SDDS，或以高音质立体声为诉求的PCM数码格式等，但目前DVD主要还是利用Dolby Digital来记录声音，营造丰富的环绕效果。

    下面就是几种可能在DVD上出现的Dolby Digital格式，让我们一一解说:

    1、Dolby Digital Mono: 杜比数码单声道音效只有单声道的效果，并不足以构成立体声，多半出现在较为古老的影片中。 在影片制作时，会将单声道的声音储存为AC-3格式，因此当以杜比数码系统译码播放时，只有中间声道发声。 这样的音质表现，无疑是比较单调乏味的，因为连基本的立体感都十分欠缺，更遑论环绕效果。

    2、Dolby Digital Stereo : 杜比数码双声道音效将双声道的立体讯号储存为AC-3格式，因此当以杜比数码系统译码播放时，可以从主声道的左右声道喇叭发声。 这其实与我们常见的两声道系统（一般音响都是如此）有相当程度的趋近，可以建构立体的音场感，只不过Dolby Digital的声音是经过压缩处理的，多少对音质有些影响，而CD唱片则未经过压缩，拥有高音质的潜力。

    3、Dobly Digital Surround : 杜比数码环绕音效利用矩阵编码的技术，将主声道、中央声道与后方的环绕声道挤压到两个声道中，并以AC-3格式储存。 当以杜比数码系统译码播放时，可以聆听到完整的五声道，不过环绕声道为单声音效，而非立体声。 不是只有四个喇叭，怎么会是五个声道发声呢？那是因为一般家庭剧院系统后方的环绕声道都是双声道，这里就是以双声道来呈现单声到，也就是让两个喇叭发出一模一样的声音。

    4、Dolby Digital 4.0 : 杜比数码环绕音效4.0把独立的四个声道，包括主声道、中央声道与环绕声道编码成AC-3格式储存至DVD影片中，因此透过杜比数码系统译码播放时，可以听到完整的五声道。 此时环绕声道为独立的单声道录音。 乍看之下，Dolby Digital Surround与Dolby Digital 4.0似乎是一样的，其实不然。 严格说来，Dolby Digital Surround是利用两个声道来储存数据，中间声道与环绕声道都是从这两个声道推演、计算出来的﹔不过Dolby Digital 4.0却是扎扎实实的使用四个声 道来储存主声道、中央声道与环绕声道，还是有些不同。

    5、Dolby Digital 5.0 : 杜比数码环绕音效5.0把独立的五个声道，包括主声道、中央声道与后声道编码成AC-3格式储存到DVD影片中，当透过杜比数码系统译码播放时，可以还原完整的五声道。 此时后方的环绕声道开始走独立双声道路线，提供更精确的定位感与音场包围感。

    6、Dolby Digital 5.1 : 杜比数码环绕音效5.1除了主声道、中央声道与后声道外，另外加上一个超低音声道，然后将这个六个声道编码成AC-3格式储存。 因此以杜比数码系统译码播放时，可以聆听到五个声道再加上一个超低音声道。 由于这个低音声道只涵盖低频范围，并不是完整的频率范围，所以以0。1视之。 提醒读者一点，并不是所有的DVD影片都提供低音声道音效，因此，如果您的主声道喇叭的低频够沈，其实也可以发挥延伸低频的效果，不见得非要加上这个超低音不可。 虽然Dolby Digital有多种可能性，也包含多寡不同的输出声道，但一般而言，我们都简单的以Dolby Digital来表示Dolby Digital 5.1，也就是5.1声道的Dolby Digital或AC-3。 至于两声道的Dolby Digital 2.0，多半会以2 Channel Dolby Digital来称呼。

    7、PCM 高音质数码音效: 相较于前述几种利用AC-3编码技术来压缩数据量的作法，DVD也可以利用PCM格式储存未经压缩的双声道讯号，由于没有经过任何压缩损失的处理程序，因此可以获得最佳的音质表现。 其实这种PCM录音格式跟CD唱片是一样的，但由于DVD具有庞大的空间与速度优势，可以大胆使用更高的取样率与分辨率，因此可以提供远高于传统CD的表现。

    8、DTS 数码环绕音效 : 同样属于5.1声道的环绕效果，DTS采用与AC-3不同的压缩技术将环绕音效储存至DVD。 播放时必须采用具有dts译码能力的系统，才能将隐藏在DVD中的5.1声道释放出来。 同样是5.1声道，DTS跟Dolby Digital 5.1有何差异？ 最大的差别，在于两者使用不同的‘算法’，也就是使用不同的方式来压缩5.1个声道的声音。

    Dolby Digital 5.1可以将相同的数据压得更少，占用最小的空间。 反过来讲，由于DTS不刻意追求最强悍的压缩能力，因此也有机会保存更多的信息，如果处理得当，确实可以提供很优越的表现。

     

    编码方式 Dolby Digital (Dolby AC-3) Dolby Pro Logic DTS
    处理方式 各声道独立数码编码 模拟矩阵运算 各声道独立数码编码
    录制声道数 5.1 声道 2 声道 5.1 声道
    播放声道数 5.1 声道 4 声道 5.1 声道
    环绕声道是否立体 立体 单音 立体
    环绕声道频宽 20Hz~20KHz 100Hz~7KHz 20Hz~20KHz
    独立的超低音声道 有 无 有
    传输率 448kbps N/A 1536kbps

     

    注：*表示录制时，需要占用的声道数（Channel）。 譬如说，Dolby Prologic虽然属于四声道的环绕系统，但实际上却可以利用矩阵演算（Matrix）的方式将中央声道与环绕声道隐藏在两个声道中，所以只占用两个声道来储存。 **这是一般DVD上的平均值，但实际的传输率是可能变动的。

    当今的霸主AC-3

    AC-3发展当初是为了应用在电影院上的,AC-3音效因为胶卷的空间实在有限,所以AC-3音效的数据是存放在胶卷上,齿孔与齿孔的中间,这部分的空间实在太小了,所以杜比的工程师只好将他们认为人耳听不到的地方加以删除,藉以节省空间,这种破坏性的压缩还是会造成失真的,但是为了迁就原有器材上的限制,这也是逼不得已的做法

    AC-3采用6只喇叭模式,除了超重低音部分外,其余皆是全频段Stereo声道,48KHz,16bit,且现场拍摄时每个声道皆是独立麦克风来录制,所以AC-3的后环绕声道拥有完整的定位能力

    AC-3数据的流量,两声道是192Kbps,大约是未压缩数据的8分之一大小,5.1声道的流量是384Kbps~448Kbps,最高可提升到640Kbps,越大的数据流量代表越小的压缩比例,音质相对的会更好,可听到的细节也会多,但Dolby AC-3将S/N比控制的很好,所以影响的重点就是可听到的细节多寡与否了。

    后起之秀的DTS

    话说Dolby Digital是将音效数据储存在胶卷上齿孔的中间,因为空间的限制而必须采用大量压缩的模式,所以也牺牲了部分的音质，但是这种限制却被原本默默无名的小公司DTS用简单的方法解决了,方法就是将这些音效数据放到另一台CD-ROM上面,再使它与影像同步就好了,这样一来不但空间增加,数据流量也可以相对的变大,更可以将放音效数据的CD片换掉,即可拨放其它的语言版本,对电影院来说真是相当的方便,也因为这样DTS在专业剧院上胜过了Dolby AC-3。

    到了LD时代,因为LD先天上规格的限制,无法兼容5.1声道的Dolby AC-3及DTS,正可谓鱼与熊掌无法兼得,这也造成DTS在家庭剧院市场的失败,到了现在的DVD时代,因为DVD的超大容量可以兼容AC-3与DTS于一张影碟上,但是因为某些非技术层面上的问题,DTS必须采用与以往PCM格式不兼容的PES格式,虽然数字输出的接头是一样的,但是旧有的DVDPLAYER无法辨识PES格式,所以逼的想采用DTS音效的使用者必须更换新一代的机种才能使用DTS,这无疑的又阻碍了DTS的路线。

    DTS跟AC-3的差异处在于数据流量的大小,DTS在DVD上拥有1536Kbps的数据流量,以384Kbps~448Kbps来比较,足足多了3倍多的数据流量,即使将AC-3拉到极限的640Kbps,DTS还是强过2倍有余,这使得DTS能较AC-3听到更多的细节,整个空间感及移动感降会更加优良,更加清楚。

    代价高昂的THX

    THX是由奥斯卡音效奖得主的乔治卢卡斯所发明的,跟Dolby Digital及DTS是不同理念的产品,虽说它也是5.1声道,喇叭的摆法也可以说是一样的,但是它具有准确定位的只有前方三个声道,后环绕只是两个Mono声道而已。

    THX的精神在于改善原有电影院及家庭剧院的音效品质,将原本电影想表达的音效正确的呈现给在电影院或是家里观赏影片的使用者,所以THX对于每个环节,例如影碟,扩大器,喇叭,甚至是视听空间的规格都有严格的要求,差一步都不行,也因为每个器材都需要经过认证,所以加起来的认证费用相当高,要享受完整且正确的THX音效,的确所费甚巨。

    THX还有个相当考虑周延的地方,因为电影院的中置声道位于屏幕的后方,这样势必会造成高频部分的衰减,所以在影片录制时会刻意的增益高音部分效果,以弥补穿透过屏幕时的衰减,这样如果直接套用在家庭剧院里的中置声道上是不太妥当的,因为家庭剧院的中置声道并不需要穿透屏幕,所以会造成高频部分的表现过于突兀,丧失了影片原本要表达的效果。

    THX也是5.1声道的规格,喇叭的摆位大致上也是相同的,不过其真正的定位效果只限于前方的三个声道,后环绕声道是只有Mono音效的。

    注 :新版的THX规格,后环绕已具有完整定位,可与AC-3/DTS搭配

    THX与前两者的比较?

    既然THX与AC-3及DTS的理念不一样,特色也不一样,定位效果更不如前两者的后环绕立体音独立定位,所以立足点不一，何来的比较? THX基本上来说是对于器材及环境的一个要求,也算是一个后级处理而已,得到THX的认证，代表着其音效表现有一定的水准，当然THX是可与AC-3及DTS相辅相成的,有了AC-3或DTS系统,再加上THX的 认证更是如虎添翼,当然AC-3及DTS的器材只要够水准,符合THX对于”音质表现”的标准,当然可以拿去THX做认证。

    SDDS 音效

    SDDS的全名是Sony Dynamic Digital Sound，当然是由Sony所发展出来的，它使用与MD同出一源的感觉编码压缩技术，由于美国八大影业的哥伦比亚／三星（Columbia/Tri Star）公司隶属Sony公司旗下，理所当然会推出此种音效的 拷贝，只不过在Dolby Digital与DTS占有率较高的阴影下，SDDS目前的影响力比较低。 与Dolby Digital及DTS的5.1 声道不同的是，SDDS属于7.1声道的系统，多出来的两个声道是中左声道与中右声道，也就是说SDDS在前方 共有五个声道。 DTS跟随着Dolby Digital的脚步正式进入家用环绕系统的市场，SDDS是否有机会也参一脚进 入家用的市场呢？目前Sony还没有这方面的动作，短期之内应该是没有可能在家里尝试SDDS音效的。

    DTS ES Discrete 6.1

    大部分AV迷都还未拥有6.1或7.1声道系统时，DTS又在今年2000年6月15日正式宣布推出新的6.1声道系统，这个新系统称为DTS ES Discrete 6.1。 Discrete是什么意思呢？就是分离、独立的意思。

    这也就是说，DTS ES Discrete 6.1 就是把后环绕录在一个独立音轨里（其实是在母带的5.1声道核心区域之外再附加一个独立的延伸区域），不需要先经过矩阵编码混入左右环绕声道的程序。

    既然没有矩阵编码，当然也就不需要再从左右环绕声道中译码分离 出来。 其实，我们目前在使用的5.1声道每声道都是独立的，并没有相互混和。 只不过为了「权宜」后环绕声道，才又用了以前矩阵混合的老方法来处理后环绕声道。 根据DTS的Lorr Kramer（Director of Spacial Technical Projects）说，他们本来就认为用矩阵方式把后环绕声道安插在左右环绕声道里的作法并不妥当，所以早就想把后环绕声道以独立声道来处理，而这在技术上并不困难。

    加上以后电影院播放的的电子电影E-Cinema（或称数字电影Digital Cinema）已 经确定要用独立的后环绕声道，DTS系统在电影院里的占有率并不亚于杜比系统，所以一定会在电影院里使用独立的 后环绕系统。 既然如此，DTS干脆决定也在家用市场里推出独立的后环绕声道系统，这也就是DTS ES Discrete 6.1系统。

  • 科普 | “音场”到底是什么样的概念？

    科普 | “音场”到底是什么样的概念？

    “音场”到底是什么样的概念？在发烧音乐的发源地美国，有两个词与音场有关，一个是“Sound Field”，另一个是“Sound Stage”。“Sound Stage”主要是指舞台上乐队的排列位置和形状，包括长、宽、高，是一个三维空间的概念，而我们所指的“音场”其实就是“Sound Stage”，因为如果把”Sound Stage”直译成“声音的舞台”或“音台”这确实无法让人望文生义。至于“Sound Field”，实际上与我们以前所介绍的“空间感”相对应。因此，当我们提到“音场的形状”时，实际上就是指您的器材所再生的乐队所排列的形状。由于受到频率响应曲线分布不均匀以及音箱指向性的影响（比如房间的宽度大于深度或者深度大于宽度），音响所播出来的声场实际上或多或少是与原录音时的情形有差异的。有些音场形状本来就是四四方方，没有拱凸凹的。这种音场舞台的不同形状当然不能与录音时的原样符合。有一个值得注意的问题：现场演奏时，乐队的排列是宽度大于深度的；但在录音室中，为了产生出音响效果，乐团的排列方式往往会改变，通常纵深会拉长，尤其是打击乐器会放得更远一些。这样就不是我们在音乐厅中所见到的排列。

    “音场的位置”

    音场的位置应该包括音场的前、后、高、低。搭配不当的某些器材会使整个音场听起来象飘浮在半空中；有些听起来则又像是坐在音乐厅的二楼观看舞台一样。形成音场位置的原因很多，比如音箱的摆位、频率响应的不均匀都有很大的影响。一个理想的音场位置应该是怎样的呢？我们可以用听一个交响乐队演奏的方法来体会。当交响乐队演奏时，低音提琴、大提琴的声音应该从比较低一点的地方发出来，小提琴的位置要比低音提琴和大提琴略高一些；录音时乐团应该是前低后高，像铜管乐器就极有可能在较高的位置。对于整个音场的高度我们可以用下面的方法来确定，音场高度应该略低于您坐着时两眼平视的高度。换句话说，小提琴应该在视线以上，大提琴、低音提琴应该在视线以下。铜管至少要与小提琴等高或更高。那么音场的前 、后位置应该在那里呢？资深的发烧友都知道，应该在音箱的前面板拉一条直线然后往后延伸的一段距离内。当然，这种最理想的音场位置是不容实现的，因为它与您的音响搭配、聆听环境和所播放的软件有极大的关系。一般来说，从音箱前面板往后延伸比较容易，不过，不能“后缩”得太多。如果后缩太多，象一些发烧友说的那样“直抵对街’就不对了。

    “音场的宽度”

    有时候我们常常能听到发烧友夸口：“我的音场不只是超出音箱，甚至可以破墙而出”。这句话在外行人听来，简直是天方夜谭。而对于有经验的朋友来说，只不过有一点夸张而已。通常，在流行音乐的演奏中，您可以偶而听到有乐器在音箱外侧响起；而在古典音乐演奏时，您往往会觉得乐团的宽度已经超出二个音箱之间的宽度，这就是超出音箱、宽抵侧墙。许多发烧友都有这种经验，不必多费口舌。至于破墙而出，那恐怕就要靠一点想像力了。至少，用想象的眼睛能够看得到的音场位置才算真正的音场，墙外的东西我们看不到，我们很难肯定它在那里。所以，音场的宽度其实只在墙壁之内而已。如果您听到声音是紧缩在两只音箱的中间而没有超出音箱两侧的话，那么您最好请一位懂行的发烧友去给您的音响诊断一下，看看是那儿出了毛病。

    “音场的深度”

    “音场的深度”就是我们常说的“深度感”，“深度感”不同于“层次感”、“定位感”，因为层次和定位与音场没有多大的关系，而深度感却仍然属于音场的范围。与“音场的宽度”一样，许多人会说他家的音场深度早已破墙而出，深到对街。这当然也仅仅是一种自我满足的形容词而已。真正的”音场深度”指的是音场中最前一线乐器与最后一线乐器之间的距离。换句话说，它极可能是指小提琴与大鼓、定音鼓之间的距离。“宽到隔邻、深过对街”这应该是包含在“空间感”中，这个问题有待我们在今后的去讨论。有些器材或环境由于中低频或低频过多，因此大鼓与定音鼓动的位置会靠前一些，这时，音场的深度当然很差。反过来说，有些音场的位置向后缩，结果被误以为音场的深度很好，其实那是错误的。我想您一定没有见过一个乐队会排成一个竖条的，您只要把握住“小提琴到定音鼓、大鼓之间的距离”这个概念，您就一定能准确地说出音场的深度。

  • Alex周记 | 唱片收藏有方法，有些CD榜单值得一看！

    Alex周记 | 唱片收藏有方法，有些CD榜单值得一看！

    不知道什么时候开始，我会慢慢关注网上一些别人罗列好的榜单，无论是古典、流行还是轻音乐，只要是制作精良，或者充满话题性和趣味性的，我都会去留意，这里就简单分享几个之前收藏的唱片名单，我相信照着这个清单去采购CD唱片或者Hi-Res档案，总不会有错吧。

    一、知名度最高的10张示范唱片
    01、 黑教堂
    02、 小夜曲
    03、 奶妈碟 ★美国TAS发烧名片+企鹅三星带花！
    04、 长发妹 ★ 经典女声天碟
    05、 阿姐鼓
    06、 作品3号公司4.1测试碟
    07、 无敌天碟 RR公司
    08、 老鹰乐队–冰封地狱
    09、 当铺爵士
    10、 蔡琴老歌

    二、最爱欢迎的10张古典音乐示范唱片
    01、 罗西尼弦乐奏鸣曲集
    02、 狂想曲
    03、 维瓦尔第《四季》
    04、 布兰诗歌 ★ 美国TAS发烧名片，Tdlarc罗伯特萧版
    05、 妈妈教我的歌 ★ JMR出品绝对好的小提琴
    06、 西班牙 ★CD圣经上榜天碟
    07、 慕特小提琴作品
    08、 莫扎特小夜曲
    09、 萧邦夜曲
    10、 古典黄页歌剧黄页

    三、最受欢迎的10大古典音乐示范曲目、曲段
    01、 小提琴协奏曲”粱山伯与祝英台”
    02、 维瓦尔第《四季》之”春”首乐章 ★（全曲）马连纳版企鹅三星带花
    03、 比才《卡门》组曲
    04、 贝多芬《第五交响曲》”命运”首乐章
    05、 李斯特《匈牙利狂想曲》1号 ★ 著名的白头翁，RCA金喇叭TAS发烧名片
    06、 萨拉萨蒂《流浪者之歌》
    07、 里查斯特劳斯《查拉图斯特拉如是说》”日出”
    08、 意大利歌曲《我的太阳》
    09、 威尔第《阿依达》”凯旋归来”
    10、 圣桑《动物狂欢节》”天鹅”

    四、受欢迎的10张爵士音乐示范唱片
    01、 多手仔
    02、 卡萝琦金选集
    03、 夏韶声：谙
    04、 清凉 ★ 俗称“两条青瓜”CD圣经年年上榜！！
    05、 向”本”先生致敬
    06、 超时空大提琴
    07、 蓝调萨克斯风 ★ Proprius出品的发烧天碟
    08、 超级三盲鼠之声
    09、 午夜徘徊
    10、 杨小琳

    五、最受欢迎的10张西洋流行音乐示范唱片
    01、 蓝雨衣
    02、 比拉芳提在卡耐基大厅 ★美国TAS唱片发烧榜
    03、 温暖你的心 ★ 爱伦奈维尔演绎，相当HIFI发烧碟
    04、 织梦
    05、 情比金坚 ★ 美国TAS唱片发烧榜。
    06、 酒红色的心
    07、 肯尼基的现场音乐会
    08、 浮水印
    09、 痴迷
    10、 pink floyd月之暗面

    六、最受欢迎的10张中国流行音乐示范唱片
    01、 民歌蔡琴 ★ 经典人声试音天碟
    02、 天堂
    03、 阿陶的歌
    04、 真情流露
    05、 邓丽君–淡淡柔情
    06、 王菲—天空
    07、 黄
    08、 留声（三）
    09、 今天 昨天
    10、 吕珊老歌集

    七、最受欢迎的10张中国民乐、新音乐示范唱片
    01、 响韵
    02、 江河水
    03、 炎黄第一鼓 ★ 全球第一张HDCD中乐发烧天碟！
    04、 丝竹管弦
    05、 音乐会组曲
    06、 雨果发烧碟（1-9）辑 5,6

    07、 绛州大鼓
    08、 中国最佳女声－崔岩光发烧天碟 ★ 中国女声的极品测试碟！
    09、 凤凰于飞
    10、 夜来香－印象

    八、最受欢迎的10张电影配乐示范唱片
    01、 泰坦尼克号
    02、 辛德勒名单
    03、 屁隆夫人
    04、 鬼医
    05、 悲情城市 ★ 因其强劲刺激的超低频而被誉为发烧天碟。
    06、 闪亮的风采
    07、 豹妹 ★ 美国TAS唱片发烧榜，它的音效保证迷死所有的音响迷。
    08、 翡翠森林 ★ 美国TAS唱片发烧榜，音乐动听，效果及佳！
    09、 职业特工队
    10、 末代皇帝

    九、最爱欢迎的10张音效类唱片
    01、 打碎玻璃樽 ★ 经典的试音天碟
    02、 大昌发烧碟
    03、 电子贝多芬
    04、 火车头
    05、 滴水
    06、 HDCD示范碟2
    07、 谢菲尔德实验室的器乐演奏录音和爵士鼓录音
    08、 奇幻历险记
    09、 弗拉门戈
    10、 至尊鼓王

    十、HI-FI试音碟
    01、《2003广州高级音响展》发烧HIFI精典珍藏版(APE)★
    02、《柏林之声Ⅱ》试音碟★
    03、《发烧专门店2002》★
    04、《惠威试音碟》（APE）★
    05、《天碟落地》世界各国优秀女声录音为主的发烧片★
    06、《响宴》－－CD圣经上榜★
    07、《中国音乐试音碟皇》★－高浪初郎用真空管录制的发烧天碟
    08、《The Mass》★
    09、《The Hunter》★猎人－经典发烧流行天碟

    十一、NEWAGE
    01、马修连恩（Matthew Lien）七张大碟★
    02、《Bleeding Wolves 狼》
    03、《Caribou Commons 驯鹿宣言》
    04、《Confluence 汇流》
    05、《In So Many Words 旅程》
    06、《Music To See By》
    07、《Touching The Earth 美麗新世界》
    08、《Voyage To Paradise 海角一乐园》
    09、《变身怪医》BMG★
    10、《Voyage》发烧天碟★
    11、《绿蓑衣》杨小琳★
    12、《一意孤行》★

    十二、电影音乐
    《大河之舞》大型经典音乐剧（踢踏舞）DVD★十三、古典音乐
    01、 大炮名琴《帕格尼尼的小提琴》
    02、 海顿《皇帝_五度_日出弦乐四重奏》★英国企鹅三星带花
    03、 亨德尔《六首大协奏曲》★
    04、 亨德尔《竖琴协奏曲》 ★英国企鹅三星带花
    05、 维瓦尔第《器乐协奏曲》

    十三、通俗音乐
    01、《Backstreet Boys_Black & Blue》★
    02、《2003年度格莱美10佳金曲》★
    03、《DIDO 专集》★
    04、《New Year Gift》★
    05、《吉他古韵》★
    06、《中国十大名曲》★
    07、《醉笛》★

  • 品牌 | “音响的本质，在于还原真实的声音” AVANCE丹麦皇冠40年

    AVANCE丹麦皇冠，始于1973年，知名扬声器品牌，设计风格以恬静、富有韵味而著称，因开创混凝土扬声器的历史而风靡全球

    在今天，有着四十年历史的AVANCE品牌在全球范围内已成为“丹麦音响”的代名词。在Hi-Fi音响发展史上，AVANCE曾因开创了混凝土扬声器的历史而风靡全球，三十年后，AVANCE推出的彩色金属音箱则以足够惊艳的设计风格和声音品质独树一帜，不肯妥协地延续着四十年前的创新精神和艺术品位。AVANCE于1973年由Poul Rossing（保罗 乐圣）创建于丹麦王国的滨海城市Holbeak，并在其后短短几年的时间里发展成为蜚声世界的Hi-Fi品牌。AVANCE最初源于Poul Rossing（保罗 乐圣）对音乐的热爱。这位当今欧洲颇负盛名的“音响教父”在少年时代就对音响表现出超乎常人的兴趣和天分。同时，他对音乐也有超凡的领悟能力。学生时代，他曾是当地爵士乐队的鼓手，这一经历深深影响着他其后的设计理念，并让AVANCE品牌延续四十年辉煌不衰。

    Poul Rossing（保罗 乐圣）的父亲是丹麦有名的Hi-Fi音响代理商，他创办的Rossing Electronics A/S公司曾是Audio Research、Luxman、Fidelity Research、Audiopro 、Alpine、Cabasse等Hi-Fi音响品牌在丹麦的独家代理商。Poul Rossing（保罗 乐圣）21岁时继承父业，全心投入音响事业，他创办了Avance International A/S公司，以AVANCE品牌生产音箱。不久后，AVANCE推出了以混凝土材料为箱体、外形非对称的Hi-End音箱，箱体几乎没有共振和声染。从混凝土音箱里发出的声音具有非常高的解析力和动态反应，中频干净，背景清澈，虽然当时销量不大，但在音响圈内评价很高。尤其被欧洲、日本等国家的发烧友奉为“神品”。

    混凝土扬声器的研发成功，不仅奠定了AVANCE在HI-FI音响领域的历史地位，同时还使AVANCE从一个丹麦地方性品牌迅速成为全球知名品牌。由于混凝土音箱生产不便，随着产量的增加，AVANCE的生产线受到了诸多限制，Poul Rossing（保罗 乐圣）于是转而投入到木质音箱的生产。丹麦是一个四面环水的小国，最初只是一个有着很长海岸线的小岛，大海在其身边荡漾，丹麦的地貌平展，优雅而富有魅力。其特殊气候环境下生长着的山毛榉是制造音箱的最佳材料之一。也因此AVANCE的实木音箱很快在全球范围内获得了较高的声誉。

    1997年，皇冠新加入一位优秀的电声设计工程师Milad Kahfizadeh(米拉德 卡菲扎德)，与Poul Rossing（保罗 乐圣）一起负责AVANCE产品的设计与研发，这两位主力设计人员都非常注重音箱设计中科学客观的数据研究。在皇冠的研发基地中，他们采用精密设备辅助设计，并辅以大量的实际试听，甚至组织了一个由众位有独立见解的专家组成的试听小组。

    “音响的本质，在于还原真实的声音”是AVANCE对于音响的理解，也是AVANCE设计产品的基本原则。因此，AVANCE十分注重高质素扬声器单元的应用，在AVANCE的大部分产品中，均采用了由丹麦HI-FI扬声器名厂Scan-speak、Dynaudio为AVANCE量身定做的单元，若以同级产品的标准去衡量，AVANCE投入在单元上的成本要昂贵许多倍。

    AVANCE的设计风格以恬静、富有韵味而著称，它将外观设计与功能设计融合为一体，形成平衡与协调的高度统一，配合精良、上乘的制作工艺，代表着丹麦的设计品位。AVANCE皇冠的品牌理念就是一种在同等价格当中去追求高标准和完美的实践，欧洲知名音响杂志及设备测评机构《EISA》、《THE HOME THERTER MAGAZINE》、《TEST VINDER》对AVANCE的认可并颁发奖牌，足以证明就实用性和性价比来说，AVANCE实至名归。

  • IMAX影厅的分类

    IMAX影厅的分类

    IMAX影厅有以下4种：

    1、IMAX GT影厅

    首先于1970年推出的GT 2D影厅是日后其它IMAX影厅的原型，采用15/70胶片，用一台大型“水平波状循环进片”的GT放映机放映，该放映机近乎一辆微型轿车大小，重达1.8t，放映光源为15kW氙灯水冷式（全球功率最大的电影放映光源）。GT影厅属专利设计，一般为400座，可达1000座；银幕一般为30m×24m，最大35.73m×29.42m。

    2、IMAX SR影厅

    这是IMAX公司为降低土建和设备投入、节省运营成本及满足商业多厅影院的需求，于1998 年推出的第一代紧凑型放映系统，采用两台SR放映机同步放映两盘单独的15/70胶片，配以2×7kW氙灯风冷式光SR放映机源。IMAX SR影厅亦属专利设计，银幕小于21m×17m，对应的合适座席小于350个，它实际是GT影厅的缩小版，以适应其变小的银幕。

    3、IMAX MPX影厅

    IMAX MPX影厅这是IMAX公司为放映IMAX DMR胶片版影片，于2004年推出的第二代紧凑型放映系统。再次大幅降低了设备和运营成本，因其不仅可放映IMAX原创片，还可放映IMAX DMR故事片，使片源更广，更适宜建在商业多厅影院中。MPX也是最新型的二合一放映系统，即可用最经济的方式将胶片放映系统升级为数字放映系统。MPX影厅标准版亦属专利设计，银幕一般小于23m×14.5m，合理座席数为350个。

    4、IMAX Digital影厅

    IMAX公司为解决因15/70胶片版影片的拍摄、后期制作、发行、放映成本过高而带来的片源过少，以及胶片版放映系统投资及运营维护成本高昂等一系列问题，于2008年推出了数字放映系统，用于放映IMAX DMR数字版影片。采用硬盘数字拷贝及两台2K分辨率的数字放映机加影像优化器，配2×6kW灯泡，成本虽大幅降低，但画面解析度约4K，仅相当于35mm胶片的影像水平，丧失了15/70胶片版大画面、高解析度的优势。IMAX公司已在测试两台4K数字放映机，一旦成功，解析度可达约8K，成像水平将超越15/70胶片版的6K。

  • Hello World 影音新生活

    Hello World 影音新生活

    欢迎來到“影音新生活”www.iavlife.com
    希望你们喜欢这里!

    大家好，我是“影音新生活”的创办人兼主编陆继恒，行内朋友都叫我Alex，来自广州。

    我最早是一名耳机玩家，同时也是Hi-Fi和家庭影院的爱好者。在创办“影音新生活”之前，我曾在《数码时代》、《家庭影院技术》和《影音极品》工作。并且在2014年创立“影音新生活”网站，我一直活跃在影音媒体圈，从事报道与测评的工作，也享受其中。这里回顾一下我的工作行程：

    2026

    1月17日：Aurender A1 15周年纪念版新品发布暨KUGOU HiFi联合演示活动（广州）
    1月11日：ESTELON Extreme MK II旗舰广州试听会（广州）

    2025

    12月28日：山灵、YBA、ONIX旗舰新品发布会（广州）
    12月26日：KUGOU HIFI品牌发布会（广州）
    12月26日：2025广州国际音响唱片展（广州）
    11月11日：Galaxy Studios录音室参观（比利时）
    11月12日：Procella Audio年度会议（比利时）
    11月8日：2025第二十四届汕头国际音响展（汕头）
    11月6日：Barco Residential巴可高端家庭影院技术交流会（无锡）
    11月6日：CIIE第八届中国国际进口博览会 – AsahiKASEI旭化成采访（上海）
    10月18日：Starke Sound A2功放广州鉴赏会（广州）
    9月19日：武汉梦工厂影音采访（武汉）
    9月20日：Matrix Audio矩声臻选之作声动中国 – 武汉站（武汉）
    8月15日：第19届深圳国际音频展（深圳）
    8月15日：S.M.S.L 2025新品发布会（深圳）
    8月15日：海贝 2025新品发布会（深圳）
    8月15日：水月雨 2025新品发布会（深圳）
    8月14日：Palavox Akasha媒体见面会（深圳）
    8月8日：2025香港高级视听展（香港）
    7月19日：IAG先歌国际影音年度经销商大会&力仕百年盛典（深圳）
    7月16日：Barco Residential Heimdall广州品鉴会（广州）
    7月5日：AQ线材新品发布会（广州）
    7月4日：PolyGram“致敬粤语歌曲”环球音乐宝丽金绝版黑胶特展（广州）
    7月4日：Gryphon贵丰新品发布会（广州）
    7月4日：世纪格雷新品发布会（广州）
    7月4日：2025广州HIGH END – 臻品展（广州）
    6月21日：西安艾慕维影音采访（西安）
    6月20日：2025未来全宅 – 第19场（西安）
    5月29日：2025 第五届北京国际音响展（北京）
    4月22日：WiiM品牌发布会（汕头）
    4月12日：2025山灵便携新品发布会（上海）
    4月12日：第32届SIAV上海国际高级HI-FI会（上海）
    4月11日：SIM2新品X80发布会（上海）
    4月9日：LINN 2025新品发布会（汕头）
    2月14日：LOVE-520恺撒堡音响发布会（广州）

    2024

    12月6日：第十九届南宁东盟国际视听展（南宁）
    11月23日：EAhibrid创新数字新品&媒体发表会（广州）
    10月24日：Focal DIVA Utopia超凡新品发布会（上海）
    9月21日：第18届深圳国际音频展（深圳）
    9月8日：Trinnov WaveForming温州影院采访（温州）
    9月7日：上海国际智能建筑展览会（上海）
    7月14日：Aurender 2024新品发布会（汕头）
    6月25日：Trinnov WaveForming温州影院采访（温州）
    6月24日：2024 Trinnov Audio WaveForming培训交流会（上海）

    2023

    2022

    2021

    2020

    2019

    2018

    10月9日：Artnovion欧洲声学大会（葡萄牙）

    2017

    2016

    2015

    2014

    2013

    2012

    2011

    2010

    2009

    2008

    2007

    2006

    2005

     

  • 科普 | 如何欣赏音乐？

    科普 | 如何欣赏音乐？

    第一章

    如何欣赏音乐是一个非常老的话题。多少年来，一直有许多的专论。可到底该怎样欣赏音乐，还是有人不明白。其实,欣赏音乐也可以说是一个非常简单的问题，那就是只要你喜欢就行。经常都听到很多人说：“音乐好，就是听不懂。”可我也经常反问他们：你到底要听懂什么呢？音乐这东西，你只要觉得好听就行。何必要这么功利性的搞懂呢？其实真是这样。一首音乐名曲，你只要觉得好听，能让你感动就行了，不一定非去琢磨这曲子是描写的是什么故事。什么曲式、调性、主题那是下一步的事。其实那些都还不是重要的。最重要的是你首先必须要觉得好听，能被这音乐感动。否则再是什么名曲对你也是白搭。至于那些东西是对音乐下一步了解的事。如果你能被音乐感动那就什么都好办。因为你在被感动时，会有一种冲动的想法，你会去思考为什么这音乐让人感动万分。这到底是因为什么？也就这样，你就有了进一步了解音乐的渴望。你想一开始就什么都搞懂那不太可能。

    音乐在刚刚开始欣赏时，它所具有的那种音响的感染力太大了，它几乎能让所有听到它的人为之感动。这个时侯的音乐是非常神秘的。它具有巨大的魅力，让人着迷。不管是旋律还是歌词，甚至到伴奏的和声等等，都会让人激动万分。我们可以从喜欢不同音乐类型的人群中看到流行歌曲和浪漫情调音乐的差别。非常明显的是音乐在这个时侯对感官的引诱力太大了，特别是对那些还没有真正接触音乐或较少接触音乐的人更是如此。他们会一下子被它那或委婉的旋律或鲜明的节奏或悦耳的和弦甚至缠绵的歌词所吸引。也正因为如此，才会有很多人在这个时侯往往把音乐当作一种寄托，当作理想，当作礼物，当作远离现实的逃避，甚至当作是自己的幻想世界。正因为如此，才有人经常参加电台电视台的点歌节目，把自己喜欢的某支歌作为自己的一种心意当作礼物送给别人。因为他们觉得这音乐(歌曲)使自己感动，就好象是自己的心境的表露。当然这无可非议，送什么给别人那是自个的事。一切都是在向前发展的。人不可能永远停留在一个欣赏阶段。在喜欢流行歌曲的人群中有一点是明确的，那就是三十岁以上的人肯定很少。为什么？仅就阅历而言，那些“为了爱梦一生”、“永远相信爱情”真是一场比较虚的事。没有人会永远生活在这样的歌曲里，自己受不了别人也受不了。

    第二章

    音乐欣赏由浅入深有这么一个过程，即从感性（被音乐感动）到理性认识（探究音 乐知识）又回到感性认识（更深层次的欣赏）这样三个阶段。这是欣赏音乐的必经之路。一个学习乐器的人也许不一定就是一个很好的音乐欣赏者，因为他关注的是技巧。表达与理解不是一回子事。音乐有自己的语言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表达含义，音乐里的和弦、乐谱、速度、调性也有其含义。在刚一开始期间音乐能从感官上打动你，让你激动让你欣喜。这是一种无意识的审美活动。可如果就此而已，你还是没办法去真正聆听音乐。

    音乐具有巨大的感染力。这种感染力不仅是对刚接触音乐的年轻人，对一个饱经风霜、历尽人间艰辛的老人也是如此。只是欣赏音乐的阶段不同，所带来的思想内容也就不尽相同了。在感性认识的阶段，你对音乐的理解还只限于感官感受。如果你在欣赏音乐中不是主动积极的，那么你也许就没法真正去领会音乐的真谛。比如〈蓝色多瑙河〉这首脍炙人口的名曲，在感性认识阶段，我们会觉得它十分动听，其实我们仅仅只是被那起伏的旋律和三拍子的圆舞曲节奏以及这首名曲的故事名声以及其他因素所吸引。我们并不知晓三拍子的圆舞曲形式为什么这么吸引人；不知晓在这首曲子究竟由几首什么样的小圆舞曲组成；我们也不知晓斯特劳斯圆舞曲与其他圆舞曲有什么实质性上的不同，但首先我们会被吸引会被感动。如果你面对一曲好听的音乐而无动于衷，那才是最没办法的。欣赏音乐时你必须是一个积极的聆听者，绝不满足于简单的感官感受和无意识的欣赏。这样你才会去深入了解这首作品的其他内容，从创作背景到音乐流派以至于音乐曲式主题思想内涵艺术造诣等等。这样，你对音乐的感悟就会比别人更深。在感性认识的第一阶段，我们通常还会借用一些作曲家对曲目的标题或后人标注的文字说明来加深对音乐的理解。比如《献给爱丽丝》这首贝多芬所作的钢琴小品，聆听中结合音乐加上标题文字的联想，我们就能很好理解这首温馨明快的抒情小品；又再如墨西哥作曲家罗萨斯的《乘风破浪圆舞曲》，由标题中我们可以领略到音乐所描写的那浪花飞溅,海鸥飞翔、在波峰浪尖中航行的自由愉快的心情；克莱斯勒的小提琴曲《中国花鼓》，一听曲名就知道是由中国的五声音调来表现出热烈又欢快的情调。在浩瀚的音乐长河中有大量的标题性音乐，只要你愿意走进这音乐圣殿，你就会发现这殿堂堂中满是人类文明的精华，它就象一笔巨大的财富足够你受用一辈子。

    第三章

    音乐欣赏在最初阶段，主要靠感官对音响的感受。动听的旋律，悦耳的和声，有规律的节奏，起伏的响度等等。都让人感受到的一种欣愉。一个音乐爱好者特别是音响爱好者大都有这样的感受：首先追求的是音效。一开始用音响器材来重播音乐，是聆听比较音响器材，对不同的重播效果比如节奏、音色、动态等等这些关于音响的概念涉及教多。至于什么内容、复调、赋格、对位，什么是塔兰泰拉，什么是奏鸣曲式，统统不知道。其实不完全是一部份音响爱好者不知道，很多人都不知道这些乐理概念。其实也没什么关系？音乐欣赏并不要求人人都是音乐家。每一个聆听音乐的人都会经历这么一个初级阶段，不管一开始他听流行歌曲或是听通俗交响音乐。这些年来，我也看到有这么一个现象：有一些年青人，主要是中学生，如果他在孩提时没有受到音乐文化的熏陶，他将很快就迷上如迈克尔.杰克逊之类的摇滚音乐且很快变成一个执迷疯狂的追随者。因为他们一下子就被那种疯狂的节奏和刺激的声响所迷惑，至于内容是什么，他们不理解，也不会理解，跟那些有理智的摇滚乐爱好者相比，他们只算是小儿科。有时侯在电视台也会播出一些垃圾音乐节目，尽管不多却叫人恶心，但这些节目却有着一大群追随者。我们再不能说在社会主义中国的电视节目里上演的都是健康向上的节目，有时侯也会考虑的赞助广告收视率，一个被动的，毫无鉴别能力的人很容易把糟粕当精华。

    欣赏音乐时，你必须是主动积极的。你要有自身的体验，这种音乐的体验是非常重要的，因为按图索骥的音乐欣赏指南，仅仅是协助你加深这个体验。你想仅凭一本小册子或几篇类似这样粗浅的文章就能学会欣赏音乐。那是妄想。因为音乐指南介绍只能告诉你怎样去欣赏音乐，如果你连一点点音乐的内心体验都没有，那些介绍指南再读也是白搭。因为没有一本书或一篇文章会教你如何在心中涌出激情或产生欣愉，悲哀或忧愁。因为这是人的本性所在，恩雅那近乎晦涩的音乐让大多数人听起来宛如天赖之音，可有人听出的梦呓和静穆，这没关系。你的素质和阅历驱使你这样。可如果你面对什么样的音乐都无动于衷，那才是真正的悲哀。

    音乐不是调味品，尽管它可以拿来调节气氛，但它绝不是调味品。可现在很多人却把音乐当作调味品，似乎音乐是一个高档神奇的调味品。商店开张、大宴宾客、红白喜事……音乐就象餐厅的胡椒。当音乐那神奇的声音响起，它确实可以改变一切，它可以顿时让你肃穆，可以让你欣喜万分，也可以一下子就让你忧郁千种。音乐这种巨大的感染力是非常神秘的，但你千万别去把音乐拿来当装饰品，这里放一首通俗歌曲，那里来一段萨克斯，就象用那些廉价的塑料装饰品来装饰你的居室。

    总之，在欣赏音乐的初级阶段即感性阶段，你需要的是对音乐魅力的内心体验。不管是优美的旋律，还是迷人的音色或缠绵的歌词。总之，需要是你能被音乐感动。只要你能被音乐感动就什么都好办了。

    第四章

    被音乐感动。在聆听音乐时情感体验以及对探求音乐的欲望将驱使你走入音乐圣殿的第二道大门：理性认识阶段。如果不经过这个阶段，你仍是一个被动无为的音乐聆听者，尽管你也许会选择音乐，也可能随时都在听音乐，可你仍然是被动的，因为除了你被音乐感动之外什么也没有了。优美也罢，欢乐也罢，悲伤也罢，仅仅只是听感上造成你的情绪上的波动而已。你当然可以随时随地的听音乐，连骑自行车上班或者进餐什么的都可以聆听音乐，但此时的音乐仅仅只是给你造成一个屏障，用音乐里那些旋律节奏来隔绝城市的喧嚣和人世的纠葛。我们在前面提到过，音乐不是调味品。音乐尽管是非常神奇的，但它决不是调味品。音乐是需要被人聆听的。你真要拿它来做别的用途，如烘托气氛、调节情绪、甚至于拿它来开胃，那它就不是音乐了。因为没人会认真地聆听餐厅重播的音响，更没有人会被某候机厅的音乐激动。只有当你认真地聆听音乐的时候，音乐才是音乐。因为一件响器如果能引起你内心体验其中必定有某种内涵，这种内涵就是音乐内容本身。

    进入到音乐欣赏的理性认识阶段，说明我们欣赏音乐从被动到主动的发展过程。在这个圣殿的第二道大门中，我们将认识巴赫、莫扎特，体会贝多芬、拉赫玛尼诺夫。总之，整个人类文明历史中所有著名的音乐家都将一个个从我们前面走过，让我们认识了解。我们还将知道音乐构成的要素：旋律节奏音色和声；知道什么是巴洛克音乐，谁是浪漫主义后期的音乐代表；奏鸣曲和奏鸣曲式怎么不同。一个刚接触音乐的人对音乐的认识应该说是比较肤浅的。如果不全面地理解音乐，你就不能更好地欣赏音乐。比如你不知道什么是音色，你就根本无法去理解音乐。因为音色就犹如绘画中那绚丽的颜色，从而决定了丰富的音乐含意。又比如在柴科夫斯基第六《悲怆》交响曲中那个感人至深的主题，其感染力实在让人欲哭无泪。杨明望先生对这个主题有一段让我觉得是非常精彩的描述：“这个困倦的心灵，带着不可磨灭的创伤，在无法抚慰的恸哭和悲哀绝望的热潮中，终于投入永恒死亡的怀抱。”如果对音乐没有了解，你能了解这个主题的深刻含义？

    在理性认识的这个阶段，不一定每个人都有机会或条件去认真系统的学习音乐理论和音乐史。但我们仍可以通过其他一些书籍来获取有关音乐的知识。用《名曲赏析》这类型的书来对比聆听是最好的方法之一。乐曲分析、曲式结构、主题提示等对聆听者是必不可少的一环。这样一来，你就知道了协奏曲与交响曲在结构上的差别；你也就知道变奏曲与回旋曲的不同；甚至你也许就开始迷上了马勒或是勃拉姆斯；帕瓦洛蒂那高昂激扬的嗓音与阿姆斯特郎的沙哑声可能你也同时都会喜欢。等等这一切都是建立在你对音乐了解的基础上的。也就在这个时候，你也开始发生变化了：你的谈吐、你的见解、你的阅历和涵养等等。“芝麻开花”，音乐这座巨大的宝藏已经对你敞开了大门。

    第五章

    所有的音乐都有其自身的内涵，你对音乐的了解就是对这些音乐内涵的认识过程。尽管每一个人都不可能孤立地停留在一个阶段去单纯地探究音乐知识而置音乐内涵于不顾。借助一些音乐欣赏名曲分析等一些辅助工具，认真聆听一首音乐作品是必要的。在这个阶段首先要了解音乐史，要知道音乐不同时期的不同的表现形式；你还要了解作曲家的基本内容如贝多芬和瓦格纳在音乐创作上的不同风格和思想；另外你还需要知道一些音乐的基本知识，比如曲式。其实曲式就是乐曲的形式。在曲式中最需要了解的首先是奏鸣曲式。一般说来，在古典音乐的曲式中，以奏鸣曲式为最多。奏鸣曲式基本上代表了大部分乐曲的基本形式，交响曲、协奏曲、室内乐等大都采用的是这种形式。奏鸣曲式有一个乐章，也有三至四个乐章的。曲式当然不仅仅只是奏鸣曲式，曲式还有很多种。如变奏曲，用一个主题进行各种演变：A-A1-A2-A3-…..AZ，对变奏曲的了解可以聆听柴科夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，一个主题变化为七个变奏；又如回旋曲，它的基本含义就是由一个主题多次重复：A-B-A-C-D-A……等，其中A代表主题，而B.C.D…..等则代表变化，每一次变化之后又回到主题。对这个曲式的了解可聆听莫扎特的《A小调钢琴回旋曲》。

    音乐欣赏还应该了解主题。音乐中的主题是至关重要。在一首乐曲中，一个聆听者必然牢牢记住这首乐曲中的音乐主题形象，它的变化对比发展等构成了音乐的全部内涵。所以我们在聆听音乐时一定要学会记住主题。在柏辽兹的《幻想交响曲》中那个孱弱敏感的青年艺术家主题音乐形象，从乐曲的第一乐章一直贯穿到第五乐章，且每个乐章都有其不同的变化。从一开始温柔纯真到最后的怪诞疯狂。仔细聆听这个乐曲对理解主题比较有帮助。如果你在聆听音乐时连主题形象都听不出来，你就没办法去很好地理解音乐。当然，音乐的主题不象视觉上的形象那样鲜明清晰，电影中的主要人物一出场，你就知道了电影的全部过程中一定是以他为主。小说也一样，《红楼梦》中的贾宝玉与林黛玉是一个对比的主题，两个主题形象的关系对比发展贯穿整个小说。尽管也有其他的人物，如金陵十二钗和贾府众多人口，但主题形象却依然是贾宝玉与林黛玉。音乐里主题形象其实也是如此，只是音乐里的主题形象不会象电影小说里那样鲜明。在一首乐曲里，音乐形象也有许多，但不管再多它们全都是围绕乐曲的主题形象的。在贝多芬《命运交响曲》中有很多其它的音乐形象：悲哀、叹息、撕杀、凶残、深沉的思考与坚强的信念、光明、胜利，甚至还有忧郁与彷徨，但这些都是由对比的主题形象而产生的。所以，在认真聆听音乐时一定要紧紧抓住主题，就象雨果唱片公司的易有伍先生说的要提高你耳朵的聚焦能力，这样你才能在一遍音乐的轰鸣声中找到那个时刻变化的主题形象从而领略音乐的无穷魅力。

    第六章

    在欣赏音乐的这个审美过程中，除了曲式，还有诸多的因素,如节奏、音色等。仅就节奏而言，音乐的最初的起源应与节奏有十分密切的关系。节奏产生的韵律美使原始部落至今仍在信奉。不同组合的强弱快慢节奏以及多次重复能使节奏产生出非常巨大的内涵和韵味，让人疯狂或痴迷，没有人会拒绝节奏。在音乐中节奏的表现形式是节拍。节拍通常用小节线和节拍符号来表示，如3/4，就表明这是三拍子。每一拍为四分音符，每一小节内有三拍；第一拍为重音，后两拍为弱音。这样就构成了一个圆舞曲的节奏型。改变重音的位置会引起一些崭新的变化。把两个以上不同的节拍组在一起又将形成新的复节奏。就这样，无穷无尽的节奏就形成了我们音乐的组成要素之一。仅就节奏而言，一个欣赏者需要用耳朵去感受它而不是靠分析。整体的音乐欣赏也是如此。说起节奏还不得不提及诸如《哥利高里圣咏》之类的自由节拍的音乐体裁。在许多宗教早期音乐以及东方音乐中经常都有一些无节拍要求的音乐，其实这种自由节奏的音乐对节奏的要求更为精确的。只是这种精确已无法用节拍记号来标注它。它需要的是演奏者或演唱者对它更深层次的了解和把握。

    音乐的魅力当然不仅仅只是在主题、旋律`、节奏、色彩、曲式结构、调性等，有的时候甚至连作曲家的创作观念、演奏家的风格、录音师的录音技术及爱好，在加上聆听者的素质、阅历、情感、性格等等这些诸多因素加在一起才构成一个整体的音乐。单独去分析其中的一个部分其实都是对音乐的肢解。结合历史背景了解作曲家的创作个性，认真聆听主题的发展变化与对比，让你全身心都得到音乐及音响的感染，让你的思想情感以及情绪都在音乐的体验中发生微妙的变化。

    在音乐欣赏的第二个阶段中你需要了解的东西确实太多了，这很可能会吓到一些爱好者：我的妈，欣赏音乐这么难！其实也没有什么。因为所有你需要了解的一切一切都在建立在你对音乐极大的兴趣上的。对这些知识的了解又促使你对音乐发生更大的兴趣。前提是你对音乐首先要有一种需要的欲望，也就是你首先要真正热爱音乐！也就是因为这个前提，你才能进入到这个阶段去认真的学习这些音乐知识。

    第七章

    进入音乐欣赏的第三阶段，并不是十分明显的。因为对音乐认识的阶段永不能说结束。进入欣赏音乐的第三阶段，并不意味着要和过去的阶段划清界限。其实我们这样分析和介绍仅仅只是一个表述上的概念。但不管怎样，经过一段时间的学习，（在这个阶段的一切都主要靠你自己的自学，因为没有人会详细的教你如何分析和理解一首乐曲）我们对音乐已经有了一定的了解。这时候我们再来聆听音乐：当那神奇的乐音响起时，我们的心中就会泛起无际的激情的浪花。不管是与巴赫交谈还是和马勒神游；抑或是倾听莫扎特的心声，总之，音乐就象是情感的源泉。这时候你已经步入了音乐的殿堂。不管是人生征途的跋涉还是成家立业的拼搏；也不管你是年轻或年迈；落魄或得意，欢乐也罢，忧愁也罢，在音乐的殿堂里，你都是在用自己的情感去体验音乐！这时候音乐已经不再神秘的了。音乐也不再是高不可攀的了。音乐所表达的一切也都不再是外表的。也许主题还是那个主题，但“山远水远，你我的心不远”，现在的你聆听音乐时的内心体验已经有了更深的心潮涌动。也就在这个阶段，你已经从一个被动的聆听者转变成为一个自由的音乐爱好者了。你不会用主题分析曲式结构来约束你思绪的自由飞翔，也不会在一个标题下用一个简单的音乐形象来束缚想象力的驰骋和情感的涌动。尽管有的时候也需要去分析主题、探究曲式结构什么的，但真正在聆听音乐时你已经确确实实是用情感来体验音乐了。在这个时候你需要的是纯音乐而不是什么主题或名曲汇萃。名曲集锦和主题联奏之类的音乐是最让人倒胃口的。因为它实在无法让人去产生什么激情。这一类的音乐只能算是普及读物，经常聆听这样的音乐所带来的最大好处就是能参加音乐有奖竞猜活动。那跟欣赏音乐没有多少联系。

    在音乐欣赏的审美过程中，内心体验与认知活动永远是结合在一起的。从感性认识到理性认识的这一发展过程永远是不会停滞不前，我们对音乐的理解也永远是无止境的。跨入那美妙无穷的宏大的音乐圣殿，让我们自由尽情的翱翔吧！