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  • 永不凋谢的浪漫柔美,聆听10首动听法语歌曲

    永不凋谢的浪漫柔美,聆听10首动听法语歌曲

    法国这个神奇的国度注定要与浪漫联系在一起,而法语也是世界发音最好听的语言之一,不管是什么样的歌曲,用法语来吟唱,总会沾染上那种慵懒浪漫的气息。挑剔的耳朵也要偶尔换换品味,就让我们一起来品味这些最动听的法语歌曲吧!

    La vie en rose

    La Vie En Rose是?法国著名女歌手?艾迪特·皮雅芙( Eacute;dith Piaf,原名 Eacute;dith Giovanna Gassion,1915年12月19日-1963年10月11日),是法国最著名,也是最受爱戴的女歌手之一的代表作。她的多数作品反映了其悲剧的一生。

    Je m’appelle Hélène

    《我的名字叫伊莲》(Je m’appelle Hélène)由伊莲娜·霍莱演唱的一首法语歌曲,是一首很好听的老歌。曾连续25周夺得法国单曲排行榜冠军。是近年来广为人爱的一首流行歌。

    28????L’Ombre

    一首能把我的骨头唱酥了歌曲《28? ? L’Ombre》,舒缓的节奏,天使奏乐般的清爽,令人迷醉,在28度摩纳哥海滩边的树荫下,眯缝着眼睛,休息一下。听着这样的音乐,躺在海边的树荫下,喝着刚刚摘下来的青翠椰子,清风轻轻吹拂,海浪涛声阵阵,沙滩美景如画。偶尔随风飘来一阵幽香,眯着眼也就知道又是一道迷人的风景走过。这样的下午是多么美妙的时光!

    Tu?N’As?Pas?Cherché…

    La Grande Sophie 是名豪放不羁的女歌手,2003年大红大紫据说是凭借着《Du courage》那首歌,Sophie的音乐就是典型的法国流行歌范儿

    L’amour Est Bleu

    《爱是蓝色的》的作曲和歌词作者都来自法国,分别是安德列·帕泼和彼叶尔·考尔。当这首歌刚出现的时候,欧洲音乐比赛会的评委把它列为全欧洲的最后一个候选作品。到了1968年,通俗音乐家保罗·莫里哀把这首歌作为他的大众音乐会的一个节目上演,顿时被一位美国音乐出版商看中,并决定出版发行。在美国音乐出版商的推动下,1968年到1970年代,这首歌曲成了世界各地最流行的爱情歌曲。

    Magic Boulevard?

    《Magic Boulevard》(魔力大道)这首法文歌曲由法国著名音乐人Francois Feldman(佛朗索瓦?菲尔德曼)作曲并演唱。

    Nos Ballades

    首张专辑《Nos Ballades》由Pierre本人操刀,在天籁嗓音的主唱Iris Koshley和天才吉他兼贝斯手Beno?t Pillon的共同努力下于2009年隆重推出后,即刻在亚洲市场获得积极反响。

    Les Feuilles Mortes?

    《Les Feuilles Mortes》是秋天的符号。1945年,法国作曲家Joseph Kosma写下了这首从此风靡世界的经典香颂。

    ?A La Claire Fontaine?

    这首歌曲是电影《面纱》的主题曲。一首好的歌曲就是,一听到这首歌就能想到电影里的场景,这首歌曲正是这样。

    Non, je ne regrette rien

    这首歌既是电影《玫瑰人生》的片尾曲,也是电影《戏梦人生》《盗梦空间》《马达加斯加3》的插曲!

  • 那些温暖过我们的经典女声,声声动人

    那些温暖过我们的经典女声,声声动人

    90年代,一个盛产美女的时代,港台云集了四面八方而来的美女,每一个都是大家公认的美女,这些女星到了现在,给人留下的印象依然是那么的美艳绝伦。

    一起听听陈慧娴、邝美云、吴婉芳、梅艳芳等经典粤语女声用音乐带你穿越时空,重回90年代!

    初恋
    林志美

    改编自《初恋》玉置浩二这首歌可以说是玉置浩二的经典之作了。那略带沙哑而充斥着伤感的嗓音,仿佛在讲述一个故事,以歌曲本身为载体用心和灵魂在歌唱可以说是唱出日语歌的灵魂。

    情债
    陈明真

    《情债》由刘虞瑞填词,殷文琦 作曲。我们在人情世故里面走了一趟才明白,我们都无意之中伤了爱与不爱的人,感情纠缠是那么无可奈何,因为求不得,挥下去只好把它当成感情的债,所以纵然有再多的无奈,也要试着让自己少一点伤害。

    浅醉一生
    叶倩文

    《浅醉一生》,叶倩文演唱歌曲,由唐书琛作词,卢冠廷作曲,收录在叶倩文1989年的专辑《面对面》中。

    千千阙歌
    陈慧娴

    《千千阙歌》是香港女歌手陈慧娴演唱的一首歌曲,该曲选用日本歌星近藤真彦的歌曲《夕焼けの歌》(《夕阳之歌》),由香港填词人林振强重新填词,收在陈慧娴1989年7月发行的个人音乐专辑《永远是你的朋友》中。

    堆积情感
    邝美云

    《堆积情感》是1987年香港歌星邝美云演唱的歌曲,邝美云的这首歌曲,最令人难以忘怀的就是那句“霓虹交织的背影,迷蒙的看不清,不再问爱情是否永恒”,旋律也记得非常清楚——尽管歌曲的其余部分已经模糊了,邝美云的歌声透露出的无奈,实在是令人心酸。

    不想再见面
    吴婉芳

    吴婉芳也是位90年代初的女歌手。她的《不想再见面》更唱到街知巷闻。这首歌是她夺取最有前途新人奖项的作品。词曲相当的动人。

    绝对是个梦
    汤宝如

    《绝对是个梦》是香港歌手汤宝如成名曲,该歌是翻唱,日本歌手中岛美雪所唱的日文歌曲《山猫》。

    让我愉快爱一次
    周影

    周影曾经是宝丽金唱片公司旗下歌手,90年和91年出过专辑。周影的声线受到多方赞赏, 可惜发展并不理想, 唱片滞销。 最为人熟悉歌曲有《情路茫茫》及儿歌《学生歌》。《让我愉快爱一次》 是香港女歌手周影1991年发行第二张专辑《你仍然想我吗》中的歌曲,邓丽君名曲《我只在乎你》的粤语版。

    一生爱你千百回
    梅艳芳

    《一生爱你千百回》是收录于自梅艳芳1997年专辑《女人花》中的一首歌曲,由梅艳芳演唱,陈佳明作词,叶良俊作曲、Ricky Ho编曲。

    初恋情人
    刘小慧

    《初恋情人》是由刘小慧演唱的歌曲,1991年01月01日发行,收录于专辑《IN YOUR DREAMS》中。

  • 流动于唇齿之间的深邃,聆听欧美经典老牌情歌

    流动于唇齿之间的深邃,聆听欧美经典老牌情歌

    什么叫做经典?经典就是过了几十年人们依然口口传唱,那些旋律依旧朗朗上口,歌手们不断地翻唱,或许会加入新的时尚的元素,但经典的旋律永远不会改变。特别喜欢80、90年代左右的英文抒情歌曲,那是一种像咖啡一般的醇香弥漫耳际。

    Rainy Days And Mondays
    Carpenters

    《Rainy Days And Mondays》是歌手Carpenters演唱的一首歌,所属专辑是《Their Greatest Hits》。该歌曲的国语版为《雨天和周一》

    Nothing’s Gonna Change My Love For You
    George Benson

    《Nothing’s gonna change my love for you》(中文译作《此情永不移》,也有译成《痴心不改》《矢志不渝的爱》),是经典伦理爱情片《廊桥遗梦》主题曲。由Gerry Goffin和Michael Masser创作,最初由美国黑人爵士乐歌手George Benson在1984年演唱并收录于专辑,1990年代后被多人翻唱。

    How Deep Is Your Love
    Bee Gees

    《How deep is your love》是由Bee Gees乐队创作。Bee Gees的团名取自Barry Gibb的起首字母,由三个骨肉相连的亲兄弟于英国曼彻斯特组成。《How Can You Mend A Broken Heart》在七十年代初期夺下排行榜的冠军, Bee Gees一鼓作气堂堂迈入他们的辉煌时期。

    Stand By Me
    Ben E.King

    Stand by me是一首英文歌曲,由Ben E. King发表于1961年。有ladygaga翻唱过,还有约翰·列侬翻唱过.这首歌其实是根据灵歌“Lord StandBy Me”加以改编而重新创作的,获得了全美排行的第四名。1986年,由于电影“伴我同行”采用了他的这首旧作当作同名的主题歌,使得他再度的受到了注意 ,还因而夺下了英国排行的冠军。而根据BMI的统计,还是全美二十世纪最受欢迎百大歌曲的第四名。

    Reality
    Richard Sanderson

    《Reality》是法国电影《La Boum》(初吻)的主题曲,由Richard Sanderson演唱,曾是15个国家的冠军歌曲。《初吻》也是苏菲·玛索的成名作,很经典的电影,配上经典的歌曲,前奏一响起,甜蜜温暖的感觉让人沉醉,每一个音符里充满了恋爱的味道,仿佛回到了初恋的时候。

    Desperado
    Eagles

    这首歌收录于eagles 老鹰乐队的第二张同名专辑《desperado》亡命之徒 中,整张专辑讲述了一个十九世纪美国西部的盗匪帮 the Dalton Gang 的故事。这首单曲虽在二十世纪八十年代发行之处追捧,可随着老牌乐队的落寞,曾经的金曲也日益消沉。

    I’ve Never Been To Me
    Charlene

    《I’ve Never Been To Me》是Charlene Duncan(夏琳邓肯)代表作,也是邓丽君最爱的一首歌,未曾有自我。(I’ve Never Been to Me)是一首充满女性自觉的抒情歌曲。歌曲的叙述方式十分特别:描述一个历经沧桑的女人,见到一个因不满自己目下的生活、准备去追寻“自由”的怨妇,忍不住真挚地提出忠告“我自己也曾经有过放荡形骸的生活,甚至为追寻所谓的自由走遍了世界;而且凭借年轻和美貌,曾得到过别的女人做梦都不敢想的快乐时光;但是到头来却是一场空,等到年纪大了,发现自己追求的不过是镜花水月,甚至从未有过真正的自我”。

    Your Song
    Elton John

    《你的歌(Your Song)》是这组黄金搭档在1969年创作的第一首流行金曲,它最初出现约翰的第二张专辑,并于1970年正式发行。《你的歌》就像给了约翰和托平打开了传奇摇滚流行之路的大门,让他们迅速成为众人的焦点。

    Without You
    Mariah Carey

    Mariah Carey的声音曾被誉为世界上最美的女声,也许有点夸张,但是这首《Without You》确实把她的高水平发挥得淋漓尽致。顿挫回转的旋律,温暖又带沙哑的声音,无可挑剔的高音部分,一首歌听下来让人觉得很舒服。这首歌也是她在英国榜上仅有的两首冠军单曲之一。

    Because I Love You
    Shakin’ Stevens

    Shakin Stevens(希金斯·史蒂文斯)演绎的because i love you是第58届奥斯卡最佳影片“走出非洲”(OUT OF AFRICA)的主题曲。

    在演绎这首歌时, Shakin Stevens一改昔日活蹦乱跳的演唱风格,而是诚恳地唱出这首动听情歌以至轰动了整个欧美,也掳获了无数乐迷的心。时至今日,仍有许多年轻男女借这首歌表达彼此心中的爱慕之情。这首歌也是Shakin Stevens最广为人知的一首歌。

    Hotel California
    Eagles

    这首空前绝后的钻石级金曲是20世纪最著名的流行音乐作品,而造就它的就是以美国国鸟命名的乐队Eagles。“加州招待所”充满诡异、动人旋律,尤其是开头那段吉他solo,几十年来被乐迷津津乐道。而单看歌词,寥寥数笔,便几乎把上世纪70年代所有的忧伤与迷惘卷携殆尽。不过借用中国的一句古语“成也萧何,败也萧何”来说,可能是这首歌太成功了,歌迷对这首歌曲近乎于崇拜的喜爱已使他们忽略了Eagles其他的单曲。

    《加州旅馆》Hotel California作为老鹰乐队最经典的曲目,它的现场版更是广为流传,其原因不仅在于本首歌曲主唱Don Henley在现场版的迷幻演绎,更在于精彩的吉他solo演奏。

  • 金庸悄然离去!从此世上无大侠,只留江湖在人间

    金庸悄然离去!从此世上无大侠,只留江湖在人间

    金庸,本名查良镛,曾创作多部脍炙人口的小说,《雪山飞狐》《天龙八部》《射雕英雄传》《鹿鼎记》《笑傲江湖》《神雕侠侣》等,笔下的武侠人物陪伴了我们无数人的童年,老先生也被誉为“凡是有华人的地方,就有金庸的读者”。飞雪连天射白鹿,笑书神侠倚碧鸳,相信他只是去了他心中的武侠世界。

    今天“影音新生活”带大家一起回顾这些经典歌曲,追寻永远的侠客梦,追思侠之大者的英雄气。

    雪山飞狐

    《雪山飞狐》是长篇武侠小说,该作品共十回,1959年始连载于香港《新晚报》。

    小说以苗人凤和胡一刀夫妇为主角,通过宝树、苗人凤之女苗若兰、平阿四及陶百岁之口讲述了数年前与此相关的武林风波,用倒叙的手法讲述了江湖恩怨、藏宝寻宝、美女爱英雄的故事。这部小说有两个重大的线索,属双线结构,真正的人物也在前台表演甚少。

    《追梦人》是由罗大佑做词曲,原是罗大佑为电影《天若有情》创作的主题曲《天若有情》的国语版《青春无悔》,由袁凤瑛演唱,之后作为纪念作家三毛的歌曲增加部分歌词,由凤飞飞演唱。

    射雕英雄传

    《射雕英雄传》最初于1957年-1959年在《香港商报》上连载,这部小说共改编成了10版电视剧和5版电影。其中1989年TVB出品的,黄日华和翁美玲主演的那版,被奉为经典。

    《铁血丹心》是1983电视剧《射雕英雄传之铁血丹心》主题曲,由邓伟雄作词,顾嘉辉作曲,罗文 甄妮演唱。曲调优美、流畅,调式大气、简洁,成为萦绕在一代人心中难忘的旋律。金庸本人最认同的也并非这一版,而是2003年李亚鹏、周迅主演的那版。

    2003年李亚鹏版《射雕英雄传》的片头曲《天地都在我心中》由易茗作词,赵季平之子赵麟作曲,为听者展现出郭靖心怀家国,至仁至义的英雄气概。

    神雕侠侣

    “射雕三部曲”的第二部《神雕侠侣》,于1959年-1961年连载于香港《明报》,共改编成了8版电视剧,5版电影。

    《何日再相见》、《情义两心坚》是1983年香港TVB版由刘德华和陈玉莲主演的经典电视剧《神雕侠侣》的主题曲。张德兰演唱。

    《神话情话》是粤语版,《天下有情人》是国语版,两者都是95版本港版神雕侠侣的主题曲,除却作词是都是林夕,作曲全是周华健,编曲为洪敬尧,演唱者也都是周华健跟齐豫!

    《归去来》是1995年古天乐、李若彤版本《神雕侠侣》内地发行版的主题歌,由小柯作词作曲,胡兵、希莉娜依演唱。

    《任逍遥》是1997年任贤齐版《神雕侠侣》的片头曲,由台湾音乐人小虫特地为电视剧中的“杨过”量身定做,“英雄不怕出身太单薄”,一句话就写出了杨过的人物神韵,既自卑又自傲,另外,大气沉稳的曲风,也生动塑造出杨过的潇洒本性与侠骨柔情。

    2006年,黄晓明、刘亦菲主演的《神雕侠侣》首播,成为了90后最熟悉的武侠电视剧之一。在演小龙女时,刘亦菲仅18岁,与书中所写“十六七岁年纪”最为相近。她所饰演的小龙女,受认可度仅次于李若彤。

    倚天屠龙记

    “射雕三部曲”的终章,《倚天屠龙记》,于1961-1962年连载于香港《明报》,改编成了7版电视剧。4版电影。

    影响力最大的三部电视剧是1994年台视版,2001年TVB版,和2003年陆港台合拍版。

    《俩俩相忘》是1994年版《倚天屠龙记》的片尾曲之一,剧中第26集小昭曾清唱这首歌给张无忌听。词为厉曼婷所作,其中歌词参考金庸《倚天屠龙记》原著中小昭唱的小曲:“世情推物理,人生贵适意,想人间造物搬兴废。吉藏凶,凶藏吉。富贵哪能长富贵?日盈昃,月满亏蚀。地下东南,天高西北,天地尚无完体。展放愁眉,休争闲气。今日容颜,老于昨日。古往今来,尽须如此,管他贤的愚的,贫的和富的。到头这一身,难逃那一日。受用了一朝,一朝便宜。百岁光阴,七十者稀。急急流年,滔滔逝水。”

    《爱江山更爱美人》是台湾音乐人小虫根据李丽芬的独特声线,为她量身创作的中国古典风格歌曲,1994年,这首歌被选为马景涛、叶童版《倚天屠龙记》的片尾曲,在这首歌中,小虫用最朴素的

    文字,刻画出极具中国古典韵味的情境。

    《刀剑如梦》是1994年马景涛、叶童主演的《倚天屠龙记》第23集至第64集的片头曲,由詹德茂、周华健填词,周华健谱曲并演唱。每个男人心中都有一个江湖梦,而这首《刀剑如梦》则将这个梦勾勒得荡气回肠,周华健浑厚而富有磁性的嗓音,将歌曲的意境和主题表现得淋漓尽致

    《风起云涌》是电视剧《倚天屠龙记》2001年版主题曲。

    《心爱》为2003版《倚天屠龙记》主题曲。2003年版《倚天屠龙记》改编自金庸1961年所著的同名长篇小说。由导演杨韬执导,苏有朋、贾静雯、高圆圆、陈秀丽、陈紫函、张国立、张铁林领衔主演。 全剧以元末群雄纷起、江湖动荡为背景,讲述了一场以倚天剑和屠龙刀掀起腥风血雨的江湖故事。

    天龙八部

    《天龙八部》前后共有三版,并在2005年第三版中经历6稿修订,结局改动较大。“天龙八部”是佛教术语,天龙八部都是“非人”,包括八种神道怪物,因为“天众”及“龙众”最为重要,所以称为:天龙八部。

    《难念的经》是为97版香港TVB《天龙八部》量身定做的主题曲,由周华健大气磅礴的谱曲与演唱,加上林夕绝美的歌词,将这部电视剧的主题思想淋漓尽致地展现出来。

    《天龙八部》是大家耳熟能详的电视剧,以汉辽相争的时势为背景,主要讲段誉、乔峰、虚竹三人在江湖及感情上的恩恩怨怨。

    片尾曲《宽恕》不是那种一听就觉得很惊艳的歌,但听多了就会沉浸在里面,不能自拔。王菲用她的歌声道尽了《天龙八部》里的悲苦与无可奈何,那是英雄人物的惋惜,一种欲哭无泪的悲伤。虽然歌曲中没有明显的跌宕起伏,但平淡的曲调,无尽的忧伤,足以直接勾起我内心深处无穷无尽的惆怅。

    笑傲江湖

    《笑傲江湖》是一部没有设置特定朝代的小说,十足的架空文。这部小说中,金庸试图通过人物来刻画中国三千多年来政治生活中的若干普遍现象。令狐冲也不像是金庸笔下以往的“侠”,他更自由,也选择做了隐士。

    《沧海一声笑》是由黄沾作词和谱曲。歌曲发行于1990年5月1日,是影片《笑傲江湖》和《笑傲江湖2之东方不败》的主题曲,分为粤语版和国语版。国语版由黄沾、徐克、罗大佑演唱,粤语版由许冠杰演唱。

    《活得潇洒》是香港无线电视台(TVBS)在1996推出的电视连续剧《笑傲江湖》的主题曲,由谭咏麟和陈慧娴演唱。

    鹿鼎记

    《鹿鼎记》是香港作家金庸创作的一部长篇武侠小说。这部小说创作于1969年-1972年间,背景设置在明末清初(1644年-1689年),讲的是一个从小在扬州妓院长大的韦小宝,以不会任何武功之姿态闯江湖各大帮会、周旋于皇帝朝臣之间并奉旨远征云南、俄罗斯之故事,塑造了一个与传统的侠客完全不同的小人物形象,并借这个形象讽刺了一些道貌岸然的伪君子和迂腐顽固的思想,表现了民族统一的思想。

    《叱咤红人》由陈小春演唱,许愿、张达明作词,许愿、伍乐城作曲,是TVB1998年陈小春版《鹿鼎记》的片头曲。

  • 离天国最近的声音,聆听莫扎特《安魂曲》

    离天国最近的声音,聆听莫扎特《安魂曲》

    1791年,在莫扎特生命之光即将熄灭之时,其绝笔之作《安魂曲》以高度艺术性和深刻性的音乐表达了对生与死的思考,以及对生命意义的追问。“安魂曲”始于天主教告慰逝者的弥撒仪式,是一种特殊类型的弥撒曲,随着“安魂弥撒”的发展,其功能已不再局限于宗教中悼念亡灵,而是逐渐拓展为悼念逝者、安抚后人甚至作为独立的音乐审美而存在的音乐形式,莫扎特的《安魂曲》是他借用“安魂弥撒”这种宗教音乐范式来表达个人生死观的作品。

    ?Gustave Doré

    一直以来关于《安魂曲》与莫扎特夭亡的关系流传着众多说法,1791年贫病交加的莫扎特受到一位神秘人重金委约创作一部《安魂曲》,特殊的音乐主题和来访者的神秘感令莫扎特对这部作品格外重视,甚至预感到自己的生命之旅即将结束。

    《安魂曲》倾注了莫扎特全部的心血,他甚至认为这是写给自己的《安魂曲》。面对命运既定的生死之数,病榻上的莫扎特无力抵抗,在第九曲《泪经》刚动笔之时溘然长逝,今天我们听到的通行的版本系由由莫扎特的学生苏斯迈尔根据他的草稿整理完成。

    RequieminDminor,K626

    Requiem(进堂咏)

    莫扎特完成声乐部分,器乐伴奏以呈完整详细的器乐谱。

    Kyrie(求主垂怜)

    莫扎特完成声乐部分,器乐伴奏以呈完整详细的器乐谱。

    Diesirae(震怒之日)

    莫扎特完成旋律谱,具体指示配器方面。艾伯勒完成管弦乐配器。随斯迈尔续写完剩余的。

    Tubamirum(号角声起)

    莫扎特完成旋律谱,具体指示配器方面。随斯迈尔续写完剩余的。

    Rextremendae(你是可怕威严的君王)

    莫扎特完成旋律谱,具体指示配器方面。随斯迈尔续写完剩余的。

    Recordare(至慈耶稣求你垂怜)

    莫扎特完成旋律谱,具体指示配器方面。随斯迈尔续写完剩余的。

    Confutatis(恶人群魔径受审判)

    莫扎特完成旋律谱,具体指示配器方面。随斯迈尔续写完剩余的。

    Lacrimosa(落泪之日)

    莫扎特写了八小节,永远停下了他的笔,成为了他自己真正的安魂弥撒曲。艾伯勒完成管弦乐配器。随斯迈尔续写完剩余的。

    omineDeus(主耶稣)

    莫扎特写了声乐部分。由随斯迈尔写完剩余的。

    Hostias(牺牲)

    莫扎特写了声乐部分。由随斯迈尔写完剩余的。

    Sanctus(圣哉经)

    完全由随斯迈尔写成,优美、动人,可能莫扎特生前曾经勾勒出整部安魂曲的草稿。

    Benedictus(降福经)

    完全由随斯迈尔写成,优美、动人,可能莫扎特生前曾经勾勒出整部安魂曲的草稿。

    AgnusDei(羔羊经)

    采用K220《弥撒曲》:可能来自莫扎特的嘱托。

    Communio:Luxaeterna(领主咏)

    采用开头部分《垂怜经》中的赋格:可能来自莫扎特的嘱托。

  • Halloween来袭,听听那些让万圣节“阴气森森”的音乐!

    Halloween来袭,听听那些让万圣节“阴气森森”的音乐!

    一年一度最疯狂

    最“捣”鬼的万圣节

    即将来临了!!!

    Happy Halloween

    相信不少小伙伴都蠢蠢欲动啦

    可爱的南瓜、恐怖的蜘蛛

    这些属于万圣节的东西又要来啦

    万圣节又叫诸圣节,在每年的11月1日,是西方的传统节日;而万圣节前夜的10月31日是这个节日最热闹的时刻 。在中文里,常常把万圣节前夜(Halloween)讹译为万圣节(All Saints’ Day)。
    如今,万圣节“Halloween”早已变成儿童们纵情玩乐的节日。在这一天夜幕降临的时候,孩子们迫不及待的穿上五颜六色的化装服,戴上千奇百怪的面具,带着南瓜灯跑到邻居家,发出“trick or treat”威胁,而主人为了配合孩子们连声说“请吃,请吃”!同时把糖果放进孩子们的口袋里面。
    圣桑:骷髅之舞

    交响诗《骷髅之舞》又名《死之舞》,作品完成于1874年,1875年在巴黎首次上演,是作者所作的四部交响诗中最负盛名的作品。乐曲是根据法国诗人亨利· 扎里斯的一首奇怪的诗写成。乐曲旋律采用了中世纪末日审判的圣咏《愤怒的日子》的曲调,给人以阴阳怪气的感觉。起初音很弱,逐渐发展到全奏,好像聚集到墓场上的骷髅越来越多,舞跳得越来越热烈。

    巴赫:d小调托卡塔与赋格

    《d小调托卡塔与赋格》(Toccata and Fugue in D minor,BWV 565),原为管风琴曲,是巴赫青年时代的代表作之一,后由波兰作曲家斯托考夫斯基改编为管弦乐曲,并由波兰钢琴家、作曲家陶西格改编为钢琴曲。

    舒伯特:魔

    艺术歌曲《魔王》是一首戏剧性、艺术性很强的叙事歌曲,由奥地利作曲家舒伯特根据歌德同名诗创作于1815年。当时作者只有18岁,这首叙事曲被编为作品第1号。全诗的故事情节:父亲怀抱发高烧的孩子在黑夜的森林里骑着马飞驰,森林中的魔王不断引诱孩子,孩子发出阵阵惊呼,最后终于在父亲怀抱中死去。

    穆索尔斯基:荒山之夜
    《荒山之夜》创作于1867年。毋庸置疑,穆索尔斯基是在长期的酝酿下怀着”激动不已”的心情、“一气呵成”地完成《荒山之夜》的创作。在写给好友的信中,他这样评价《荒山之夜》:”不啰嗦,联系紧凑,没有德国式的处理方法。”
    莫扎特:夜后咏叹调
    《夜后的咏叹调》又名《复仇的火焰在我心中燃烧》,是歌剧《魔笛》中的经典名曲。《魔笛》是莫扎特晚期创作的一部集古典歌剧之精华的精品。剧中各个角色的音乐生动优美并富有特色,各异的形象风格巧妙地组合成一个整体,充满神奇的光彩和圣洁的艺术感染力。
    李斯特:梅菲斯托圆舞曲

    《梅菲斯托圆舞曲》也常被意为《魔鬼圆舞曲》,因为梅菲斯托就是歌德剧作《浮士德》中的魔鬼。李斯特的这部作品原来是一首钢琴独奏曲,作曲家在1862年将它改编成约10分钟长的一首管弦乐交响诗,而后又将其发展成为总共约70分钟长度的三乐章交响曲《浮士德》中的终乐章,钢琴版的《梅菲斯托圆舞曲》则堪称是李斯特炫技作品的代表之作。
    瓦格纳:漂泊的荷兰人
    理查德.瓦格纳的三幕歌剧《漂泊的荷兰人》,作于1841年,1843年首演于德累斯顿。瓦格纳最初编写的剧本,以德国诗人海涅的散文故事作为蓝本,讲的一群因受到诅咒而长期在海上漂流的“鬼船”船员的故事。1839年,由于长期累积的负债,瓦格纳带着他未完成的作品《漂泊的荷兰人》和妻子一同前往巴黎寻发展。在旅途中因暴风雨而绕航至挪威,各种复杂的遭遇成为日后写作《漂泊的荷兰人》的灵感来源。
    巴洛克:神奇的满大人
    《神奇的满大人》是一个舞剧,创作于1918—1919年,这部舞剧1925年在科隆首演后曾被禁演,直到第二次世界大战后才广泛地在欧洲舞台上公演。
    结语:万鬼出街,一起鬼混趴,鬼屋探宝,坟头蹦迪,万人鬼混一起。万圣节:一起来鬼混吧。让我看看你在搞什么鬼!

  • “温暖心灵的天籁之音”聆听小野丽莎9首浪漫温情的爵士

    “温暖心灵的天籁之音”聆听小野丽莎9首浪漫温情的爵士

    她的嗓音让人情迷

    她是万种风情的小野丽莎

    她的音乐

    浮现在我们每一个惬意的日常

    她的歌声

    总带给我们无限释放的舒缓解压

    她的声线质感

    这个在巴西出生的日裔女歌手是音乐史上的一个传奇:从15岁就开始拿起吉他登台唱歌,1989年推出了首张专辑,至今为止在已经出版的近30张唱片,其中拥有8张金唱片和2张白金唱片。之前从没有一个亚洲人可以同时用娴熟的多国语言演绎最纯正的Bossa Nova,她还是首位非欧美语系歌手荣登10大西洋专辑奖项的国际艺人。

    音乐融合了法国香颂、经典爵士乐等乐风,结合加勒比、地中海、夏威夷等地方音乐。她对音乐的理解偏甜,每一次听她的歌,总有一种惬意的放松,犹如悠闲的冬日午后,一位长发女子坐在阳光下沙发里,捧一杯暖意融融的香咖啡,翻一本悠闲的书,深陷在小野丽莎柔和的旋律里。

    Fly Me To The Moon

    《Fly Me To The Moon》由巴特·霍华德写于1954年,是首华尔兹舞曲,也是他最有名的一首作品。Frank Sinatra的翻唱更是让这首歌的名声达到了一个无法形容的地步,美国宇航局曾把他演唱的这首歌的唱片,通过阿波罗飞船送上月球,使得它成为第一首在月球上播放的人类歌曲。这首歌到目前有几十个翻唱版本,而小野丽莎在2009年翻唱了这首歌,独特的演唱风格也成为一个十分经典的翻唱版本。

    Family

    这首歌收录在小野丽莎加入艾回唱片后的首张专辑《Soul& Bossa》中,轻松悦耳的旋律,简单的歌词,道出一个简单而又深刻的主题:家的温暖是世上任何东西都无法相比的。

    Take Me Home Country Roads

    《Take Me Home,Country Road》(乡村路带我回家)由著名乡村歌手约翰·丹佛于1971年创作并演唱。歌曲旋律轻快,描绘了美国东部西弗吉尼亚的美丽风光。小野丽莎演唱的版本节奏更加跳跃,并且采用了Bossa Nova常用的编曲方式和配器方式,萨克斯和声的加入则让这首歌曲更加浪漫惬意,多了一份法国左岸咖啡馆的都市风情。

    Jambalaya

    《Jambalaya》(什锦菜)是汉克·威廉姆斯最有名的代表作品。歌词幽默诙谐,旋律轻快流畅,使人百听不厌。直到今天,世界各国的歌手都在不停地重新演绎着这首传世之作。这首歌的背景是位于美国南部密西西比河流域,一群移居美国的法国后裔仍保持其传统的庆祝活动。小野丽莎演绎的慢板风格的《Jambalaya》在原曲的基础上丰富了编曲和配器,同时加入了男声的演绎。赵薇也曾在经典琼瑶剧《情深深雨蒙蒙》中文翻唱(曲名:《小冤家》),为大家熟知。小野丽莎的演绎让这首四十年代诞生的名曲即使在今天听起来也毫不过时。

    Cachito

    这是小野丽莎的一首欢快而不失温情的西班牙语歌曲,Cachito译为可爱,喜爱的意思,这首歌当中简洁的节奏让人过耳难忘。其中还穿插进小朋友的声音,更是让整首歌曲充满了甜蜜与童趣。

    Moon River

    《Moon River》原唱为Jerry Butler,奥黛丽·赫本在电影《蒂凡尼的早餐》里的演唱让这首歌变得家喻户晓,而Sarah Brightman,Louis Amstrong等人也翻唱这首作品。由小野丽莎演唱的版本,则多了一份浪漫和惬意。

    La Vie En Rose

    《La Vie En Rose》(玫瑰人生)是法国著名女歌手艾迪特·皮雅芙(Edith Piaf)的代表作。1946年,皮雅芙首次演唱《玫瑰人生》,随后迅速风靡整个法国。《玫瑰人生》到目前已有60多个翻唱版本,还在2014年登上中国春晚的舞台,由歌唱家刘欢和法国影星苏菲·玛索演绎。而日本歌手小野丽莎的演唱版本收录在她2013的专辑《DANSMON ILE》(左岸香颂)中,自专辑发行以来,小野丽莎演唱的《玫瑰人生》一直是小酒馆、书店和咖啡店的最爱,而这个版本的《玫瑰人生》也成为国人最熟悉的版本。

    Derniere Valse

    此曲为英格柏·汉普汀克的经典之作《Last Waltz》(最后的华尔兹)的法文版,《Last Waltz》诞生于1967年,曾被多部电影收录作为电影的主题曲及配乐。相对于英格柏大气而富有激情的演绎,小野丽莎的女声版本则更加温婉动人。

    夜来香

    《夜来香》收录于小野丽莎2010年的专辑《Asia》中,在这张新专辑中小野丽莎演绎亚洲9个国家当地人人会哼会唱的10首著名歌曲,并且全部用当地语言来演绎,包括用中文演唱邓丽君的名曲《夜来香》和《何日君再来》,足以看出小野丽莎对邓丽君作品的偏爱。

    结语:曼妙的旋律柔和无比,一静一动都诠释着优雅的情愫,在小野丽莎的歌声中,疲惫的心灵都能稍作停歇,你会感到难得的自在和放松。

  • 爱神吻过的旋律:西方古典音乐的罗曼蒂克史

    爱神吻过的旋律:西方古典音乐的罗曼蒂克史

    对于古典音乐,大多数没有接触过的人总觉得太深奥,难以入门,因此也不会欣赏。但其实只要你有一双善于发现的眼睛,不难听出其中的故事。

    经典之所以成为经典,是因为它能拨动人之心弦,让你想起某个瞬间、某些往事。七夕要到了,小编给大家精选了一些关于爱情的古典音乐,伴随优雅的音乐,你是否也会想起和Ta相恋的某段记忆。

    舒伯特

    小夜曲

    《小夜曲》是舒伯特短促的一生中最后完成的独唱艺术歌曲之一,也是他最为著名的作品之一,根据德国诗人莱尔斯塔勃的诗篇谱写成。歌曲旋律优美、格调高尚,充满了爱情的向往、生活的希望。

    致爱丽丝

    贝多芬

    《致爱丽丝》原名《a小调巴加泰勒》,是贝多芬在1810年创作的一首独立钢琴小品,是贝多芬献给“爱丽丝”作为纪念的作品。该作品在1867年被后人所发现,后收录在《贝多芬作品全集》第25卷的补遗部分59号。该作品采用回旋曲式写成,结构是ABACA。其中A部为回旋曲的主部(叠部),共出现了3次;B部和C部为与A部起强烈对比的两个插部。

    F大调浪漫曲

    贝多芬

    F大调小提琴浪漫曲,作于1802至1803年间, 为贝多芬仅有的两首小提琴浪漫曲之一,充分体现出作者在旋律创作方面的天才手笔。本曲为2/2拍子,F大调,回旋曲形式。此曲处处洋溢着优美绝伦的韵律。

    第四钢琴协奏曲

    贝多芬

    贝多芬最美丽优雅的代表作之一。其中第一乐章主题之间和谐地交错着,表现出贝多芬对恋人纠结的情感。

    浪漫曲

    德沃夏克

    捷克作曲家德沃夏克的《四首浪漫小品》是作曲家创作巅峰时期的作品,原是为弦乐三重奏所作,后德沃夏克亲自从中选出三首将它们改编成为小提琴浪漫曲,成为德沃夏克小提琴作品中深受人们喜爱的乐曲。

    爱之喜

    克莱斯勒

    《爱之喜悦》是一首音乐作品,作者是克莱斯勒。克莱斯勒是二十世纪最富盛名的小提琴大师。这首小提琴曲是他最具代表性的名曲。

    爱之悲

    克莱斯勒

    《爱之忧伤》(?Liebesleid)似乎烦恼和伤感多了一点,仿佛是在忧郁中对幸福和欢乐的憧憬,柔情慢慢,有着温婉的伤感。乐曲柔美动人,情恨绵绵,真挚感人。虽然演奏技巧较为复杂,但表达的情感内容却更充实。

    爱之梦

    李斯特

    李斯特1850年创作的三首钢琴曲《爱之梦》,表达了他对爱情梦想的向往和追求。

  • 在炎热的夏天来首欧美经典老歌,足以令人身心愉快

    在炎热的夏天来首欧美经典老歌,足以令人身心愉快

    夏天已至,

    烈日炎炎的天气,

    带着狂热顷刻间席卷了整座城市,

    在炽热的太阳下,

    我们好像每天都烦闷的,

    让心情也变的浮躁起来

    不如听首经典老歌

    让浮躁的心情给静下来

    《Just Walking in the Rain》是由吉姆·里卫斯创作的,为大众爱唱的热门歌曲。歌名“漫步”的内涵是那么轻松愉快,心乐有没,可是本首歌曲的基调恰好与之相反,忧郁沮丧,孤独无助的落魄形象。

    歌曲《You Belong To Me》是一首老掉牙的情歌,是当年风靡一时的老电影《Natrual born killers/天生杀人狂》的插曲。一部充满男人野性的电影,电影是暴力的,但歌是柔情的。这首歌是Bob Dylan的必杀力作,没想到乖张暴戾的唱歌的老家伙Bob Dyalan竟然能抱起吉他,用他那盐碱地般的嗓音,平心静气低声吟唱如此静水深流的歌。

    Fly Me To The Moon 由巴特·霍华德(Bart Howard)应发行商创作单曲要求,创作于1954年。是首华尔兹舞曲,也是他最有名的一首作品。最初由当时他工作的酒店的驻店歌手Felicia Sanders演唱。发行商试图将其改名为“Take Me to the Moon” 但是巴特·霍华德拒绝了。
    之后这首歌被定名为Fly Me to the Moon。由佩姬·李(Peggy Lee)1960年演唱的版本成名。而弗兰克·辛纳塔(Frank Sinatra)的翻唱更是让这首歌的名声达到了一个无法形容的地步。美国宇航局曾把他演唱的这首歌的唱片通过阿波罗飞船送上月球,使得这首歌曲成为第一首在月球上播放的人类歌曲。

    《温柔地爱我》又名《Love me tender》,是猫王(埃尔维斯·普莱斯利)于1956年深秋演唱的一首抒情歌曲,词曲都由猫王本人一手包办。

    猫王以还以这一首温柔情歌闯入电影界。此后,他拍了许多部电影。不管他在电影里饰演什么角色,那深情而富有磁性的声音总是能感动所有的观众。

    《Mr. lonely》是Bobby Vinton在1962年收录于专辑Roses Are Red的一首歌,这首歌创作于50年代末Vinton作为牧师助理服役于军队时,主题是“被送到海外的士兵并且和家里没有交流”,这是他的成名之作。

    六十年代美国民谣团体<The Brothers Four>(四兄弟合唱团)最为国人所熟悉的歌应该就是<Try to Remember>这个乐队由四个华盛顿大学的学生<Bob Flick>,< John Paine>,< Mike Kirkand>, <Dick Foley>组成。乐队一组就是四十多年,唱的一直都是传统的通俗民谣,平平淡淡。以优美的弦律和琅琅上口的歌词取胜。这是一首发表于1965年的名副其实的“老”歌。

    这首歌的特别之处在于,即使是初听也会有似曾相识的感觉。或许是因为歌唱的就是回忆吧.

    《And I love you so》是美国六十年代民谣歌手Don Mclean(唐·麦克林)发表于1970年首张专辑《Tapestry》中的一首歌曲。他的歌曲中,以美国派和Vincent最为著名。在全世界赢得十二张金唱片单曲、专辑则有二十五张金唱片、十张白金唱片,举行过十次世界巡回演唱会。

    《想象》(Imagine)是一首英格兰音乐家约翰·列侬创作并演奏的歌曲,是他独唱生涯最佳销售单曲。歌词带有集体主义实证主义,挑战听众去想象一个没有宗教派别、民族界限造成的战火与隔阂的世界,并且讨论了人们生活在更少物质财富世界的可能性。

    本曲是列侬独唱生涯中最赚钱,也最受好评的歌曲。1975年,与”Imagine”作为单曲,与专辑Shaved Fish一起在英国发行,此唱片是当年英国排行榜上的第六名。在英国,本歌曲出售了超过160万份拷贝,在列侬1980年12月逝世时成为了榜单中的第一名。

  • 在电影中享受一段精致的音乐时光,欣赏8首优美钢琴曲

    在电影中享受一段精致的音乐时光,欣赏8首优美钢琴曲

    钢琴

    总是优雅、浪漫的代名词

    围绕着钢琴,有着讲不完的故事

    来看8首经典电影

    钢琴曲

    哪个是你的最爱?

    天堂电影院

    Love theme

    《天堂電影院》主題曲——Love theme,是全片最感人的主题旋律。抒情温馨,恬淡优美。它深刻地诠释出一股怀旧的思绪与情怀。当你聆听之余,悠然神往之时,也会依稀勾起你生命中一些感动的时刻与温馨的片段,在你心中回荡不已!

    触不可及

    Una Mattina

    《Una Mattina》是法国电影著名电影《触不可及》的片尾曲。这是两个心灵相互救赎的故事,它关于浓郁的友情和亲情的描述,有超越种族、贫富的友谊与理解,在法国社会上引起了强烈的共鸣。

    海上钢琴师

    Playing Love

    《Playing Love》是男主遇见爱情后即兴发挥的一首优美抒情曲。

    在《海上钢琴师》里,世界电影界著名和资深的意大利最具风格的作曲家埃尼奥.莫里康内以钢琴为主配合适当的管弦乐和室内乐创作出音色醉人、旋律优美和风格隽永的迷人乐章。其中随性的爵士音符随处可见,出彩的配乐表现出决不流俗的态度。原声大碟中,1900在滑动的钢琴上弹奏、与爵士乐大师斗法机巧跳脱,精妙无比,尤其是他透过舷窗看到暗恋情人即兴创作的那一曲“playing love”,更是温婉细腻如喁喁私语,被公推为全片最动人乐章。

    倾国之恋

    Evgeni’s Waltz

    电影中的他为了她放弃了地位,她为了他毁掉了名誉,但是人们只看到了他为她做的牺牲,而忘了她的牺牲。辛普森夫人作为已婚的美国女人,“不爱江山爱美人”的英国国王爱德华八世对她的爱,使她成为了最受世人唾弃的女人,并且一生背负了所有的骂名。庆幸的是,尽管这段爱情是饱受争议的,但却造就至死不渝的“倾国之恋”。

    钢琴别恋

    The Heart Asks Pleasure First

    《The Heart Asks Pleasure First(渴望欢乐的心灵)》,是电影《The Piano(钢琴别恋)》的主题配乐,出自作曲家麦克尔·尼曼(Michael Nyman)之手,亦是他的成名作。它是内心丰富却被禁锢的女主角心中埋藏着的炽热情感和她的全部人生体验,也是她对于自己视若生命的音乐的无比热爱。

    卡罗尔

    Opening

    《Openning》奠定了整个配乐的基调,是二人故事的主旋律,钢琴、单簧管、竖琴加竖笛一同拉开了故事的序幕。

    怦然心动

    Flipped Suite

    初恋电影《Flipped》中的经典纯音乐。20世纪60年代的色调,每一幕画面都染上了温柔的金色,家家都有院子、宽敞的草坪,远处太阳高照,树木枝叶伸展,平原一望无际。整部电影就像这首纯音乐一样,让人觉得一切都充满生机、欣欣向荣,让人用细腻的心灵感受世界,感恩生命中发生的一切。“斯人若彩虹,遇上方知有”,我们总会成长得更加坚定从容,总会遇到互相懂得的人。

    Song On The Beach

    《Song On The Beach》来自于美国电影《Her》,是一首优美并带有忧伤的旋律。

  • 8首温柔的英文歌曲,适合安静的时候听

    8首温柔的英文歌曲,适合安静的时候听

    动听旋律如温暖阳光一般洒在你的脸上折射到你的心里一个人的时候

    听到这些歌曲

    心里总会感觉到暖暖的

    好像这些歌曲如落叶一般飘入内心

    紧紧扣住心弦

    俘获你的心灵

    Hello

    《Hello》是一首85年的冠军金曲,这首歌在1984年发布,达到了音乐风云榜图表第三名:在美国公告牌Hot 100(为期两周),R&B图表(三个星期) ,和成人当代图表(六个星期)。这首歌也成为了英国单曲榜头号单,它被认为是里奇的招牌歌曲。

    Because Of You
    《Because Of You》是美国流行摇滚女歌手凯莉·克莱森演唱的一首流行歌曲,歌曲的歌词由凯莉·克莱森个人完成,收录在凯莉·克莱森的第二张录音室专辑《Breakaway》中。此曲拿下丹麦、荷兰、瑞士这三个国家的音乐排行榜冠军,并且在美国、英国、德国、加拿大、澳大利亚、奥地利、比利时法兰德斯、挪威等国家的音乐排行榜上名列前茅。

    凯莉的浓郁唱腔,使得这首歌从一开始就牵动着听者的心灵。凯莉如泣如诉的声音,让人从中听到一种心灵上的控诉、听到一个女子掩藏在坚强外表下的忧愁和委屈,歌词朴实的字里行间,写着一个女子从埋怨、挣扎、到清醒的过程。因此,这首歌的最大优点,就是歌手所表达出的真实情感,从而使许多同年龄段的青少年们从这首歌中找到共鸣。

    Better In Time

    《Better In Time》,是J. R. Rotem为Leona Lewis的首张专辑《Spirit》(2007)量身定做,并由J. R. Rotem和Andrea Martin操刀制作的一首歌,它是这张专辑里发行的第四首歌(美国版第二首),于2008年3月份在英国作为Lewis的第三张单曲碟发行。

    韩国的“Times(时代周刊)”这样形容这首歌:“《Better In Time》是专辑中最好的歌曲之一,轻柔的钢琴声与Leona赋有力量的声音完美的融合在一起,使人印象深刻。”“Rolling Stone(滚石杂志)”给出了三星的评价,称“Leona的奶油却平稳的声音”再加上歌词使这首歌的听起来像戏剧一样。优美的旋律和赋有治愈性的歌词,使你深深被这首歌吸引住,毫无疑问,Leona的声音具有丰富的多样性。

    Fallin
    这首温婉流长的《Fallin》出自 Alicia Keys《Songs In A Minor》专辑。12座葛莱美奖的超完美钢琴天后Alicia Keys,她的音乐有着自己独有的味道,在爵士音乐风格里,加上浓厚的R&B和灵魂唱腔,甜美诱人的面孔却有着不同于年龄的及具感染力的成熟嗓音,一句传统式的灵魂唱腔清唱,收放自如的歌声踩着鼓点,澎湃真挚的情感,情绪的张力沉沦在歌声里不可自拔,唱出了蓝调的韵味。
    We Are One

    这首歌出自Kelly Sweet?2007年3月的第一张专辑《We Are One》。这张专辑并不是平常被定义的那种流行音乐专辑,但它却比当今广播单曲榜前40名的歌曲更富有感召力。这张专辑的语言包括英语,意大利语、法语、梵语,并且加入了爵士和古典等元素,因此,它拥有在当今流行乐坛少见的深度和高雅。

    《We?Are One》是一次珍贵的音乐旅程–它的美丽、优雅、个性和勇气所诠释出的情感,深深地触碰着每一个年龄阶段的听众。“音乐并不是属于我个人”,她说,“而是我们所有人心灵的写照,我很高兴可以用自己的声音将这些美好的事物传达给全世界”。

    Angel

    这首歌是1998年尼古拉斯·凯奇主演剧情电影《天使之城》的主题曲,由拥有西洋歌坛“知性女声掌门人”之称的Sarah McLachlan演唱。歌曲搭配着电影剧情造成全球轰动。这首Angel在台湾有林凡翻唱,而擅长翻唱的Westlife也翻唱Angel,足见Angel的经典程度。原披头士成员之一Paul McCartney 99年曾因为现场聆听Sarah McLachlan演唱这首歌曲而泪流满面,原来当时他想起了已逝爱妻琳达,Sarah McLachlan的歌声给了他最多的感动。

    Sarah Mclachlan舒缓的嗓音,行云流水般的钢琴声,宛如一股清泉从听者心中流淌而过,抚慰着你所有源于过去的伤痛与苦楚。当你闭上疲惫的双眼,在静夜里聆听这首歌,你能看到天使在夜空中缓缓飘过。当它消逝之时,淡淡伤感中绽放的美丽与这首歌一起已在你心中烙下了难以磨灭的印记。

    Because You Live

    Because You Live 是由Jesse McCartney于2004年11月创作,歌曲曲调激扬婉转,情感丰富,因此打动广大听者的心灵。所属专辑获得当年澳洲排行榜冠军,在全美流行专辑排行中位于十五名,2005年在台湾被评为最流行专辑。同时被选录为《公主日记》续集插曲。

    What A Wonderful World

    《What A Wonderful World》一歌由Bob Thiele(署名George Douglas)和George David Weiss创作。Louis Armstrong?(被称为爵士音乐之王)于1967年演唱了这首歌,他那具有强烈感染力的声音是这首歌充满了激动之情与乐观精神。如今,《What A Wonderful World》已成为20世纪“流行音乐的圣歌”(The Anthem Of Pop Music),很多音乐家都有此歌的翻唱版本。

    歌曲在死后,于1971年重新在美国发行并进入排行榜前十。1988年,Louis Armstrong 1968年的版本被电影 《早安,越南》中收录 并重新以单曲发行。“What a wonderful world” 经历半个世纪以来,被无数的歌手翻唱,也被改编成乐器演奏曲。成为20世纪欧美音乐的一首长久不衰的经典歌曲。

  • 当流行遇上古典?有如人声般的精致小提琴乐曲

    当流行遇上古典?有如人声般的精致小提琴乐曲

    中国浪漫小提琴曲,辅以著名歌手经典的演唱,以其柔美、抒情和典雅深深触动人的心菲。今天“影音新生活”给您推荐几首小提琴版的经典歌曲。

    月亮代表我的心

    《月亮代表我的心》这首歌于70年代末流传开来,直至今天听起来还是颇有新意。这一首带反复的三部曲式结构的歌曲,曲调委婉动人,富有东方色彩的浪漫。歌词情真意切,充满遐想,歌谣式的旋律听了几遍就能上口。当年台湾歌手邓丽君充满感情的演唱,清晰的吐字,磁性的声音,一直使人难以忘怀。虽然歌曲看上去简单,但歌词、曲调都是要用自然的声音和感情去投入演唱的。尤其在你听过众多版本之后,你会觉得邓丽君的声音传达出了“月亮”精髓的东西,那声音是明亮的,是清澈的。安详、宁静、温柔、细腻,娓娓道来感人心怀。

    真的好想你

    《真的好想你》最早由周冰倩唱红,由于曲调婉转优美,被众多艺术家翻唱及改编成多种音乐形式。小提琴版《真的好想你》更是把原歌词的哀怨思念之情提升了一个境界,把原歌中未表达的情感淋漓尽致的宣泄出来。

    片片枫叶情

    “爱似秋枫叶,凝聚了美丽却苦短;片片红叶转,叶儿随梦却倾刻飘远。”细雨绵绵,淋湿了蜿蜒的石径,柔和的风吹起,小提琴的丝弦颤动着我的心弦,弹奏出一个个动人的音符。当思念由绿转红,痴情背着岁月缓缓而行,恋恋不舍的,除了风中独挂枝头萧瑟的枫叶,还有那不忍离去的心。

    我是一片云

    《我是一片云》是台湾同名电视剧主题曲,凤飞飞 演唱,琼瑶作词,古月作曲 。影片是刚刚由演员转任为导演的陈鸿烈执导,其间琼瑶身为监制、制作人,更谱下下几首传世的经典歌词,可见其自身的创作痕迹是非常浓重的。此曲作词情感细腻,旋律动听优美,值得反复回味。

    一剪梅

    《一剪梅》原是1984年台湾同名电视剧的片头曲,由费玉清演唱,?该歌曲后又成为2009年霍建华、吕一主演电视剧《新一剪梅》的片头曲以及2015年沈腾、马丽主演电视剧《夏洛特烦恼》的宣传曲。一剪梅,那股淡淡的古韵就扑面袭来。一剪,既写出花枝的姿态,又仿佛,在寒冬时节,一人清扫薄雪,偶然抬头看到,那越出墙角的一支红梅,不由莞尔一笑。

    弯弯的月亮

    《弯弯的月亮》曾经风靡了整个中国,优美的曲调和丰富的情感表达了人们的思乡之情、依恋之情,感动着人们内心最深处的情感源。从而引发了人们内心深处的强烈共鸣,使人动容!小提琴演奏的版本,因为其音质细腻,更能表现出此曲的情感。一首《弯弯的月亮》送给各位读者,更希望大家能细细体会其中的情感!

  • 那些年我们听过的乐队:一个乐队,一段青春!

    那些年我们听过的乐队:一个乐队,一段青春!

    打动人心的音乐好比岁月的书签,能带我们穿越时空,重温彼时彼地、彼情彼景。相信只要你曾经被音乐语言感动过,无论回忆是甜蜜的还是忧伤的,只要是铭心刻骨的,都会被深深感动……

    N’Sync

    ‘N Sync(超级男孩)成立于佛罗里达州奥兰多,与后街男孩同为美国最具影响力的男子团体,专辑销量超过五千万张。其成员有:蓝斯、JC Chasez、乔伊·费通、克里斯·柯克帕特里克、贾斯汀·汀布莱克。N’Sync的故事,一个充满血汗与奋斗的传奇故事,谁也无法想到这五个自Oriando的年轻人,已经拥有了两张美国Top10专辑,包括美国亚军专辑《N’Sync》以及首周进榜立刻窜升到Top7的《Home For Christmas》。

    Westlife

    西城男孩(Westlife)是于1998年成立于爱尔兰斯莱戈郡的男子组合,由奇恩·伊根、尚恩·菲南、马克·菲海利、尼基·柏恩和布莱恩·尼古拉斯·麦克法丹(2004年离队)组成。从1999年发行首支单曲《Swear It Again》开始,他们一度创造了七首单曲七次夺冠的英国纪录。不过到了2004年,组合成员之一的Bryan McFadden,因为并不满意Westlife过多翻唱老歌,而更希望走原创音乐之路,所以选择了离队,Westlife此后也只能以四人组合重新启航。此后的Westlife依然魅力十足,不停地在全球演出,还曾经在2006年来过上海举行过演唱会。不过,组合的定律也让Westlife的四位成员,最终还是选择在2011年10月20日宣布解散并做个人发展,Westlife也从此只能成为乐坛的一段记忆。

    98 Degrees

    成立于1996年的98 Degrees(98°)自97年跃入乐坛就一路唱出多项白金佳绩。1998年他们推出了他们最成功的作品之一《98 Degrees And Rising》,把他们的事业推向第一个顶峰。其中首支单曲《Because Of You》因四人完美的和声和性感的嗓音演绎夺得了Billboard单曲榜亚军的位置。98 Degrees组合的曲风受到Boyz II Men影响,同样走的是R&B路线。谦逊的用心态度更是赢得一大群死心塌地歌迷。颜值高、唱歌好,他们同许多大牌巡回演出。

    Boyzone

    Boyzone(男孩地带)是一队1990年代的爱尔兰男子乐团。BOYZONE的经纪人Louis Walsh原来是爱尔兰一个俱乐部的老板,他看见家乡的歌迷总是对英格兰的偶像团体趋之若鹜,觉得爱尔兰也应该有个能让女孩们尖叫的偶像团体,结果便在当地的报纸登广告寻找能歌善舞的男孩。当时还在念高中的Ronan和Stephen、兼职当汽车技师的Shane和Mickey,还有在大学主修建筑的Keith从三百多位报名者中突围而出,就在93年的冬天,BOYZONE宣告成立。

    Take That

    Take That(接招乐队)是英国历史上最成功的男子流行演唱组合。也是英国自60年代以来最红的10支流行音乐乐队之一,成立于1990年。Take That在90年代的头5年几乎统治了英国音乐排行榜。21座全英音乐奖,8座MTV音乐奖,5座英国音乐创作奖,21张冠军专辑和22首冠军单曲的超级男孩团体。被英国广播公司誉为“披头士之后最受欢迎的英国乐队”。

    All-4-One

    All-4-One是一只来自加利福尼亚州的乐队。成员包括土生土长的Tony?Borowiak,Jamie?Jones,Delious?Kennedy和Alfred?Navarez4人组成。他们4人的声音配合得非常完美。所有高科技的和声都无法复制出他们那种独特的颤音和声。他们以完美的声线和极富感染力的演唱技巧赢得了听众。和那些靠着外表吸引你的男孩偶像团体不同,?All-4-One凭借着他们堪称天籁的合音以及动人的情歌迷倒了一大批粉丝。

    Backstreet Boys

    Backstreet Boys(后街男孩)于1993年在美国佛罗里达州奥兰多市成立,成员分别为:尼克·卡特(Nick Carter)、霍伊·多罗夫(Howie D)、布莱恩·利特尔(Brian Littrell)、亚历山大·詹姆斯·迈克林(AJ?Mclean)和凯文·理查德森(Kevin Richardson)。五个才华洋溢的少年,不仅舞跳得好、长相俊美。更重要的是个个有音乐天分。后街男孩是具有很大影响力的乐团(美国滚石音乐杂志),作为上世纪90年代国际流行乐坛成功的音乐组合,他们组合的名字已然成为流行音乐史上男子音乐组合长久不衰的成功符号。

    911

    911组合是一组来自英国的乐队。成立于1995年,成员有 Lee Brennan, Jimmy Constable和Spike Dawbarn。911组合在1996年以首张专辑《The Journey》在主流音乐市场上获得成功,该专辑销售量超过140万张,接下来发行的《Moving On》专辑也取得成功,专辑更是在亚洲各国一片金融风暴中,杀出了一片满堂红,各国纷纷卖出了白金唱片的惊人销量。这三个长得挺漂亮的大男孩以他们出色歌艺,和帅气外表,在歌迷中赢得了“接招(Take That)接班人”的称号。

    Linkin Park

    Linkin Park(林肯公园)是一组来自美国加利福尼亚州的摇滚乐队,由乐队主唱查斯特·贝宁顿,麦克·信田、贝斯手菲尼克斯·法雷尔、吉他手布莱德·德尔森、鼓手罗伯·巴登和DJ采样手约瑟夫·韩组成。1998年,”Xero乐队”改名为“LincolnPark”。”lincolnpark”域名开支又远大于乐队承受范围,最后改名为”LinkinPark”。

    Blue

    Blue是一支英国男孩乐队,大陆直译为蓝色组合,他们以一首《One Love》在英国走红,在欧洲的专辑销量超过了800万张。他们也是欧洲少有的美式Hip-Hop加饶舌组合。2001年,一首饶富R&B曲风的“All rise”,终于让美国人明白,大洋彼岸的英国组合。他们地道的美式黑人旋律,多切分音的强劲节奏,以及rap、hip-hop、funk的融入,完全可以让世界感受美式黑人流行乐。05年由于成员单飞宣布解散,09年强势复出,并且于13年初发行了新专《Roulette》。

  • “在音乐世界里寻到的欢乐” 斯美塔那:e小调弦乐四重奏《我的生活》

    “在音乐世界里寻到的欢乐” 斯美塔那:e小调弦乐四重奏《我的生活》

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    在世界著名的诗人、小说家、画家、戏剧家里,以自己生活为题材的作品数不胜数,而作曲家描写个人生活的音乐却不是很多,捷克音乐家斯美塔那的《e小调弦乐四重奏》就是这样一部作品,曲作者为这部作品加的副标题就是《我的生活》。

    《我的生活》是斯美塔那用音符写的自叙传,乐曲的四个乐章表现作者从青年到老年的精神历程,是他一生经历的写照。斯美塔那的一生充满坎坷与艰辛,忍受过无数痛苦,但在这部自传性音乐里,却没有愤世嫉俗的紧张和怨天尤人的愁苦,有的只是一个艺术家在音乐世界里寻到的欢乐。

    《我的生活》布局为四个乐章,但并不意味着遵循古典传统。斯美塔那自己曾表示过,他无意按照传统形式写这首四重奏,而只想用音乐表达自己的一生。浪漫主义作曲家的音乐里主观抒情因素占据着主导地位,传统音乐形式在逐渐向情感让步。所以,若以传统四个乐章的结构原则为线索去分析这首四重奏,将是徒劳的。这首四重奏自始至终注满了作者的情感,叙述自己从青年时期对艺术的追求以至一生中从音乐里获得的快乐,是斯美塔那一生的精神历程。

    斯美塔那1824年出生在波希米亚的一个小镇,父亲是酿酒商,喜欢音乐,也能演奏一点乐器,他让孩子5岁起跟当地的乐师学钢琴和小提琴。斯美塔那极有音乐才能,一年后就能参加四重奏,演奏海顿的作品,还举办过钢琴演奏会。8岁在钢琴上即兴弹一些小品,这时他还不会记谱,由别人为他记下一首波尔卡舞曲。尽管斯美塔那的种种表现足以在家乡称得上是音乐神童,但是他没有接受过完整正规的音乐教育,最多只能算是个音乐爱好者。19岁迁居布拉格,在这座音乐名城,他眼界大开,听了李斯特的演奏之后,立志“在技巧上成为李斯特,在作曲上成为莫扎特”。

    斯美塔那对《我的生活》四重奏有一些文字说明,提示在第一乐章里表现的是“青年时代对艺术的热爱,我的浪漫情怀”。一个热情初放的青年对音乐的热爱和追求,在第一乐章里以浪漫欢乐的情绪表现出来。音乐开朗热情,充满生机,正是一个青年做出人生道路选择时的憧憬、向往、希望。音乐里丝毫没有表现他19岁只身去布拉格求学遭遇的苦厄、困顿,那时他不但没钱交学费,连租一架钢琴的钱也付不起。斯美塔那写《我的生活》时52岁,受着病痛的折磨,听觉完全丧失,生命力正在衰退,再加上来自外界的讥谤,精神状态应该不算太好。在这种境遇下写出的音乐,有一些感时伤世、自怨自艾,当在情理之中。但他只表现生活中美好欢乐的一面,这也许是一个真正的音乐家的气度。

    斯美塔那对四重奏的第二乐章的解释是,“波尔卡舞曲带回青年时代美好的回忆。作为作曲家,我曾以舞曲点缀年轻的世界。”波尔卡是最初流行于波希米亚地区的快速二拍子舞曲,后来流行于全欧洲。作为民族主义作曲家,斯美塔那对捷克民间舞曲的整理推广起过重要作用,是他使波尔卡传遍欧洲,也是他最先把波尔卡这种民间音乐形式运用到艺术音乐中。《我的生活》的第二乐章以波尔卡的快速节奏表现作者青年时代在音乐里的快乐。事实上,斯美塔那的音乐道路并不顺利。他想成为李斯特的梦想永远没有实现过:直到23岁才为自己筹措了第一场钢琴独奏会,结果并不成功;25岁时开办自己的音乐学校,不过是惨淡经营;27岁才出版了自己的第一部作品,钢琴曲《六首风格小品》。在作曲上成为莫扎特的梦想也注定实现不了,但是斯美塔那终于能在音乐里找到自己的位置。1848年欧洲革命引发的民族主义运动使音乐里的民族意识觉醒,参加过波希米亚民族主义者起义的斯美塔那把毕生的音乐创作都集中在建立捷克民族音乐上,他被称作“捷克音乐之父”。

    《我的生活》的第三乐章是悠长的慢板。斯美塔那在这个乐章里重温与妻子的恋爱,音乐充满温情,是对幸福的美好时光的追忆。斯美塔那与妻子的恋情足以令人称羡,但是,他们的婚姻生活却很不幸。斯美塔那的妻子原本可能成为不错的钢琴家,嫁给斯美塔那以后就把自己的一切都献给了这个家庭。在13年的共同生活里,生了四个女儿。1854年到1855年,四个女儿中的三个夭折,而灾难并不就此而止,1859年斯美塔那的妻子也撒手而去,只留下孤零零父女二人,这一年斯美塔那35岁。这一切在斯美塔那的音乐里都不留痕迹。只有在第四乐章里才找到一点斯美塔那生活中不幸的影子:在这个乐章的末尾,有一个与音乐极不和谐的高音E,这个持续出现的刺耳的高音表示作者耳聋后,在脑子里驱赶不掉的幻听音,这个刺耳的声音折磨得他无法正常生活。但是,这个乐章的主要篇幅还是用来表现他对民族音乐的运用和从中得到的喜悦。

    斯美塔那的晚年生活异常凄凉,50岁耳朵出了问题,很快就丧失了全部听力,为此他不得不辞去布拉格民族剧院的指挥职务,住到乡下去。但是,他顽强的民族主义音乐创作却并没有因此停歇,反而写出了他最辉煌的作品——交响组曲《我的祖国》,这部作品使他享誉全世界。在写《我的祖国》的同时,他写了弦乐四重奏《我的生活》。这两部作品同样地积极乐观、充满热情、没有孤独、没有痛苦,更看不出那时来自同伴的中伤正包围着他。

    从50岁耳聋到60岁去世的10年间,斯美塔那还写了3部歌剧、几部室内乐、一批声乐作品、14首捷克舞曲等大量作品,其毅力是惊人的。他生命中的最后几年异常孤独,《我的祖国》、《我的生活》、小提琴与钢琴二重奏《我的家园》、合唱《我们的歌》这些作品他从没听到过,靠出卖作品的一点近乎于施舍的收入维持生活,住在乡下忍受寂寞,在自己的生日那天写贺卡寄给自己。听觉没有了,持续的耳鸣长期折磨着他。绵绵秋雨的日子,站在窗前看滚落的雨滴,向空旷的庭院频频招手,幻觉中那里聚集着成群的崇拜者。他已经精神失常。他在一些废纸上涂写凌乱的句子,据分析那是写给莫扎特和贝多芬的信。他想向天国中的贝多芬和莫扎特倾诉什么,无从知道,或许是预感到自己也很快要追随他们去了。1884年,斯美塔那死于布拉格的一家精神病医院,终年60岁。

    斯美塔那的一生历尽坎坷与苦难,但是,他总能在音乐里找到欢乐与安宁。弦乐四重奏《我的生活》表现了一位音乐家在艺术世界里忘我的境界。音乐能给人以无限的慰藉。

  • “忠贞的爱情经过苦难的考验” 亨德尔:清唱剧《弥赛亚》

    “忠贞的爱情经过苦难的考验” 亨德尔:清唱剧《弥赛亚》

    乔治·弗里德里希·亨德尔,体格强健,精力充沛,富于创造性的开拓精神。他一生致力于声乐艺术的探索与创作,把声乐艺术推到了最高境界。为了歌剧艺术他18岁起离开家乡,经过汉堡时期、意大利时期、汉诺威时期,最终定居英国,并在这里尽其一生;死后受到最高礼遇,厚葬在威斯敏斯特教堂,与莎士比亚长眠在一起。在英国,亨德尔遭到过艺术上失败的沉重打击,并几乎因此而丧命,同是在这里,他也达到了人类艺术的顶峰。他的23部清唱剧有19部是在英国上演的,在他生命的最后一刻,他还在指挥他毕生艺术的结晶——清唱剧《弥赛亚》。

    亨德尔1710年得到汉诺威选帝侯的庇护以后便请假访问英国。在伦敦,他创作了意大利风格的歌剧《里纳尔多》,这部歌剧大获成功,这使他对英国情有独钟。两年后他再访伦敦,并就此定居这里;后来他加入英国国籍,成了大英帝国治下的子民。亨德尔在英国的生活可谓是一帆风顺,这并不是因为他得到英国王室和贵族的赞助,而是因为当时的英国剧院里意大利歌剧风靡一时,亨德尔写起这类歌剧得心应手,他认为英国是他施展才华的地方。

    亨德尔的确在歌剧创作上获得了不小的成功,他陆续写出30多部歌剧。1720年在国王和贵族支持下建立了由亨德尔领导的歌剧院,剧院冠名“皇家音乐学会”。亨德尔早年的理想几乎要实现了,但是这件事对于他的艺术生涯几乎是个灾难。“皇家音乐学会”上演的意大利歌剧适应的是宫廷和贵族的趣味,亨德尔受到贵族的关照正是因为他是一位意大利风格的作曲家。从今天的眼光来看,亨德尔写的这些意大利歌剧音乐上的成就是不容低估的,但是一部歌剧的成功从很大程度上讲要取决于戏剧脚本,它是一剧之本。意大利歌剧从剧情到音乐都充满程式化的东西,亨德尔作品乐谱通常由两个情敌之间的相互妒忌和明争暗斗展开情节,忠贞的爱情经过苦难的考验,最终出现造作的大团圆结局。这些模式化的异国他乡情调只能适应少数贵族的口味,在一般观众眼里只不过是装腔作势的表演。就是在这样的“皇家音乐学会”剧院舞台上,在不到10年时间里,亨德尔领导上演了500部歌剧,这使他疲惫不堪。但是更累人的还不是这些,当时宫廷里贵族的朋党之争也累及歌剧院,两派贵族各捧一位女高音明星,剧院里的演出常因为捧场的喝彩和捣乱的起哄而搞得一团糟。亨德尔这样一位大艺术家也被迫卷入这场争斗,迫于两派贵族的压力,他写了一部歌剧《亚力山大》,安排两位明星女高音扮演亚力山大的两个情妇。歌剧上演时双方都出钱雇佣了喝彩起哄的流氓,结果酿成了丑闻。在这起事件里亨德尔悲剧性地成了牺牲品,伦敦的一家滑稽剧院不久就上演了描写亨德尔和两位女歌唱家的滑稽剧。我们今天欣赏古典音乐大师的音乐时,沉浸在庄严华丽的艺术氛围里,很难想象他们在艺术道路上曾经有过如此富于戏剧性的插曲。

    给亨德尔苦心经营的意大利歌剧院以沉重一击的是《乞丐歌剧》的上演。在当时的伦敦,各种类型的舞台演出纷繁杂陈,各有各的阵地。除了宫廷贵族推重的意大利歌剧之外,还有本国风格的英国歌剧;另外,反映市民风俗的滑稽剧、歌舞剧的演出也颇为兴旺。由于这类演出欢快幽默,又常针砭时弊,所以,很受一般市民欢迎。《乞丐歌剧》就是这样一部给普通观众带来快乐的音乐喜剧。

    《乞丐歌剧》是一部政治讽刺剧,由诗人约翰·盖伊与作曲家佩普施共同完成。描写的是伦敦下层社会的生活,剧中男主角麦克希德是一位强盗,剧作者通过这个人物暗讽当时的内阁大臣罗伯特·乌尔保尔和他的阁僚们。贵族们喜欢的意大利歌剧也是嘲讽的对象。全剧由几十首歌曲串联而成,歌词采用下层社会俚俗语言,语意双关,机锋暗藏,充满机智和欢乐。剧中歌曲的曲调大多采自市井坊间的流行歌曲,倚声填词。盖伊的歌词极尽调侃讽刺之能事,亨德尔自然也没有幸免。意大利歌剧的戏剧结构和音乐形式的程式化模式在《乞丐歌剧》里遭到讽刺性模仿,亨德尔歌剧里的一首咏叹调被讽刺性地加以糟改,第二幕里匪帮在亨德尔的一首进行曲下凯旋归来,这首进行曲出自亨德尔的歌剧《里纳尔多》。《乞丐歌剧》上演后受到普遍地欢迎,仅在1728年的冬季就演了62场。亨德尔领导的“皇家音乐学会”剧院遭到冷落,第二年不得不关张大吉。生性顽强的亨德尔与人合伙接手歌剧院,亲自经营,但是观众的兴趣早已不在意大利歌剧上,惨淡经营的剧院很快破产。

    1734年亨德尔东山再起,第三次组建歌剧院。这一次与亨德尔作对的是来自宫廷的贵族,他们从意大利请来著名作曲家尼科洛·波波拉和一些著名歌唱家,组建了“贵族歌剧院”与亨德尔分庭抗礼,目的是反对亨德尔的庇护者英国国王。两家歌剧院唱起对台戏,本来就不景气的意大利正歌剧这次仍然没能走出困境,3年后两家剧院都宣布破产。亨德尔付出多年的辛勤劳动和艰苦努力,最后面临的是倒闭的剧院、12000镑巨债和街头散布流行着反对他的小册子和讽刺诗。亨德尔疲惫不堪,加上这些打击,他一下子病倒,脑溢血的后果是半身不遂。

    亨德尔在病床上的样子使人们相信他不可能再从事任何音乐活动。他不但不能起床,甚至连说话的能力都没有,只有往日的朋友们在他身边演奏音乐时他的眼睛才会放射出一丝光彩。医生对他的病也无计可施,除了为他放放血以外,只有建议他去试试洗温泉。在温泉疗养地亚琛,亨德尔以极大的毅力战胜了疾病,几个月以后回到伦敦时,他不仅行走自如,甚至能够弹奏风琴。生性顽强的亨德尔向人们宣布:“我从阴间回来了!”

    康复的亨德尔立即投入工作,只用3个月的时间就写出了两部新歌剧,同时他把创作的注意力转向清唱剧,写出了《扫罗》和《以色列人在埃及》。这两部清唱剧揭开了亨德尔艺术生涯上新的一页。清唱剧是由乐队、独唱、合唱紧密结合的大型声乐作品,内容取材于《圣经》故事,有情节,但不做舞台表演,完全用音乐来表现戏剧性内容,描写英雄性格和心理。亨德尔从《圣经》里选取素材创作清唱剧并不是出于宗教信仰,而是因为《圣经》里的故事在欧洲家喻户晓,根据这些英雄故事编成的清唱剧很容易为广大民众所接受。

    但是清唱剧的写作并没有使亨德尔走出困境,贵族们仍对他怀有敌意,清唱剧的内容又遭到教会的反对,说他亵渎神灵。他的音乐会上总有人挑衅生事,他的演出海报被神父们出钱雇人撕掉;在他演出的日子里,上流社会的贵妇们恶意地举办各种招待会,把观众们吸引开;演出的第二天则有评论家的讥诮见诸报端。亨德尔在外面四处碰壁,回到家里又有债主上门讨债,纠缠不清。亨德尔一时心灰意懒,几乎要离开英国。

    就在亨德尔一生中最困难的时候,又出现了新的转机,激起了又一个新的创作高潮。

    1741年8月21日,亨德尔收到一个邮包,拆开邮包,是一部清唱剧剧词手稿,作者是清唱剧《扫罗》和《以色列人在埃及》的作者詹宁士。他在信中表示希望这部新的剧本能仰仗大师的才能插上音乐的翅膀飞上灵霄,清唱剧的标题是《弥赛亚》。被种种失败情绪折磨得近乎麻木不仁的亨德尔此时根本没有心思接受新剧本,不过他还是随便翻开瞟了一眼。然而,剧词的第一句话就牢牢抓住了他,“鼓起你的勇气!”亨德尔心头一震,被失败情绪笼罩的他,正是需要鼓起勇气有所作为的时刻。“鼓起你的勇气!”这句话好像是来自苍穹的感召,映入眼帘,深入肺腑,顿时化作千种乐音,汇聚成强烈的音符,撞击着他的心灵。亨德尔接着读下去,觉得剧中的歌词都是向他而发的,他感到自己心灵中某种被压抑了很久的力量,正在被唤醒。他读到“他曾遭到鄙夷”,读到弥赛亚被害,还没有死去就被埋葬,还遭到尽情的嘲笑,“而当时没有一个人给这个苦难者安慰”。亨德尔联想到自己几年来的遭遇,没有人帮助他,没有人安慰他,但是一种神奇的力量支撑着他。歌词这样写着:“昂起你的头!”“不要把你的灵魂留在地狱”。当读到赞美诗《哈利路亚》时,亨德尔确信自己已经获得新的灵感,他觉得有千军万马在胸中奔突,汹涌的心声仿佛掀起滔天的巨浪,化作旋律直透云霄,反复延伸扩展,充满整个世界。

    亨德尔不敢有片刻的耽搁,立即抓起笔,把这来自上苍的音乐记录下来。一种无形的力量催促着他、挤压着他,使他无法停下。夜已经深了,在黑夜遮盖下的这间小屋却充满了光明。直到第二天上午,仆人小心地推门进来,亨德尔还在不停地写着,他的助手问他是否需要帮助抄写乐谱,竟被他粗鲁地赶了出去。于是再也没有人敢到他身边去,只是按时把水和面包送到他的工作室去,亨德尔也整整3个星期没有离开房间,他已经完全如醉如痴。他不时站起来在房间里走动,一边高声歌唱一边打着拍子,眼睛放出异样的光彩。债主登门讨债、歌唱家来找他试唱、皇上的使者来请他到宫里去,都被仆人挡在门外。因为仆人知道,这种时候去打扰主人,就好比去点燃一桶火药。亨德尔完全被从心灵深处涌出的激流裹挟着奔腾而去,他觉得自己还从来没有过如此旺盛的创作欲,也从没有为一部作品这样呕心沥血。

    3个星期之后,作品终于完成,亨德尔也如同一个被压榨干了的躯壳,颓然倒在床上。他睡得如此之长,以至于仆人以为他旧病复发,去请医生。当医生赶来时,亨德尔已经起床,正在吃饭,那表情像是个获胜的将军。

    1742年4月13日,清唱剧《弥赛亚》在爱尔兰首都都柏林举行首演,获得极大的成功。为了感谢都柏林观众对他作品的理解,亨德尔把《弥赛亚》的全部演出收入捐赠给都柏林的慈善事业。1743年3月,《弥赛亚》在伦敦演出,但反响并不强烈,英国的观众还没有改变对他的敌视态度。但是,亨德尔仍坚持每年演出《弥赛亚》,并把演出收入捐赠给医院和孤儿院。直到7年以后,才在伦敦取得决定性的成功。

    1751年亨德尔双目失明,但是,他没有改变亲自演奏指挥《弥赛亚》的习惯。1759年4月6日,在柯文特皇家歌剧院举行《弥赛亚》的第56场演出,74岁的亨德尔依靠着生命最后的力量,指挥演出并弹奏风琴,当终曲《阿门颂》结束时,他倒在台上。几天以后亨德尔与世长辞。

    清唱剧《弥赛亚》是亨德尔一生中最伟大的作品,反映出早期启蒙运动的人道主义精神,借助《圣经》中耶稣拯救人类的故事启动人们崇高的精神力量。直到今天,每年的圣诞节世界各地都演唱《弥赛亚》。亨德尔生前曾说过:“假如我的音乐只能使人们愉快,那我很遗憾。我的目的是使人们高尚起来。”《弥赛亚》正是一部这样的作品。

  • “人民奋起保卫祖国的威力及其雄伟气魄” 柴科夫斯基:《1812庄严序曲》

    1880年10月,尼古拉·鲁宾斯坦致信柴科夫斯基,委托他为莫斯科的庆典活动写一首典礼音乐。题目有三个,由柴科夫斯基自选其一。三个题目如下:一、莫斯科艺术工业博览会开幕;二、沙皇亚历山大二世加冕二十五周年纪念;三、重建1812年战争中烧毁的莫斯科救主基督大教堂落成典礼。柴科夫斯基选择了最后一个。

    仅仅过了12天,柴科夫斯基在给梅克夫人的信中写道:“亲爱的朋友,我的音乐女神可真不坏,短短的时间里,我已作了两首曲子,一首大而庄严的序曲,一首四个乐章的弦乐队用的小夜曲。我现在正忙于把它们改编为管弦乐曲。那首序曲很热闹,但没有艺术价值,因为我写的时候,虽有热而无爱。”

    这首急就而成的序曲,就是后来成为世界名曲的《1812庄严序曲》。柴科夫斯基当初接受作曲委托就有些勉强,他认为这种应景之作不会有什么艺术价值。曲子写成之后,他把手稿寄给莫斯科的出版商,随信附有一张乐谱酬金的清单,项目开列很详细,几项合计共8卢布60戈比。这个单子很有些自嘲的意味,借此表示对这类乐曲的不屑。柴科夫斯基随即宣布放弃这8卢布60戈比,把它“送给莫斯科城”,因为“这样子的作品要报酬,是开玩笑,那将是一种侮辱。像这样子的事情,要么做了不收报酬,要么就索性不做。”从这里的口气来看,柴科夫斯基对这首序曲是不抱任何成功的希望的。有些名曲介绍一类的小册子,在谈到《1812庄严序曲》的创作时,说柴科夫斯基是怀着如何的爱国激情来写这首序曲的,但从作曲家自己的态度来看,这种说法盖出于主观臆测,以结果代替动机,是缺乏根据的。

    为了使音乐能适应广场庆典的需要,柴科夫斯基把乐队的编制加以扩大,增加了打击乐的力度,在序曲的尾声处加上了一个军乐队,再配合上广场一侧的大炮和教堂钟楼上的钟声,音响处理几乎是前所未有甚至令人瞠目的。

    1882年8月20日,在莫斯科博览会开幕期间,首次演奏了《1812庄严序曲》。乐队的宏大声势调动起人们的激情,在音乐进入高潮时,广场上传来阵阵钟声,大炮轰鸣,强烈的音响效果把观众卷入爱国情绪的狂潮,演出获得极大的成功。柴科夫斯基本人对如此热烈的场面也始料不及,他表示:“我还不曾感到如此的兴奋,获得如此辉煌的成功。”《1812庄严序曲》很快就普及各地,甚至在俄国以外的欧洲城市也在演奏它。这首曲子成了柴科夫斯基所有交响作品中形象最鲜明、最通俗易懂、最受欢迎的一部。

    前面已经介绍过,《1812庄严序曲》是为重建在1812年战争中焚毁的莫斯科救主基督大教堂落成而写的。从1812年到1882年,中间整整相隔70年,岁月虽然消逝了,但俄国人民对那场战争仍然记忆犹新,那场战争的胜利仍在激励着俄国人的爱国热情。战争的起因和过程是这样的:英法两国历来交恶,两国为了争夺和建立各自的霸权,历史上有过许多次战争。英国依靠海上优势对法国实行海上封锁,法国也利用大陆的地理和军事优势对英国实行封锁,切断其经济贸易通道。1806年拿破仑签署大陆封锁令,宣称“用陆上的力量征服海洋”,命令欧陆各国不得与英国贸易往来。这是用欧洲其他国家的利益换取法兰西帝国的霸权,当然要引起各国的不满。拿破仑用战争和联姻方式迫使一些国家合作,只有遥远的俄国不肯听命,暗中与英国通商。这使拿破仑的大陆封锁战略无法完全实行,拿破仑决定先武力征服俄国,回过头来再与英国计较。

    1812年6月,拿破仑亲率40万大军,不宣而战,渡过涅曼河,向东进击。拿破仑主观地估计用20天就能解决战斗。俄军兵分两路,抗击法国军队。法军企图尽早与俄军决战,但是俄军利用本国辽阔的疆土与法军周旋,且战且退,一路上实行焦土政策,让法军得不到粮食给养。9月,库图佐夫将军在波罗丁诺与拿破仑展开大会战,双方损失都很严重。战斗之后,俄军主动放弃莫斯科,法军9月14日进入莫斯科城,此时的莫斯科已是一座空城,法军也仅剩不到10万兵力。当晚莫斯科城燃起大火,连烧三天,莫斯科城仅存三分之一。这一年冬天来得特别早,10月初就下大雪,在饥寒交迫中,拿破仑空守一片废墟中的莫斯科已毫无意义,只得下令撤军。回撤途中,法军遭到层层拦截袭击,游击队、民团、哥萨克骑兵轮番进攻,后面还有库图佐夫将军的追兵。11月在克拉斯诺的最后一战,法军付出重大代价才渡过别列津纳河逃走,最后只剩下12000余人,拿破仑孤身回到巴黎。1812年战争以拿破仑的惨败而告终,法兰西第一帝国从此走向衰亡。俄国获得胜利,却是惨胜,大片田庄村舍化作焦土,古城莫斯科多半成了废墟。直到70年后,为了纪念这场惨烈的战争,重建莫斯科救主基督大教堂,柴科夫斯基应邀写了《1812庄严序曲》。

    《1812庄严序曲》采用的是奏鸣曲式。奏鸣曲式是一种曲式结构,通常用于奏鸣曲、交响曲、协奏曲的第一乐章,也可用于其他乐章。奏鸣曲式一般有三部分:呈示部、展开部、再现部。呈示部前面可以有引子,再现部后面可以有尾声。在这样的布局结构内部,音乐材料的主部与副部互相对比、发展、冲突,形成戏剧性高潮,最后得以圆满地解决。这个结构方式,与我们的文章布局的起、承、转、合很近似。

    柴科夫斯基虽然不能被纳入民族主义音乐家阵容,但他对格林卡开创的俄罗斯交响音乐传统却是推崇并继承的。在《1812庄严序曲》这样一部宣扬爱国主义热情的作品里,作曲家就更重视民族音乐素材的使用了。乐曲从一段庄重肃穆的引子开始,描写遥远东方的俄罗斯人民宁静平和的生活。音乐采用的是带有爱国主义歌词的俄罗斯教会歌调《主啊,拯救你的子民》。随后,发生了骚动与不安,象征着战争危险的临近:音乐的速度开始加快,急促的鼓声是征召军队的信号,木管乐器和圆号奏出号召性主题;音乐进入快板,旋律模仿在辽阔草原上驰骋奔突的骑兵。这时,圆号和短号吹出象征法国军队的《马赛曲》片断,这是敌人的入侵。《马赛曲》的主题反复几遍之后,出现的又是俄罗斯风格的主题,它辽阔自由,表现出俄罗斯民族对祖国的热爱;新加进来的另一个俄罗斯音乐主题是舞蹈性的,体现俄罗斯民族的乐观精神,这个主题采用的是婚礼歌曲《在大门旁》。短暂的欢乐之后,又进入了强烈冲突的战争场面,矛盾的冲突愈加猛烈,在激烈的战斗中,《马赛曲》的主题越来越低沉,最后终于被压抑下去,一阵呼啸盘旋急转直下的下行乐句象征着法军的溃败,乐曲从这里进入尾声。引子里的赞美歌主题再次出现,只是变得高亢威严,军队的战斗主题也加入进来,这次是以胜利进行曲的色彩奏出,大军鼓和定音鼓狂热地敲击,军乐队庄严地奏起沙俄国歌《上帝保佑沙皇》。大炮声、钟声响成一片,气氛狂热到白热化程度,音乐到这里结束。在前苏联时期,由格拉祖诺夫执笔,把《1812庄严序曲》里的沙俄国歌替换成格林卡的歌剧《伊万·苏萨宁》中的《光荣颂》主题,以避免在革命政权的时代,演奏这首爱国乐曲时,沙俄国歌高高飘扬。但是在前苏联以外,演奏《1812庄严序曲》仍用柴科夫斯基的原谱,所以这首曲子长期以来有两个版本行世。具有讽刺意味的是《伊万·苏萨宁》的另一个名字竟是《为沙皇献身》。现在,已经听不到《1812庄严序曲》的改编版了,这首充满爱国主义激情的名曲丝毫没有因为使用了旧国歌而减损一分一毫的艺术价值,反而被很多国家借鉴为激励爱国主义情绪的杰作。正如高尔基说的那样:“这首序曲是深具人民性的音乐……把你高举于时代之上,它的声音表达出这一庄严的历史时刻,极其成功地描绘了人民奋起保卫祖国的威力及其雄伟气魄。”

  • “这个乐章是名副其实的意大利” 门德尔松:A大调第四交响曲(意大利)

    门德尔松的交响曲序号只排到五,在这五部交响曲里为人们熟知的是第三交响曲(苏格兰)和第四交响曲(意大利),演出最流行的是第四部《意大利交响曲》。第四交响曲写于1831年,门德尔松在意大利旅行期间。从1829年到1831年的两年多时间里,门德尔松游历了英、法、意大利、奥地利几国,陶醉于各地的历史文化、自然风光,写出了《芬格尔岩洞》、《苏格兰交响曲》、《意大利交响曲》等不朽名作。其中,管弦乐序曲《芬格尔岩洞》更是开创了浪漫主义音乐会序曲的一个时代。

    门德尔松的意大利之旅长达一年多时间。意大利是欧洲历史文化的重要见证,罗马、威尼斯、佛罗伦萨、帕都瓦、波伦那等文化名城,如同一个个历史人文博物馆,古罗马和文艺复兴文化遗迹比比皆是。接受过良好而全面的教育的门德尔松感受颇深,他几乎不可能不动手写一部交响曲。在旅途中,他已经开始起草第四交响曲,全部完成是回到柏林以后,离当初起稿已有两年。学养深厚的人善于思精而虑周,高度理性化的思维往往会表现为犹豫不决。门德尔松对第四交响曲的总谱反复修改,大段大段地重写,他是在以一种学者的审慎态度对待音乐,抑制住热情,施展纯熟的管弦乐技巧,追求尽善尽美的境界,以致这部交响曲直到他去世也没出版。无数次的修改把门德尔松自己也弄得很疲惫,所以,他说第四交响曲给他带来的是痛苦。事实上,《意大利交响曲》在1833年刚一完成,就在伦敦举行了首演,由门德尔松自己担任指挥,演出获得很大成功。

    《意大利交响曲》由传统的四个乐章组成,第一乐章奏鸣曲式,兴奋而欢快,充满明媚的阳光,是作曲家本人对意大利的南国风光和热情奔放、热爱艺术的意大利人性格的体验。意大利是门德尔松向往的国度,那里气候温润、风光迷人,历史人文景观丰富,民间音乐传统丰厚,民俗富于魅力。威尼斯狂欢节吸引着来自四面八方的游人。门德尔松在给家人的信中说:“这就是意大利了,我一生向往的欢乐时刻开始了,我正沉浸在那里。”这个乐章是欢乐中的激昂奔放,表现一个青年满怀期望地进入憧憬中的神奇国度的兴奋心情。第二乐章是一个慢乐章,抒情的歌唱性旋律据说是描写在意大利时常可见的宗教游行队伍,乐曲略带阴沉悲伤。另有一些评论家考证出这个乐章的主要音乐素材是从门德尔松的作曲教师策尔特的叙事歌里得来的。第三乐章是传统的小步舞曲,优雅而安闲,是18世纪的古典趣味。第四乐章标明为萨尔塔雷罗舞曲,急板。萨尔塔雷罗是起源于西班牙和意大利的民间舞曲,拍子多样化,男女成对表演,动作激烈并结合有大的跳跃,是一种活泼热烈的舞蹈。门德尔松把第四乐章写成萨尔塔雷罗,用以表现罗马狂欢节,音乐由兴高采烈的欢乐气氛发展到狂热奔放的尾声,形成辉煌的结束。在以“意大利”为标题的第四交响曲里,这个乐章是名副其实的意大利。

    每有新作,门德尔松便会与芳妮切磋。

    门德尔松是浪漫主义音乐进入成熟期的第一位代表人物,所有的音乐史里对他都有专门章节的论述,《格罗夫音乐与音乐家辞典》对他的介绍更是连篇累牍。然而,几乎所有的传记评论里都不忘记对门德尔松的身世加一个说明——他出身豪门、环境优越、教育良好、生活顺利,没有经历过个人道路的坎坷和艰辛,很早便获得了艺术上的成功。所有这一切加在一起,使门德尔松的音乐文雅而精巧,古典氛围浓厚,虽然给人很高的艺术享受,却未能达到无比深刻的地步。因此,他不是一位伟大的音乐家。这是一个似是而非的批评,逻辑混乱而且强加于人,它捏造了两个艺术“规律”:即环境优越、艺术道路顺利便必定流于浮泛不能深刻,而学识丰富、技法纯熟便无法做到感情深挚。这样貌似合理、实则荒谬的推断极容易引起感情淳朴、思维简单者的共鸣,人云亦云的结果是门德尔松经常被描写成一位因生活优裕、工作轻松而造成事业上种种不足的作曲家。更有学舌者乖巧地用什么“伟大的小作曲家”这样的词句来揶揄门德尔松。然而,每当门德尔松《e小调小提琴协奏曲》那华丽辉煌的旋律响起时,人们不会忘记海费兹大师的一句话:“假如门德尔松的音乐从世上消失,那么其他一切音乐将会终结。”对门德尔松的不正确批评虽然从未平息过,但是门德尔松的音乐在他身后一个半世纪里却长演不衰,这倒应了杜甫那两句诗:“尔曹身与名俱灭,不废江河万古流。”

    我们也不妨来透析一下对门德尔松的批评。长期以来人们对门德尔松有两点不能饶恕,其一是他环境优越、个人道路顺利;其二是他教育良好,有较高的个人修养。关于他的出身,社会上一直存有一种荒谬的论调,即“逆境出人才”,好像人只有处在逆境中历经种种苦难,才会克服一切困难,业有所精,登上人生的成功之路。这句话存在着很大的欺骗性,尤其是统治者最喜欢用来愚弄人,来推托他们的社会责任。换一个角度来想,“逆境出人才”假如果然是培养人才的规律,那么人才培养将成为极简单的事情。事实告诉我们,科学文化史上有成就的名人大多数在青少年时期有良好的学习环境。就以莫扎特为例,他如果不是出生在一个衣食无愁的音乐家庭,而且,从童年起便有机会遍游欧洲各国、出入宫廷、拜见天下名师,日后也不会成为我们现在所知道的莫扎特。顺境不是成功的障碍,修养和学识也绝不是艺术的天敌。门德尔松出身富有的家庭,却不是在懒散和悠闲中成长的,他5岁起便开始了艰苦的学习,语言、文学、数学、音乐、美术,他所要面临的繁重学业要比一般孩子重几倍。长期的艰苦学习有损他的健康,这是他在38岁夭亡的潜在原因。说到门德尔松的教育,是很值得做一点介绍的。他的祖父摩西·门德尔松是皈依基督教的犹太人,是启蒙运动的促进者,在当时的思想界有一定影响。由于他在思想界和文化界的交游甚广,使得小门德尔松有机会从小就与文学界泰斗交往。其中最令人欣羡的是,他与老黑格尔和歌德结成忘年交,这与他思想和艺术风格的形成有很大关系。门德尔松的父亲是银行家,非常富有,曾在拿破仑战争期间出钱资助德国政府,所以,有很高的社会地位。他是一位知识型企业家,结交的是当时德国文化艺术界的大部分精英人物。他使自己的家成为柏林著名的文艺沙龙,每星期都有音乐演奏、戏剧演出或是文学活动。在这样的氛围里成长,门德尔松几乎没有理由不成为大艺术家。和所有的犹太家庭一样,门德尔松自幼家教极严,5岁起,便开始了全面的正规教育。从5岁到10岁学习的课程有德语、法语、拉丁语、希腊语、数学、文学、绘画、钢琴、小提琴,除了德语、法语、数学是由父母亲自来教,其他的各科都由当时的名人任教。10岁开始学音乐理论,老师是柏林声乐学院院长、作曲家策尔特。由于策尔特的介绍,门德尔松与歌德之间建立了亲密的友谊。策尔特对门德尔松的音乐理论教育显然是严格而成功的,这从门德尔松的交响作品里可以听得出,规整而严谨,热情而理性,这些都来自对古典传统的尊崇。策尔特本人是学院派法则的遵循者和古典传统的捍卫者,据说他对贝多芬之后的音乐不以为然,有评论家便因此说门德尔松保守,这是不顾事实的。门德尔松的理性、清醒、均衡、有条不紊和他所追求的精确和大境界、高品格更主要来自于他接受科学的头脑。

    在门德尔松家的星期日沙龙里,有一位重要的客人对门德尔松的学习和成长影响很大,这就是柏林大学校长维勒姆·洪堡。洪堡是语言学家、哲学家,柏林大学曾经以他的名字命名为洪堡大学。在他的引导下门德尔松修完了柏林大学的历史语言课,还听了黑格尔的美学演讲。洪堡的弟弟亚历山大·洪堡更是了得,他是德国自然科学经典时期的著名人物,是近代地质学、气候学、地磁学、生态学的创始人,科学巨著《宇宙》一书的作者。门德尔松在与这些人的交往中不必直接学习某种学科,而是从交谈中领略科学的魅力,接受西方实验科学对自然界理解、认知的思维方式,是语言逻辑的缜密与洗练,是哲学性沉思的周密和博大。从青少年时期知识的学习和积累开始,门德尔松就是站在人类文化的高处观察世界的。丰富的知识使他具备睿智清晰的思辨能力,对事物的认识喜欢穷究其里的习惯使他对古典艺术有浓厚的兴趣,巴赫、亨德尔、莎士比亚等古典大师的艺术是他研究的对象。但由于他对当代文学和艺术的学习,尤其是文学上的浪漫主义的影响,使他没有堕落成保守主义者,反而成了浪漫主义音乐进入成熟期的第一位代表性作曲家。

    门德尔松出身富豪家庭,从小得到了其他人无法想象的学习条件,这是他自38岁积劳成疾去世之后人们一直不肯原谅他的原因,在西方文化界“富人原罪”是很普遍而又不公开宣明的认识。门德尔松掀起了持续了一个半世纪至今没有完全熄灭的“复兴巴赫”运动,这又让他很容易地获得了“有古典嗜好”的批评,深厚的学养使他不能不被打入“学院派”一流。凡此种种,门德尔松便成了悲剧性的二流人物。

    然而,门德尔松的音乐响了一百多年了,至今,仍然是最受人欢迎的音乐家。对门德尔松的评论和研究近些年也有突破,这位作曲家在音乐史上的作用和地位越来越受人们的重视,这也是人们对音乐本身重新认识的结果。

  • “清丽、纯洁的风格和虔诚的祈愿” 巴达尔切弗斯卡:《少女的祈祷》

    “清丽、纯洁的风格和虔诚的祈愿” 巴达尔切弗斯卡:《少女的祈祷》

    泰克拉·巴达尔切弗斯卡,这是一个大多数音乐爱好者感到陌生的名字,但是一提起钢琴曲《少女的祈祷》,便几乎无人不知、无人不晓了。《少女的祈祷》不是音乐会曲目,无法登上典雅辉煌的音乐厅舞台。但是,它那清纯浪漫的旋律却几乎无处不在。饭店里、商场里、咖啡厅里都可以听到这熟悉的曲调。多种风格的改编曲数不胜数,商人们还把它制作成门铃、电话铃、八音盒以及各种实用音响,粗俗的音色无时无刻地吱吱扭扭,这样一来,全世界的每一分钟都有《少女的祈祷》在奏响了。这首钢琴小品无法与古典或浪漫大师们的经典之作相比,在巴赫、亨德尔、海顿、莫扎特面前,巴达尔切弗斯卡这个名字渺小得无地自容,在音乐史上只字片语也留不下。但《少女的祈祷》这首小品却可以和那些博大精深的经典名作一起传世。如果开列一个人们最熟悉、最喜爱的钢琴作品曲目,即使把这个目录压缩到很精简的程度,《少女的祈祷》也还会名列其中。

    《少女的祈祷》是一首朴素简洁的钢琴小品,乐曲写于19世纪中叶的1825年。这个时期正值欧洲浪漫派音乐发展时期,肖邦、舒曼、门德尔松、李斯特等作曲家都为钢琴写了不少小品,他们的钢琴小品为钢琴开辟了新领域。这些抒情小品的共同特征是具有歌唱式旋律,很像是用钢琴演奏的歌曲。门德尔松的49首钢琴小品开宗明义地统称为“无词歌”。与这个时代风气不同的是《少女的祈祷》没有采取由人声启发的朗诵调旋律,而使用了姿态旋律。这也许是这首小品能够以独特的风格风行于世的原因之一。乐曲没有连续发展的语句性旋律,音乐主题建立在流动的分解和弦上,上行的琶音借助钢琴特有的华丽音色营造出清纯明朗的意境,很容易引起人内心的共鸣。由分解和弦构成的主题,加上四个变奏就构成了全曲。音乐手法极为简单,而音乐的可贵之处也就在于简朴单纯。曲作者巧妙地运用和声技巧,不掺入任何杂念,使音乐既虔诚肃穆又不沉闷,表现的是纯洁的渴望。维也纳金色音乐厅的专职音乐评论家布拉维用一句最简单的话来概括西方音乐与中国音乐的根本区别在于一个重和声,一个重旋律。《少女的祈祷》在重和声方面可以说是典型一例。这首曲子完全不考虑音乐中的旋律功效,而只是精致地编排分解了的和弦,听起来像是清澈流动的山泉,细致入微的情感表现就寄托在其中了。

    《少女的祈祷》既无华丽的外表又无深奥的内蕴,却具有感人的力量。它虽然在正式的音乐会上不占一席之地,但在社会上的流传却极为广泛,稍微知道一点儿音乐的人都熟悉这首乐曲,初涉过一点儿钢琴演奏的人大多试着弹过此曲,可见这首乐曲的深入人心。这首抒情小品在音乐上的成功得之于在朴素虔诚的氛围里萌动着青春的渴望,寄托着纯真美好的向往。假如用这首乐曲的标题作为音乐表现的具象,那么少女顶礼膜拜的对象则是人生中最真挚的善良情感,它是人埋藏在心底的真与善的本能被唤醒,这种美好的情感会与人终生为伴。

    少女祈祷什么?答案有无数种!

    《少女的祈祷》这首乐曲还经常引起写作方面的冲动,为文字表现提供展开的空间。在音乐营造的清纯、虔敬、渴望、内心的激动里,“少女祈祷什么”成了作家们笔下揣度的题目,他们把人类各种美好的愿望、情感和憧憬拿来注入这首乐曲,更用这首乐曲来表达自己的情感世界。当代文坛上一位很哲学的作家把《少女的祈祷》视为开启自己某种心理情结的钥匙,他用大段文字描绘在自己的人生历程中,这首乐曲带给他的心灵抚慰。文章虽与音乐本身离得较远,但音乐给人的精神慰藉的描写却很充实。还是这位作家,不仅把《少女的祈祷》用作自己的精神寄托,还小心地搜寻这首钢琴曲的作者情况,但是几乎一无所获,他竟为此愤愤不平。的确,在众多的音乐大师面前,《少女的祈祷》的作者实在太渺小了,事实上,巴达尔切弗斯卡几乎没有什么事迹可供查考。这首感人至深的抒情小品的背后也没有什么轶闻趣话可以拿来助兴,如果不是这首乐曲风行全球一个半世纪,这位少女的名字早就被人遗忘了。

    波兰女钢琴家,泰克拉·巴达尔切弗斯卡生于1834年,1861年在华沙去世,只活了27岁。人们对她的生平事迹知之甚少,只知道她是一位登台演出的女钢琴家,在她生活的那个时代这样的演奏家不知有多少。19世纪的波兰音乐文化非常发达,钢琴是文化生活的一个重要部分,在华沙,生产钢琴的手工作坊达一百多家,各种音乐院校有二十多所,钢琴诗人肖邦就受业于华沙音乐学院。曾经显赫一时的钢琴演奏者不计其数,巴达尔切弗斯卡的名字在这里根本显露不出来,使她载入史册的是《少女的祈祷》。《牛津简明音乐辞典》里对巴达尔切弗斯卡的记载只有短短两行文字,说明她18岁写了《少女的祈祷》。20卷大部头的《新格罗夫音乐与音乐家辞典》也没有更多的记载,只记录着《少女的祈祷》在1856年出版后迅速传遍世界,有84种版本流传于世,成为通俗钢琴曲里最著名的几首之一。

    《少女的祈祷》一般不进入音乐厅,她清丽、纯洁的风格和虔诚的祈愿情绪很适合用来制造一些情调,戏剧舞台和电影里经常用作配乐,来烘托气氛,渲染女主人公的内心世界。广播电视里的播出频率也很高,她那纯洁单纯的气质被爱好者当作是保持心灵中一片净土的寄托。二十多年前有一部电影,里面有一个以屠戮为职业的角色,为了卖弄风雅,为女主人公弹奏了一曲《少女的祈祷》。这个情节当即遭到了观众的抨击,他们认为这首曲子被玷污了,他们不能容忍沾有血迹的手亵渎这首曲子,还有人在报上写文章,批评导演胡乱附庸。

    巴达尔切弗斯卡在27岁时去世,此时《少女的祈祷》已风靡于世整整五年,她在世时是否因为这首曲子风光一时,不得而知。但在她身后这首抒情小品能够流芳百世,却是可以确信的。巴达尔切弗斯卡一生仅发表过三首钢琴小品,有这一首传世,人生尽可满足了。

  • “音乐极具色彩,用新奇的语言描写画面” 穆索尔斯基:《图画展览会》

    组曲《图画展览会》是俄罗斯作曲家穆索尔斯基的代表之作。原曲是由十首钢琴曲加引子的组曲。作品问世后,人们从乐曲中看出改编成管弦乐的潜质,改编者甚众,主要有斯托科夫斯基、亨利·伍德、埃尔加·霍沃思、杜希玛洛夫、雷奥奈迪、拉威尔等人的改编曲。其中,以拉威尔的改编曲最为著名,这个版本成为通行版本,人们一提到管弦乐《图画展览会》,指的就是拉威尔版,我们一般听到的也是这部改编曲。

    穆索尔斯基当初写钢琴曲《图画展览会》,起因于他的一位画家朋友的去世。画家、建筑师加尔特曼是一位很有才华的艺术家,与穆索尔斯基是很好的朋友,不幸去世,只活了39岁。穆索尔斯基为加尔特曼的去世感到很痛心,他认为这是俄罗斯艺术界的一大损失。他与俄国著名文艺评论家斯塔索夫一起,经多方努力,促成了加尔特曼遗作展览会,展出了一批加尔特曼的水彩画和建筑设计。在展览会上,穆索尔斯基悉心观赏加尔特曼的作品,从中得到启发,于是,决定用音乐来表现加尔特曼的美术作品。

    穆索尔斯基的音乐写得很顺利,他在写给斯塔索夫的信中说:“我正在起劲地写加尔特曼的音乐,乐思和曲调源源而来,连写在纸上都来不及。”顺利的创作使他预感到音乐的成功,所以作品只写了一半,他已经向外界宣布了新作品的成功。一部新作品,尚未经过舞台考验,也没有经权威演奏家试奏,就预言成功,是很冒风险的举动,尤其是在19世纪中期的俄罗斯,就更应该谨慎。因为那时期俄罗斯国内的文艺批评有如利刃一般犀利,毫不留情面。况且穆索尔斯基所属的“强力集团”常与人争讼不休,有时只为一语不合,便开笔衅,这样容易招致反感,自己言行稍有不慎,恶评便纷至沓来。

    钢琴组曲《图画展览会》发表以后,社会反响平平,肯于演出的人不多。究其原因,大约是技巧上有一定困难,而音乐本身色彩丰富、想象奇特,与传统音乐有很大差别,听众不易很快接受。作品没有取得预期的成功,但也没有反面的批评,评论家们无暇“照顾”这部声价一般的钢琴组曲,全都忙着围攻穆索尔斯基在同一年里上演的歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》去了。批评家们把歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》批得一无是处,而歌剧院里的观众却为其欢呼。于是,出现了戏剧性场面,一方面是歌剧里的合唱迅速在大街小巷里传开,另一方面是专业的批评家们在无情地指责音乐不合章法。令穆索尔斯基痛心的是,在一片聒噪声中,也混杂着强力集团成员之一居伊的声音。在嘈杂之中,钢琴组曲《图画展览会》悄无声息,也许根本就是“漏网”了。直到48年后,拉威尔把它改编成管弦乐,才使它传遍世界各地。

    19世纪中晚期,俄罗斯的文化艺术是一个活跃时期,文学、美术、音乐和自然科学领域都涌现出一批精英人物:诗人、作家、剧作家有涅克拉索夫、屠格涅夫、奥斯特洛夫斯基、托尔斯泰,这是一批有世界性影响的文学家;文艺批评家有别林斯基、车尔尼雪夫斯基、杜勃罗留波夫等人倡导的美学原则自成一格局;以彼罗夫等人发起的“巡回展览画派”涌现出萨符拉索夫、希什金、克拉姆斯科依、列宾、苏里科夫等一批世界级美术大师;以格林卡和“强力集团”为代表的民族乐派影响遍及欧洲;化学家门捷列夫揭示了化学元素周期……在这个繁荣的格局里,有一位杰出的艺术评论家斯塔索夫,对“巡展画派”和“强力集团”给予理论上的支持,也是他使“巡展画派”和“强力集团”成员之间建立了深挚的友谊。其实,两派的艺术追求实则是一致的。穆索尔斯基的画家朋友加尔特曼的遗画展览会,也是在斯塔索夫的帮助下才得以实现的,那时他正担任帝国公共图画馆美术部主任。

    组曲《图画展览会》的十首曲子是穆索尔斯基根据画展上的十幅作品所给出的意象创作的。音乐极具色彩,用新奇的语言描写画面,或者说是图画的内容激发了作曲家,产生了一些奇思妙想的乐思。十段乐曲的标题都是原画的标题,分别是《侏儒》、《古城》、《秋尔耶里宫廷的院落》、《牛车》、《未孵化的鸟雏的舞蹈》、《两个犹太人,一穷一富》、《里莫日市场》、《墓穴》、《鸡脚上的小屋》、《基辅大门》。乐曲前面的引子作曲家称之为“漫步”,这个“漫步”经变形,又穿插在各曲中间成为间奏,贯穿全曲。原画的题材内容驳杂,有肖像画,也有生活风俗画、风景画,还有民间传说和建筑设计。用音乐来表现画面,的确需要别出一番心裁,正因为如此,乐曲展示出奇特的想象,在手法上颇有创新。

    列宾为穆索尔斯基画的像,此时后者已住在精神病院。

    穆索尔斯基写《图画展览会》时,西欧音乐正在浪漫主义极盛时期,只是刚刚出现一点晚期浪漫主义的端倪。穆索尔斯基所做的探索和努力没有引起足够的注意,所以,一时间声息全无。只是到了下一个世纪,新潮流的倡导者们才发现《图画展览会》蕴藏的文化价值,纷纷动手改编,亨利·伍德、斯托科夫斯基、拉威尔等人的改编曲才重新唤醒了沉睡近半个世纪的组曲。这也正应了穆索尔斯基生前说过的一句名言:“艺术家相信未来,因为他生活在未来之中。”

    钢琴组曲《图画展览会》也同样没有得到来自“强力集团”内部伙伴的喝彩。事实上,小团体内部的裂隙已经出现,甚至公开化,居伊公然撰文攻击穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》。巴拉基列夫的精神领袖地位已不复存在,穆索尔斯基对李姆斯基·科萨科夫和鲍罗丁不屑一顾,认为穆索尔斯基转向学院派是出卖自我,放弃艺术追求,他一向把音乐学院看作艺术的天敌。而这几位从前的伙伴一致认为穆索尔斯基正在沦为一个酒徒。

    离开小团体,穆索尔斯基独自行走在艺术反叛的道路上,但性格的缺陷使他不能专心致志地创作,酒精的作用使他放弃尊严,去从事一些三流的行当以维持生活。在他生命的最后几年里再也没有写出过什么东西,组歌《阴郁》和《死之歌舞》是他绝望的杰作,写于1879年的《跳蚤之歌》是最后的辉煌。两年后,穆索尔斯基在他42岁生日那天,死于酒精中毒。病入膏肓时他还在重复他的座右铭,“大胆前进,走向新的彼岸……迈着坚定的步子踏上大有希望的土地——真是一个伟大而美好的任务!一个人必须为人类献出他的一切!”而他最后献出的只是一个被酒精吞噬的空洞的躯壳。俄罗斯伟大的油画家列宾为穆索尔斯基画的肖像,可以隐约看出他晚年的穷愁潦倒、不修边幅、臃肿憔悴,只是目光还在炯炯地看着远方,看着未来。

  • “与那些鸿篇巨制的伟大作品比肩而立,不见半分逊色” 拉索:《回声》

    很多高水准的合唱团在自己的保留曲目里,都列入《回声》这部无伴奏合唱曲。这首合唱曲短小精练,手法简洁又妙趣横生,像一场声音的游戏。演唱者从中得到乐趣,聆听者从中得到艺术满足。优秀的艺术品有恒久的生命力,时间是最公正而又无情的汰选者,它总是把最真实最美的留到最后。《回声》这首短小的合唱曲演唱起来只有两分钟左右,它历经400多个年头,跨越五个世纪,到今天仍不减一分风采。在这几百年间,西方音乐史发生数次剧变,一次次革新、一个个流派,有如潮水般冲刷着历史,无情地吞噬掉那些投一时之流俗所好的平庸之作,而这首短小的合唱曲却依然与那些鸿篇巨制的伟大作品比肩而立,不见半分逊色。

    《回声》的曲作者奥兰多·迪·拉索是文艺复兴时期杰出的作曲家,尼德兰乐派最卓越的代表人物,与同时代的帕莱斯特里那一起被认为是复调音乐的宗师。帕莱斯特里那是弥撒曲大师,他的音乐严谨、沉静、克制感情,被教会誉为“尽善尽美”的教堂音乐。拉索的成就则在经文歌、牧歌方面,他把世俗感情带入经文歌,气质冲动、感情勃发、富于活力,是人文主义在音乐中的表现。拉索与帕莱斯特里那是文艺复兴晚期的两位音乐巨匠,代表着16世纪复调音乐的最高成就,二人同在1594年去世。

    拉索是一位国际化人物,这不仅是因为他写过多种国度风格的音乐,也是由于他一生在许多国家游历。1532年拉索生于法国的蒙斯,这个地区后来归属比利时,他12岁时被一位贵族带到意大利,先后在西西里、米兰、那不勒斯等地生活。由于聪颖的天资、美好的嗓音、丰富的音乐阅历和勤学苦练,21岁就成了罗马圣约翰拉特兰教堂的圣咏乐长,这个职位后来由帕莱斯特里那接任。在乐长位置上只做了两年,拉索就去游历英法两国,然后在比利时的安特卫普定居。两年后去了德国,在慕尼黑的巴伐利亚公爵的教堂任歌手,31岁时当乐长。在乐长任上又不断出访,遍游威尼斯、巴黎、罗马。由于音乐成就卓著,教皇授予他“金马刺奖”,马克西米连二世封他为贵族。

    拉索的一生都在辗转各地,也许是童年时的传奇性遭遇已经暗示他必将如此。拉索童年时期适逢教堂音乐风气日盛,复调音乐的介入使唱诗班的人数势必增加,拉索嗓音优美,便进了教堂唱诗班当歌童。合唱的需要引起人才的争夺,其他地方的合唱队也四处物色“有天使般声音”的男童,结果拉索三次遭人诱拐。

    很多大艺术家的成功得益于游走四方开阔眼界,拉索也是如此。他足迹遍及欧洲,到过的都是文艺复兴文化名城,这不仅使他在艺术上大开眼界,而且欣赏艺术的同时吸收的是人文主义的进步思想。在意大利,遍布各大教堂的雕塑和壁画有许多是用世俗情感来表现宗教题材。由红衣主教本博重新编订的《彼特拉克诗集》再次成为文化艺术的情感表现热点,许多彼特拉克的十四行诗被谱曲,写成牧歌。这些诗歌着意于感情的丰富多彩,更接近于人类的普通感情,这个风气被称作彼特拉克运动。经过这些文化熏染,拉索虽然一生服务于各国宫廷和教堂,但他的音乐世俗化倾向是明显的,他力图通过音乐来表现世俗生活场景和普通人的日常生活感情。他出版的第一部歌集是牧歌,16世纪的牧歌与早期牧歌相比只是徒有其名,形式和内容都已截然不同。歌词包括十四行诗在内的各种诗歌类型,音乐采取复调,唱词内容多为多愁善感或爱情表白,甚至是色情的。牧歌是16世纪意大利世俗音乐里最重要的体裁,是牧歌的繁荣使意大利初次成为欧洲音乐的中心。拉索身为教会作曲家,大量写世俗音乐,这是他与帕莱斯特里那不同之处。

    周游列国的经历,使拉索得以接触和吸收各地的音乐习俗,极大地丰富了他的音乐素材。除了经文歌以外,他还写法国歌曲、德国歌曲和意大利歌曲,而这些歌曲又都是拉索创作的。他的经文歌里使用尼德兰的对位和意大利的和声,有法国的活泼节奏、有威尼斯的华丽、有德国的庄重,多才多艺的拉索善于融会各种风格。文艺复兴时期的作曲家没有任何人像他那样集中反映一个时代的文化,所以,音乐研究者说他是最具世界性的作曲家。

    拉索一生创作甚丰,作有经文歌、牧歌、歌谣2000首以上,有57部弥撒曲,如果不是各国音乐文化的滋养,这么大数量的创作是不可想象的。

    拉索对音乐史的主要贡献是复调艺术。中世纪以来,由教会严格控制的圣咏合唱一直禁止复调的介入,教会要保持对人的教化,使人的精神境界单纯;所以,采用的音乐简单朴素,是单声部的素歌,他们防止世俗的复调音乐进入教堂来乱人情志,坏人心术。但是,人们一直在做各种尝试,把复调技术运用到合唱里去。从12世纪到16世纪,出现了许多复调作曲家,复调技术也在逐渐发展,最终使复调声乐技术完善并运用到宗教音乐中的是拉索和帕莱斯特里那。

    复调艺术对于教堂音乐来说不是一个单纯的技术性问题。复调音乐产生于世俗,它渗透进宗教音乐,世俗歌调和歌词也随之而来,世俗情感也渗透进宗教音乐。教会认为这与教堂里肃穆、虔诚、敬畏的气氛不合,不利于厚人伦、美教化,持极端态度的教会人士认为应防微杜渐,清除复调音乐。但是,音乐文化的发展和人文主义思想的传播是没有界限的,任何樊篱都难以阻止先进文化的发展。拉索的经文歌里就掺进了大量世俗化内容,在他手里经文歌已不再是纯粹的宗教音乐,与世俗音乐很接近。但他真正的成就还是在牧歌和歌谣曲,这些歌曲的内容毫无禁忌,任何日常生活都可以表现,感情热烈而生动,活泼而欢乐,这些歌曲深受人们喜爱。拉索的合唱曲流传下来几百首,在中国舞台上经常演唱的就是《回声》。

    《回声》的歌词内容很简单,是描写山谷回音给人带来的游戏的快乐。音乐采用卡农手法,两组四部合唱前后呼应,通过强弱力度对比,描写出回声这一有趣的声学现象。卡农是复调音乐的一种手法,它由一个声部唱出一个旋律,其他声部在后面模仿这个旋律,小学生在集体唱歌时分成两组一先一后的轮唱就是最简朴的卡农。卡农的方法有许多种,早期音乐家挖空心思创制出许多复杂的卡农,使之玄奥费解。拉索的《回声》则以复杂深奥为不取,写来朴素天真,表现出人们在做回声游戏时的活泼快乐,也表现出置身大自然的欣喜。合唱曲《回声》在世界各国广泛流传,在我国列入小学音乐欣赏教材。